El 31 de Octubre de 1768 muere Francesco Maria Veracini en Florencia. Compositor y violinista italiano del Barroco, famoso por sus sonatas para violín. Pertenecía a una familia de músicos: su abuelo fue uno de los mejores violinistas de Florencia, su tío Antonio Veracini fue también compositor y el que lo inició en el violín, interpretando ambos en público. Sin embargo, su padre Agostino no tenía ninguna relación con la música, pues era farmacéutico. En 1711 se traslada a Venecia, donde participa como violinista en las misas de Navidad que se celebran en la Basílica de San Marcos en 1711 y 1712. El 10 de marzo de 1712 es oído por Tartini. Cuenta la leyenda que cuando el gran Giuseppe Tartini escuchó a Veracini, quedó tan impresionado y tan insatisfecho con su propia habilidad técnica que abandonó Venecia y huyó a Ancona, donde se encerró en un cuarto a practicar. En 1714 Veracini fue a Londres, donde interpretó piezas instrumentales (sinfonías según la terminología entonces utilizada) en los entreactos de las óperas representadas en el Queen´s Theatre de Westminster. Después de una temporada en Düsseldorf, regresó a Venecia en 1716 y escribió un conjunto de sonatas para violín dedicadas al Príncipe Federico Augusto (futuro Augusto III de Polonia). El príncipe se encontraba en Venecia reclutando músicos para la corte de su padre Augusto II de Polonia en Dresde.
Entre sus obras se cuentan 68 Sonatas: para violin y bajo contínuo, para violín y para flauta solo y bajo, así como Oratorios, óperas y diversos conciertos
Después de tantas músicas, metal y boleros, acabemos el mes con algo
clásico. ¿Y si nos vamos nada menos que al 1712 con nuestro Delorean?.
Escucharemos su Concerto a otto stromenti escrito en aquel año.
El 30 de Octubre de 1989 muere Pedro Vargas Mata en Ciudad de México. Tenor y actor mexicano. A pesar de su preparación operística, se dedicó al canto popular, alcanzando reconocimiento internacional, además de ser uno de los principales intérpretes de Agustín Lara. Se le conoció con los sobrenombres de «El ruiseñor de las Américas», «El tenor continental» y «El Samurái de la Canción». Como actor, formó parte de la Época de Oro del Cine Mexicano, participando en más de 70 películas. A los siete años cantaba en el coro de la iglesia de su ciudad, el maestro del coro fue el primero en reconocer su talento y en darle lecciones de canto. En 1920, a la edad de 14 años, llegó a la Ciudad de México y de inmediato empezó a cantar en los coros de varias iglesias y a ofrecer serenatas. Fue en el Colegio Francés de La Salle, donde después de escucharlo, le ofrecieron una beca para realizar la escuela secundaria, clases de piano y solfeo; ahí permaneció hasta terminar el bachillerato. Más adelante el maestro José Pierson también le daría alojamiento y lecciones de técnica vocal de forma gratuita. Mientras permanecía allí conoció a Jorge Negrete, Alfonso Ortiz Tirado y Juan Arvizu. José Mojica lo recomendó más adelante con Alejandro Cuevas, el maestro al escucharlo se ofreció también a darle lecciones sin costo.
Recibió la oportunidad de participar en la ópera «Caballería rusticana», el 22 de enero de 1928, por recomendación del maestro Jose Pierson en el Teatro Esperanza Iris. Recibió la oferta de viajar en una gira con la Orquesta Típica de Miguel Lerdo de Tejada, a los Estados Unidos, como cantante de música popular, lo que aceptó. En su primera visita a Buenos Aires grabó para el sello RCA Víctor dos temas de su autoría: "Porteñita mía" y "Me fui". Fue uno de los mejores y más exitosos intérpretes del compositor Agustín Lara, así como de muchos otros compositores de toda Hispanoamérica, lo que le permitió recorrer diversos países de este continente, principalmente Argentina, Colombia, Perú y Venezuela. Con un extenso repertorio que incluyó temas líricos como "Jinetes en el Cielo", canciones rancheras como "Allá en el Rancho Grande", boleros como "Obsesión", y temas nostálgicos como "Alfonsina y el mar", Pedro Vargas recibió de parte del público el calificativo de "Ruiseñor de las Américas".
Le escucharemos una preciosa canción de Alfonso Esparza: Un Viejo amor
Y de propina, dedicado a tantas Marías (escrita para María Félix, esposa del autor Agustín Lara): María Bonita
El 29 de Octubre de 1930 nace Omara Portuondo en La Habana. Cantante cubana de son y boleros, además de ser la mayor representante del llamado feeling. Conocida como «La diva del Buena Vista Social Club» o «La novia del feeling». Los fines de semana Omara y su hermana Haydée cantaban estándares de jazz con algunos amigos. Se hacían llamar Loquibambla Swing y el estilo que tocaban, una versión cubanizada de la bossa nova con influencias del jazz. se conoció como feeling ―o, castellanizado, «filin»―. En su debut de radio Omara fue anunciada como Omara Brown, «la Novia del Filin». Ese nombre artístico pronto fue olvidado, pero todavía no la definición que lo acompañó. Omara y su hermana Haydée Portuondo formaban un cuarteto vocal femenino con Elena Burke y Moraima Secada, liderado por la pianista Aída Diestro. Se convirtieron en uno de los cuartetos vocales más importantes de la música cubana y Omara permaneció con el Cuarteto Las De Aída durante 15 años, aunque la formación original solo grabó un álbum para RCA Víctor en 1957. Realizaron numerosas giras por América con innovadores arreglos vocales de Aída; tuvieron oportunidad de compartir escenarios con Édith Piaf, Pedro Vargas, Rita Montaner, Bola de Nieve y Benny Moré y también sirvieron como acompañantes de Nat King Cole cuando este se presentó en Tropicana. El 5 de noviembre de 2009 ganó el Premio Grammy Latino en la categoría Mejor Álbum Tropical Contemporáneo, con Gracias, pero lo relevante es que se convierte en la primera artista cubana residente en su país en ganar este prestigioso galardón y recogerlo con sus propias manos. En el disco Omara hace un recorrido por sus 60 años de carrera artística, con participaciones especiales del cubano Pablo Milanés, el uruguayo Jorge Drexler y el brasileño Chico Buarque. En 2010 grabó un tema para la película la versión española The Princess and the Frog, traducida como Taina y el sapo, de Walt Disney, interpretando una canción de la anciana Mama Odie: Dig a Little Deeper. Tiene grabados cerca de treinta discos en solitario y más de veinte en colaboraciones.
Hoy la escucharemos en "Dos Gardenias" y " Besame mucho". (Y no perdáis de vista al pianista)
El 28 de Octubre de 1981 se funda Metallica en Los Ángeles. Banda de thrash metal estadounidense originaria de Los Ángeles, pero con base en San Francisco desde febrero de 1983. A la fecha, la banda ha editado nueve discos de estudio. Las ventas totales de Metallica superan los 120 millones, y se les considera parte de los cuatro grandes del thrash metal, junto con Megadeth, Slayer y Anthrax. Además, el grupo ha conseguido numerosos premios musicales, entre los que destacan nueve Grammys, dos premios otorgados por la cadena musical MTV, dos galardones de la Academia de Música Americana (American Music Awards) y un premio de la revista Billboard, además de poseer una estrella en el Paseo de la Fama. El debut de Metallica en directo tendría lugar el 14 de marzo de 1982 en el club Radio City de Anaheim, en una actuación en la que la falta de experiencia sobre el escenario ocasionó serios problemas a la banda. Dos semanas más tarde tendrían la oportunidad de enmendar su error abriendo dos noches seguidas para los ingleses Saxon en el local Whiskey-A-Go-Go de Los Ángeles. Cabe decir que dentro del libreto del álbum de versiones que la banda realizó en 1998 titulado Garage Inc pueden encontrarse reproducidas las notas que el propio Ulrich tomó en aquel momento sobre la marcha de estos dos conciertos, incluyendo los setlists de ambas noches y las impresiones del batería sobre la marcha de las mismas.
El 27 de Octubre de 1990 muere Francisco de Asís Javier Cugat Mingall (conocido como Xavier Cugat) en Barcelona. Músico español, uno de los principales difusores de la música de Ernesto Lecuona, de la música afrocubana e iberoamericana. Nació en Gerona, aunque su familia emigró a Cuba en el año 1905. Estudió violín clásico y tocó en una orquesta en el teatro nacional de La Habana. Entre 1915 y 1918 interpretó tangos en Nueva York junto a una banda conocida como Los Gígolos. Posteriormente también se dedicó a dibujar tiras cómicas para el periódico Los Angeles Times. Se casó en cinco ocasiones y una de sus esposas más famosas fue la cantante Abbe Lane, que actuó con él en numerosas ocasiones hasta el divorcio de la pareja, luego contrajo matrimonio con la bailarina Charo Baeza, que se convirtió así en su quinta esposa hasta su divorcio. Participó en la banda sonora de las primeras películas con sonido y apareció en diversas películas de Hollywood, siempre en el papel de director de música rítmica, al tiempo que participaba junto a su orquesta en la actuación y a veces como actor con Esther Williams, Ricardo Montalbán, Jimmy Durante, Red Skelton, Jane Powell, Walter Pidgeon y el pianista José Iturbi. En España también participó en dos películas. Tiene una amplia discografía y grabó canciones de todo tipo de géneros: conga, mambo y samba, entre otros. Su ejemplo fue muy pronto seguido por otras orquestas, como la de Pérez Prado. Su orquesta fue una cantera de donde surgieron destacados intérpretes de la canción tropical. Fue enterrado en su ciudad natal de Gerona. El 1990 la Generalitat de Catalunya le concedió la Creu de Sant Jordi, la más alta condecoración catalana.
Hoy escucharemos y veremos a Cugat con su orquesta y como cantante su esposa Abbe Lane, en:
La malagueña
y en Me lo dijo Adela, escena de la película "Susana y yo" que fue cortada por los censores en aquellos tiempos en que nos protegían de las tentaciones.
Ya tenemos calendario de Noviembre sobre los músicos del día. Entre todos ellos selecciono el que nos sonará a diario, procurando que me guste para que os guste también a vosotros y procurando también un poco de variedad. Es un trabajo que me da mucha guerra y voy a dejar de publicarlo a partir de este mes. A cambio iré añadiendo, al pie del tema diario elegido, la lista de todos los que corresponden a ese día. Muchos de los descartados me gustaría publicarlos también, pero tengo limitarme a solo uno y descartar los ya publicados en el blog el año anterior.
DÍA
RECORDANDO A:
1
Joaquín Achúcarro, Salvatore Adamo, Victoria de los Angeles, Yma Sumac
2
Herb Geller,
3
Jerry Bock, John Barry, John Henry Barbee, Paul Mauriat, Samuel Scheidt, Vicente Bellini
4
Eliseo Grenet, Felix Mendelssohn, Gabriel Faure, Joaquin Valverde Duran, Ricardo Lafuente Aguado
5
Art Tatum, Bryan Adams, Ramon Calduch
6
Agustin Lara, Edgar Varese, John Philip Sousa, Miguel Aceves Mejía, Pepe Pinto
7
Ary Barroso, Bill Douglas, Howard Keel, Joan Sutherland
8
Basil Poledouris, Cesar Franck
9
Karl Stamitz, Quirino Mendoza y Cortes, Yves Montand
10
Ennio Morricone, François Couperin, Giuseppe Verdi estrena La fuerza del destino, Ruth Lorenzo
11
Alessandro Moreschi, Dimitri Tiomkin, Phil Taylor, Gerome Kern, Juan Pardo, Luz Casal, The mamas & the papas sacan Califonia Dreamin')
12
Alexandr Borodin, Frank Pourcel, Rudolf Friml, Umberto Giordano
13
Bruno Maderna, Gioachino Rossini, Jimmy Fontana, Miguel Aceves Mejía
14
Aaron Copland, Antonio Flores, Carey Bell, Gaspare Spontini, Johann Nepomuk Hummel, John Henry Barbee, Karl Michael Ziehrer, Leopold Mozart, Manuel de Falla, Narciso Yepes, Raul di Blasio, Richard´Addinsell, Yanni Chryssomallis
15
Christoph Willibald Gluck, Daniel Baremboim, Fritz Reiner, Mark John McEncroe
16
Giuseppe Verdi estrena Stiffelio, Paul Hindemith
17
Celso Albelo, Charles Mackerras, Heitor Villa-lobos, Steve Harris crea la banda Iron Maiden
18
Alain Barriere, Amadeo Vives, Compay Segundo, Ignacy Jan Paderewski, Karl Maria von Weber, Osvaldo Fresedo, Pedro Infante
19
Ataulfo Argenta, Franz Schubert, Haroldo Tapajós, Ivanov Hippolitov, Jose Velez, Josep Maria Tarridas, Tommy Dorsey, Vicente Lleó
20
Agapito Marazuela, Francesco Cilea, Paco Ibañez
21
Francisco Tárrega, Henry Purcell, Leopold Godowsky, Malcom Williamson, Mateo Perez de Albeniz, Severino Gazzelloni
22
Arthur Sullivan, Los Beatles publican el album "the beatles", Benjamin Britten, Bernardo Pasquini, Genaro Codina, Joaquin Rodrigo, Paloma San Basilio
23
Alfonso X el Sabio, Irwin Kostal, Jerry Bock, Johnny Mandel (o mendel), José Alfredo Jiménez, Krzysztof Penderecki, Manuel de Falla, Miley Cyrus, Thomas Tallis
Franz Xaver Gruber, Juan Carlos Calderon, Paul Hillemacher, Tarquino Merula, Wilhelm Kempff
26
Albert William Ketelbey, Earl Wild, Michael Jackson lanza el álbum "dangerous", Niña de los Peines (Pastora Pavon), Regino Sainz de la Maza, Tina Turner, Tommy Dorsey
27
Arthur Honegger, Guillaume Dufay, Jimmi Hendrix
28
Jean Baptiste Lully, Leo Bard, Randy Newman, Sergei Rachmaninov estrena concierto p/piano nº 3
El 26 de octubre de 1965 los Beatles recibieron la Medalla de Miembros de la Orden del Imperio Británicoen el Palacio de Buckingham por su contribución a la música inglesa y su proyección mundial. Se comenta que: "Ese día Lennon ocultó en sus botas varios cigarrillos de marihuana. Poco antes de la ceremonia, los Beatles se retiraron al baño donde todos fumaron un porro. John había llevado un porro más, con la esperanza de encontrarse con el Príncipe Carlos, que entonces tenia 16 años y era, sin duda, admirador de los Beatles. Sin embargo no se encontraron con el Príncipe en ninguna parte, y la historia nunca sabrá lo que habría podido pasar si ambos se hubieran encontrado aquel día" En 1969 John Lennon devolvió su medalla mediante una carta a la propia Reina de Inglaterra como protesta por el apoyo de Gran Bretaña a los EEUU en la Guerra de Vietnam Hay peticiones para que dicha medalla sea expuesta en un museo.
No sé si aquellas medallas llevaban diamantes, pero las Lucieron bien y me imagino que aquel día tocaron el cielo.
El 25 de Octubre de 1960 muere José Padilla Sánchez en Madrid. Conocido popularmente como «el Maestro Padilla» fue un famoso compositor y pianista español. En su casa parisina, el Ayuntamiento de la capital le rindió homenaje el 5 de diciembre de 2006 con una recepción y el descubrimiento de una placa conmemorativa en la que se recuerda cómo su música representa a París y a Francia en todo el mundo. En su discurso, Pierre Christian Taittinger expresa que José Padilla es el maravilloso lazo de unión entre España y Francia. España ha emitido Sellos de Correos de tirada internacional dedicado a José Padilla. La Casa Museo José Padilla se inauguró al público en 1992, con motivo de la Capitalidad Europea de la Cultura de Madrid, por el Rey de España, el Alcalde de Madrid y la UNESCO que descubrieronn una placa conmorativa y su música fue declarada de Interés Universal por la Unesco. José Padilla compone en diferentes países para América, Francia, estrenando en París, donde vive, en el Champs Elysées, Théâtre de l’Avenue, Gaité Lyrique, en la Ópera de Marsella, Italia, Inglaterra, España. Es el autor de obras tan célebres como Valencia, La Violetera, El Relicario, Princesita, Ça c’est Paris llamada «La Marsellesa de los parisinos», Estudiantina portuguesa, cantada en la Revolución de los Claveles de Portugal, Fontane representación de la Italia más sentimental y auténtica, y tangos, El Taíta del Arrabal, Vieja Herida, Tango al Corazón. El Relicario y La Violetera inspiran películas en diferentes países. Su música se encuentra en más de 300 películas y en series de países absolutamente distintos, expresión de su celebridad internacional y penetración en las sociedades y culturas más diversas. En Madrid se han dedicado Jardines al compositor y una calle a La Violetera y un monumento igualmente dedicado a la música de José Padilla. Hay calles en Valencia y diferentes ciudades dedicadas al compositor. Sería interminable relatar su paso por Madrid, Barcelona, París,.... para eso se puede ampliar la información abundante que hay en la red. Ahora ponemos una muestra con dos de sus obras más famosas.
VALENCIA, destaca por lograr 25 millones de francos en un año. El New York Times publica el enorme éxito de su estreno en Londres con el siguiente titular: Valencia Sweeps London Suddenly and Irresistibly -Valencia arrasa Londres de golpe e irresistiblemente
LA VIOLETERA.- en versión instrumental es el hilo conductor de Luces de la ciudad
dirigida por Charles Chaplin. La autoría de José Padilla fue omitida en
los créditos de la película por lo que puso y ganó el correspondiente
pleito en París.
El 24 de Octubre de 1949 muere Joaquín Nin Castellanos en La Habana. Compositor, pianista y musicólogo cubano. Su padre fue el escritor Joaquín Nin Tudó. Estudió en Barcelona con Felip Pedrell y en París, como alumno de Moritz Moszkowski, y más tarde estudió composición con Vincent d'Indy en la Schola Cantorum de París, donde luego enseñó de 1905 a 1908. Sus composiciones no son muy numerosas y tienen una fuerte influencia nacionalista española, aunque también compuso varias piezas de danzas cubanas. Como pianista, interpretó con gran pasión las obras de los antiguos compositores de tecla, especialmente del siglo XVIII, y viajó por Europa como ejecutante, difundiendo esa música. También publicó libros de canciones españolas y ensayos polémicos. Fue amigo de Maurice Ravel y uno de los testigos de la génesis del Bolero en 1928. Fue miembro de la Academia Española y recibió en Francia la Legión de Honor.
Compuso, entre otras, las siguientes obras:
Para piano solo: Canto de cuna para los Húerfanos de España, "1830" (Variaciones sobre un tema frívolo)
Para violín y piano: Seguida Española (Vieja Castilla, Murciana, Catalana, Andaluza), En el Jardín de Lindaraja
Para cello y guitarra: Suite Española
Para voz y piano: 10 Villancicos españoles, 20 Cantos populares españoles, Airs anciens.
El 23 de Octubre de 1948 nace Jordi Sabatés Navarro en Barcelona. Pianista español contemporáneo reconocido artísticamente en el ámbito del jazz, la canción popular y la cançó. Sabatés inicia su actividad musical a finales de los años 60, es autor de larga y prolífica trayectoria. Licenciado en Física, profesionalmente empieza su actividad musical en 1971, pero en sus inicio a finales de los 60 colabora con los grupos Picnic y Om, con el segundo como intérprete y arreglista en trabajos como Dioptria de Pau Riba, y en los primeros discos de cantautores como Maria del Mar Bonet, Ovidi Montllor, Quico Pi de la Serra. Ya en 1971 forma su grupo Jarka con el que publica: Ortodoxia y Morgue o Berenice, después editará Jordi Sabatés y Toti Soler (1973). Entre otros trabajos destaca su grabación Vampyria con Tete Montoliu en 1974 (considerada la mejor grabación de jazz catalán por la revista especializada "Jaç"), el grupo Jarka que lideró y una larga carrera en solitario. Recibió del Ministerio de Cultura el "Premio Nacional para Empresas Fonográficas" en 1983 por su CD The Ragtime Dance dedicado a Scott Joplin y el ragtime. También remarcable en 2004 es su acercamiento escénico al imaginario del cineasta aragonés Segundo de Chomón (Teruel 1871-París 1929), el ilusionismo del mago Hausson y la música en directo de Jordi Sabatés convergen en una propuesta que dilata y renueva el universo poético de la cinematografía de Chomón, que se muestra en una selección de 15 de sus más insólitas y sorprendentes películas:
Hoy escucharemos su; "Habanera-Tango" que compuso para el Documental "Bola de Nieve. dedicado al pianista y cantante cubano Ignacio Villa
El 22 de Octubre de 1921 nace Georges Brassens en Sète, Languedoc-Rosellón. Cantautor francés, exponente relevante tanto de la chanson française como de la trova anarquista del siglo XX. Alcanzó la fama gracias a las melodías de sus canciones, sencillas y elegantes; y a sus letras, variadas y elaboradas. Se le considera uno de los mejores poetas franceses de la posguerra (ganó el premio nacional de poesía). Puso música a poemas de muchos otros escritores, como Louis Aragon, Victor Hugo, Jean Richepin, François Villon y otros. Fuera de su país, actuó en Suiza, Bélgica, Canadá e Inglaterra. Es célebre la grabación en vivo de Brassens cantando en Londres la «Ballade des dames du temps jadis», poema del mencionado Villon donde el autor se pregunta «y que fue de Juana, la buena lorena que los ingleses quemaron en Rouen». En francés sus canciones fueron interpretadas por muchísimos cantantes y músicos, humoristas, etc. Algunos de ellos fueron Salvatore Adamo, Carla Bruni, Coluche, Manu Dibango, Juliette Gréco, Françoise Hardy, Noir Désir, Renaud y Alain Souchon. Los primeros en interpretar sus temas en español fueron Paco Ibáñez, que cantó varias de sus canciones durante su largo exilio parisino traducidas por Pierre Pascal; y en España, Jesús Munárriz (fundador de la editorial Hiperión), que tradujo algunas canciones de Brassens que solía cantar en actuaciones esporádicas (y casi siempre declaradas ilegales) y también Chicho Sánchez Ferlosio; en Argentina Nacha Guevara y Jorge Schussheim, a fines de los años sesenta en el Instituto Di Tella de Buenos Aires interpretaron Le pornographe y Marinette, respectivamente; también en España los argentinos Claudina y Alberto Gambino sacaron en 1971 un LP con 12 canciones de Brassens. Una de las canciones más conocidas de esta serie fue «La mala reputación» (La mauvaise réputation), cuya versión en español fue también luego adaptada por Paco Ibáñez desde la tradición de la canción protesta, el cantante rock Loquillo, la banda argentina de rock folklórico Arbolito. También interpretan a Brassens los españoles Javier Krahe (La tormenta, Marieta y alguna no editada),Joaquín Carbonell y el cantautor chileno Eduardo Peralta, quien incluso tiene un disco completo dedicado a Brassens, que contiene, entre otras, versiones de: «Brave Margot», «Fernande», «Jeanne», «Le fossoyeur»; además de otras excelentemente logradas como «Historia de falsedad» y «La guerra del 14». Las canciones de Brassens fueron también traducidas e interpretadas por otros cantantes menos conocidos, como el uruguayo Julio Canapa o el francés Antoine Candelas.
Hoy le escucharemos en una canción que fue como un testamento final: SúplicaparaserenterradoenlaplayadeSete Y como se borró el vídeo que puse inicialmente subtitulado, pongo tras el vídeo este el texto traducido por si alguien tiene interés de seguirlo mientras suena:
La Guadaña, la que jamás me perdonó Por haberle plantado en el cráneo una flor Me está siguiendo con sigilo Y ahora que los entierros me rondan, quizá Debo poner al día mi última voluntad Voy a pagarme un codicilo
Moja en la tinta azul del Golfo de Lion Moja, moja tu pluma, viejo tabelion Y con tu más bella escritura Toma nota de lo que dispongo arreglar Cuando el cuerpo y mi alma ya no acuerden más que en el punto de la ruptura
Cuando mi alma se eleve sobre el horizonte Hacia las de Gavroche y de Mimí Pinson De las chichis, de las grisetas Que mi cuerpo sea puesto embalado en un tren Paris-Mediterráneo y lo bajen ni bien Arribe a la estación de Sète
Mi panteón familiar no es muy nuevo, verán Dicho en una palabra, no cabe uno más Y hasta que alguno lo abandone Va a pasar mucho tiempo y no puedo obligar A esa gente diciendo: "apretújense atrás, Déjenle espacio a uno más mas joven"
Justo al borde del mar a dos pasos de las Bellas olas azules les pido cavar Un confortable y lindo nicho Cerca de mis amigos de infancia feliz Los delfines, en esas arenas tan finas, En la playa de La Corniche
Una playa en que aún en su furia mayor Tan en serio Neptuno jamás se las tomó Donde cuando un barco naufraga El capitán grita “Al mando estoy yo! Salve quien pueda el vino el anís y valor! Cada cual va con su garrafa”
Y fue allí que a los quince, se sabe es la edad En que no alcanza con gozar en soledad Que tuve mi primer romance Junto a una sirena, mujer-tiburón Recibí del amor la primera lección, El trago de mi primer lance
Cortesía obligada con Paul Valéry Que este humilde juglar quiera sobresalir Si el buen maestro lo dispensa Si sus versos superan los míos, tal vez Sea mi cementerio más marino que el de él Y que los paisanos no se ofendan
Esta tumba ubicada entre el cielo y el mar Le va a dar un encanto sutil al lugar Sin la menor sombra de pena Al reparo del viento las bañistas vendrán A cambiarse de ropa y sus críos dirán Qué hermoso castillo de arena!
Si no es mucho pedir, en mi humilde solar, Una especie de pino les ruego plantar Y que dé sombra, de preferencia Que sabrá proteger contra la insolación A los que vengan a hacerme la concesión De una afectuosa reverencia
Sean de España o de Italia vendrán por aquí A traerme los aires de sus melodías El mistral y la tramontana Sobre mi último sueño van a resonar Algún día un fandango, otro día quizá la tarantela o la sardana
Si tomando mi túmulo como un sofá una ondina gentil agotada del mar casi desnuda se tendiera Me adelanto a pedirle perdón a Jesús Si la ninfa me da, a la sombra de su cruz Una breve dicha postrera
Pobre rey faraón, pobre Napoleón Pobres los grandes que yacen en el Panteón Cenizas de gente importante Desde ya me figuro qué envidia tendrán Del que en la playa puede feliz retozar Como un eterno veraneante.
El 21 de Octubre de 1917 nace John Birks Gillespie (más conocido como Dizzy Gillespie) en Cheraw, Carolina del Sur.Trompetista, cantante y compositor estadounidense de jazz. junto con Charlie Parker, fue una de las figuras más relevantes en el desarrollo del bebop y del jazz moderno. Fue durante toda su vida un incansable experimentador de la música afroamericana, lo que le llevó a experimentar con el jazz afrocubano, colaborando con percusionistas como Chano Pozo . También experimentó en otros géneros como el calipso, la bossa nova y colaboró con músicos externos al mundo del jazz como Stevie Wonder. Sus composiciones incluyen estándares de jazz como «Anthropology», compuesto por Gillespie y Parker, «A Night in Tunisia», «Manteca», «Groovin’ High», «Salt Peanuts», «Woody 'n' You». Por otra parte, el también estándar «Hot House», estrechamente asociado con Gillespie y Charlie Parker, es una composición de Cab Calloway, en cuya big band Gillespie había trabajado. En sus primeros años como trabajó con las big bands de Cab Calloway y Earl Fatha Hines. Años después, en 1945 colaboró con el saxofonista Charlie Parker, con quien grabó algunos de los más revolucionarios temas de la historia del jazz. Se conocieron en Kansas City, en una habitación de hotel y no pudieron dejar de tocar. Como dijo Gillespie sobre ese encuentro: «teníamos ideas gemelas y era difícil distinguir lo que provenía de mí, de lo que venía de él». De ese encuentro nacía el bebop, con recordados espectáculos en el bar Minton's. Parker y Gillespie siguieron caminos separados: mientras el primero era inigualable en pequeñas formaciones, Gillespie ofrecía lo mejor de sí frente a grandes formaciones. Mientras Parker sufrió la marginación, Gillespie se convirtió en una de las figuras más reconocidas del jazz. Su fama se acrecentó con su fuerte personalidad y sus espectáculos personales entre los que se destaca su habilidad para el scat, los instrumentos de percusión centroamericanos y sus apariciones públicas entre las que se destaca su postulación a la presidencia de los Estados Unidos en 1964. Por otra parte, fue uno de los primeros jazzistas afro-norteamericanos en integrarse en 1947 a tocar el jazz afrocubano creado por Mario Bauzá, en la orquesta de Machito en 1943, por lo que sobrepasó las fronteras estadounidenses y se internó en la música mundial rápidamente. A partir de mediados de la década de 1950, Gillespie comenzó a usar trompetas fabricadas especialmente para él con la campana saliendo a 45' del cuerpo del instrumento. En 1986, donó una de ellas, una Silver Flair de la marca King, al National Museum of American History.
De su amplia discografía veremos hoy un divertimento acompañado por Louis Armstrong: Umbrella Man
El 20 de Octubre de 1901 nace Frank Churchill en Rumford, Maine. Compositor de cine estadounidense. Él escribió la mayor parte de la música para Disney 1937 películas Blancanieves y los siete enanos , incluyendo " Hi-Ho ", " Silbando al trabajar ", y " Some Day My Prince Will Come ". Otras películas de Disney que incluyen las que trabajó Dumbo , Bambi , y Las aventuras de Ichabod y el señor Sapo. Había comenzado su carrera tocando el piano en salas de cine a la edad de 15. Después de abandonar la estudios de medicina en la UCLA para seguir una carrera en la música, se convirtió en un acompañante en el Los Ángeles estación de radio KNX (AM) en 1924. Se unió a los estudios Disney en 1930, y obtuvo muchos cortos animados - su canción de Los tres cerditos , " ¿Quién tiene miedo del lobo feroz ", fue un gran éxito comercial. En 1937, fue elegido para anotar el primer largometraje de animación de larga duración de Disney, Blancanieves y los siete enanitos . Sus pegadizas canciones, ingeniosamente escritas jugaron un papel importante en el éxito inicial de la película y la continua popularidad. Debido al éxito de Blancanieves y los siete enanos, Churchill se convirtió en el supervisor de la música en Disney, así como ayudar a escribir música para películas como Las aventuras de Ichabod y el señor Sapo y Peter Pan , cuando los dos estaban en producción. Él compartió créditos con Jack Lawrence para la canción eliminada " Nunca sonría en un cocodrilo " de Peter Pan.
Hoy veremos una escena de su obra más conocida: Bancanieves.
El 19 de Octubre de 1913 nace Marcus Vinícius da Cruz de Melo Morais (conocido por Vinicius de Moraes) en Río de Janeiro. Figura capital en la música popular brasileña contemporánea. Es el compositor de la famosa canción de bossanova Garota de Ipanema (en español, "La Chica de Ipanema").Como poeta escribió la letra de un gran número de canciones que se han convertido en clásicas. Como intérprete, participó en muchos discos. También fue diplomático de Brasil. Nacido en el seno de una familia aficionada a la música, de Moraes comenzó a escribir poesía a una edad temprana. A los 14 años se hizo amigo de los hermanos Paulo y Haroldo Tapajós y compuso con este último Loura ou Morena, su primera canción. En 1929, comenzó a estudiar derecho en Río de Janeiro. A partir de 1932 escribió las letras de diez canciones que fueron grabadas por los hermanos Tapajós. Cuando finalizó sus estudios, publicó sus libros Caminho para a distância (1933) y Forma e exégese. Más tarde (1935) comenzó a trabajar como censor cinematográfico y escribió su tercer libro Ariana, a mulher (1936). En 1938 de Moraes se instaló en Inglaterra con una beca concedida por el gobierno inglés en la Universidad de Oxford y escribió Novos Poemas. En 1941 volvió a Río y comenzó a escribir críticas de cine en periódicos y revistas. Dos años más tarde se unió al cuerpo diplomático de Brasil y publicó su libro Cinco elegías. En 1946 fue enviado a Los Ángeles como vicecónsul en su primer destino diplomático y publicó su obra Poemas, sonetos e baladas. Al principio de 1950, de Moraes volvió a Brasil por la muerte de su padre. Su primer samba (compuesto junto con el músico Antônio Maria) fue Quando tu passas por mim y se publicó en 1953. En ese año se trasladó a Francia como segundo secretario de la embajada de Brasil. Su obra de teatro Orfeu da Conceição ganó el Concurso del IV Centenario de São Paulo en 1954. Al año siguiente escribió la letra de algunas de las piezas de música de cámara de Cláudio Santoro. En 1959 Marcel Camus lleva al cine Orfeu da Conceição con el título de Orfeo negro. En esa época de Moraes entra en contacto con Antonio Carlos Jobim, iniciando una amistad y una colaboración que tiempo después, con la incorporación de João Gilberto daría lugar a un movimimento de renovación en la música brasileña. Jobim escribe la música para Se todos fossem iguais a você, Um nome de mulher y otras canciones de la película, grabadas, entre otros, por Luís Bonfá. Orfeo negro ganó el Óscar a la mejor película de habla no inglesa, la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el premio de la Academia Británica. En ese momento era cónsul en Montevideo. Tras un regreso a sus destinos diplomáticos en Francia y Uruguay, publicó sus obras Livro de sonetos y Novos poemas II. En 1958, la cantante Elizeth Cardoso publicó el disco Canção do amor demais, que marcó el comienzo de la bossa-nova. Este disco solo contiene composiciones del dúo Jobim-de Moraes o realizadas por uno de los dos (Canção do amor demais, Luciana, Estrada branca, Chega de saudade, Outra vez...), en una producción que también incluía a João Gilberto en las dos últimas pistas. A partir de este disco la carrera de todos ellos recibió un gran impulso. Suele decirse que Chega de saudade es el tema que inaugura la bossa nova. En los años sesenta, Vinícius realizó colaboraciones con muchos cantantes y músicos reconocidos en Brasil, en particular con Toquinho (el colaborador más frecuente de De Moraes y uno de sus grandes amigos). Sus canciones Para uma menina com uma flor y Samba da bênção (con música de Baden Powell) fueron incluidas en la banda sonora de Un homme et une femme (de Claude Lelouch, 1966), película ganadora del Festival de Cannes. Aparte de sus compañeros brasileños, cientos de intérpretes de muchas nacionalidades y estilos han grabado alguna de sus más de 400 canciones. Entre ellas, sobresale Garota de Ipanema (con música de Tom Jobim) por la incontable cantidad de interpretaciones, versiones, adaptaciones, traducciones y grabaciones de las cuales ha sido objeto. Se estima que es una de las tres canciones más versionadas en la historia de la música contemporánea, junto con Bésame Mucho (de la autoría de la mexicana Consuelo Velázquez) y Yesterday, de Paul McCartney. Tal vez sea debido a la circunstancia de que la poesía de Vinicius está íntimamente ligada a la Bossa Nova y la música popular brasileña, aunado a su estilo de vida, que su obra no goza de la consideración que merece dentro de los círculos intelectuales y el mundo de las letras. Sin embargo, existen varios poetas, escritores, críticos y ensayistas dentro y fuera de Brasil que lo consideran como uno de los tres mayores exponentes de la poesía en lengua portuguesa. Sus poemas logran una armonía y una belleza estética sumamente apreciadas, y el fondo filosófico-romántico en ellos es interpretado como verdaderos atajos para la felicidad. Quizás el mejor ejemplo de lo anterior sea el poema Para viver um grande amor, donde quedan sintetizadas toda la filosofía y la forma poética preferidas por este gran bohemio. Mención aparte merece su enorme atracción hacia las mujeres. Todo parece indicar que contrajo matrimonio en siete ocasiones y procreó diez hijos. Unas de sus grandes obras es el disco proveniente de las sesiones de grabación en el café-concert La Fusa de Buenos Aires en 1970. Debido al éxito de éste se grabó un segundo álbum en la Fusa de la ciudad de Mar del Plata) en 1971, provincia de Buenos Aires donde en el verano del año 1971 tocaron varias canciones famosas, con la voz de María Bethania y la guitarra de Antonio Pecci (Toquinho). Vinicius sugirió para lograr un mejor resultado del disco, que las canciones fuesen grabadas en el estudio y que después, encimaran las voces del público rioplatense, entusiasta, alegre y emotivo. Hoy en día, si se escucha con atención el disco se puede apreciar como Toquinho improvisa mientras Vinicius dirige unas palabras a su público; luego se escucha el corte de la grabación, y se nota el cambio de tono de la guitarra de Toquinho. Vinicius cuenta que aquellos fueron de los mejores años de su vida, donde no faltaron mujeres y whisky. Con su voz de cava, teñida por los cigarros y el alcohol, Vinicius canta como nunca.
El 18 de Octubre de 1961 nace Wynton Marsalis Learson en Nueva Orleans. Trompetista, compositor, profesor, y director artístico de Jazz en el Lincoln Center en Nueva York. A los ocho años, Wynton tocaba la música tradicional de Nueva Orleans en la banda de Fairview Baptist Church y los 14 con la Filarmónica de Nueva Orleans. A los 17 años, fue el músico más joven admitido en Berkshire Music Center de Tanglewood , donde ganó el Premio Harvey Shapiro de la escuela para los estudiantes de metal. Marsalis también ha escrito cinco libros sobre jazz. Uno de sus más recientes lanzamientos fue una colaboración 2011 con el guitarrista de blues-rock Eric Clapton , un concierto de jazz en el Lincoln, que produjo el álbum en vivo Wynton Marsalis y Eric Clapton. Tiene una estatua dedicada en Vitoria (España), ha ganado nueve premios Grammy . En 1983 y 1984, se convirtió en el único artista que ha ganado premios Grammy por jazz y discos de música clásica. Él es uno de los únicos dos artistas en ganar premios Grammy durante cinco años consecutivos. El Secretario General de las Naciones Unidas , Kofi Annan, proclamó a Marsalis embajador internacional de buena voluntad de los Estados Unidos por lo que se le nombra Mensajero de la Paz de la ONU (2001). En 1997, Marsalis se convirtió en el primer músico de jazz en ganar el premio Pulitzer de música por su épica oratorio , Blood on the Fields . En una nota personal a Marsalis, Zubin Mehta escribió, "No me sorprendió su premio Pulitzer para Blood on the Fields. Es un lienzo amplio, bellamente pintado que impresiona e inspira. Se habla a todos nosotros ... "Estoy seguro de que, en algún lugar en el firmamento, Buddy Bolden , Louis Armstrong y enormes cantidades de otros están sonriendo abajo en usted". Marsalis ganó los Países Bajos ' Edison Award y el Grand Prix du Disque de Francia. El alcalde de Vitoria, España, le concedió la Medalla de Oro de la ciudad - la más codiciada distinción. En 1996, el conservatorio superior de Gran Bretaña, la Real Academia de Música , hizo a Marsalis miembro de honor, la más alta condecoración de la Academia para un ciudadano no británico. La ciudad de Marciac, Francia, erigió una estatua de bronce en su honor. El Ministerio de Cultura francés nombrado Marsalis el rango de Caballero de la Orden de las Artes y Literatura, y en el otoño de 2009, Marsalis recibió la más alta distinción de Francia, la insignia de Caballero de la legión de honor , un honor que fue otorgado por primera vez por Napoleón Bonaparte
Hoy nos depara una inlvidable versión de El Carnaval de Venecia.
El 17 de Octubre de 1847 nace Francisca Edwiges Neves Gonzaga (conocida como Chiquinha Gonzaga) en Rio de Janeiro. Compositora, pianista y directora de orquesta brasileña. Fue la primera mujer a componer y tocar choro, primera pianista de choro, autora de la primera marcha de carnaval, (Ô Abre Alas, 1899) y también la primera mujer a dirigir una orquesta en el Brasil. Bien temprano ya frecuentaba bailes de lundu, umbigada y otros ritmos originarios de África, pues en esos encuentros buscaba su identificación musical con los ritmos populares que venían de las rodas de los esclavos. Comenzó a los 11 años de edad su carrera de compositora con una música navideña, Canção dos Pastores (canto de los pastores). Tuvo una vida matrimonial muy complicada pero lo que nos interesa ahora es su vida musical. Después de su separación, pasó a vivir como música independiente, tocando piano en tiendas de instrumentos musicales. Dio clases de piano para mantener a su hijo João Gualberto y tenerlo junto a sí, sufriendo prejuicio por criar su hijo sola. Pasó a dedicarse enteramente a la música, donde obtuvo gran éxito; formó su propio grupo musical, su carrera fue en ascenso y se hizo muy famosa, destacándose también como compositora de polkas, valses, tangos y canciones. Antes, sin embargo, se unió a un grupo de músicos de choro, presentándose en bailes. La necesidad de adaptar el sonido del piano al gusto popular le valió la gloria de hacerse la primera compositora popular del Brasil. El éxito comenzó en 1877, con la polka 'Atraente'. A partir de la repercusión de su primera composición impresa, resolvió lanzarse en el teatro de variedades y revista. Estrenó componiendo la banda sonora de la opereta "A Corte na Roça", el 1885. En 1911, estrena su mayor éxito en el teatro: la opereta Forrobodó, que llegó a 1500 presentaciones seguidas después de estrenar - hasta hoy el mayor desempeño de una pieza de este género en el Brasil. En 1934, a los 87 años, escribió su última composición, la partitura de la pieza "Maria". Fue creadora de la célebre partitura de la opereta "A Jurity", lanzamiento del "choro" Corta Jaca, en el palacio presidencial. Chiquinha participó activamente de la campaña para la abolición de la esclavitud porque sus ancestros maternos fueron esclavos y sufrieron mucho, y por la proclamación de la república en Brasil. También fue la fundadora de la Sociedad Brasileña de Autores Teatrales. En total, compuso músicas para 77 piezas teatrales, habiendo sido autora de cerca de dos mil composiciones en géneros variados: valses, polcas, tangos, lundus, maxixes, fados, quadrilles, mazurcas, choros y serenatas.
Hoy vamos a escuchar la polka Atraente con la que comenzó su éxito acompañada con unas interesantes imágenes antiguas de Río.
El 16 de Octubre de 1973 muere Gene Krupa en Yonkers, New York. Músico estadounidense de jazz y un gran baterista de big band, conocido y reconocido por su enérgico y brillante estilo de tocar. Comenzó su carrera profesional a mediados de la década de los años 1920 con bandas en Wisconsin. Emergió en la escena musical de Chicago en 1927, cuando fue seleccionado por la MCA para convertirse en miembro de la orquesta de Thelma Terry y Sus Playboys, entonces la más notable banda americana de jazz liderada por una mujer. Hizo su primera grabación en 1927, con una banda liderada por el bajista Eddie Condon. En 1934 se unió a la banda de Benny Goodman, donde su particular forma de tocar la batería le convirtió en una celebridad nacional. En 1938, tras una pelea pública con Goodman en el Earl Theater de Filadelfia, dejó a Goodman para lanzar su propia banda, con la que obtuvo diferentes grandes éxitos junto a la cantante Anita O'Day y el trompetista Roy Eldridge. Muchos consideran a Krupa como el más influyente baterista del siglo XX, especialmente por el desarrollo del propio instrumento de la batería. Su principal influencia comenzó en 1935 en compañía de Benny Goodman, donde sobresalió como una auténtica estrella, pero sobre todo por su uso del pedal del bombo de la batería, y por el depurado empleo de la técnica del sock cymbal. Este particular método de tocar se publicó en 1938 y se convirtió en un texto estándar para el estudio del instrumento. Grabó cerca de treinta discos de 78 rpm, pero hoy le vamos a escuchar en un histórico duelo de baterías : The legendary DRUM BATTLE.
El 15 de Octubre de 1900 muere Václav Antonín Zdenek Fibich en Praga. Fue un compositor checo alumno de Ignaz Moscheles en el Conservatorio de Leipzig y Hans Richter en Praga. En 1871 se estableció en la capital checa, donde fue nombrado director del Teatro Nacional. Considerado uno de los más grandes compositores de la escuela nacional de Bohemia del siglo XIX junto a Antonín Dvořák y Bedřich Smetana. Es autor de ocho óperas y tres melodramas inspiradas en el lenguaje teatral de Wagner, cinco sinfonías, un ciclo de más de 300 miniaturas para piano titulado Impresiones, Vivencias, Recuerdos, tres cantatas y dos misas, además de una gran obra orquestal y de cámara.
Hoy escucharemos una melodía muy conocida: Poema para violín y piano.
El 14 de Octubre de 1940 nace Harry Rodger Webb (conocido como Cliff Richard) en Lucknow. Cantante, músico, actor y filántropo británico. Fue uno de los fundadores de The Drifters, cambiaron el nombre a Cliff Richard and the Drifters y posteriormente a Cliff Richard and the Shadows. En el periodo entre 1958 y 1963, Cliff Richard y the Shadows se mantuvieron como el grupo más importante en Gran Bretaña. Estuvieron de gira en los Estados Unidos, y con frecuencia le robaban el protagonismo al grupo estadounidense al que acompañaban. El problema fue que la compañía discográfica no puso suficiente empeño en la distribución de los álbumes, y se perdieron muchas oportunidades. Ocurrió lo mismo con sus apariciones en el Ed Sullivan Show (que era responsable de gran parte del éxito de The Beatles, pero no ayudó mucho a Cliff y the Shadows). Muchos grupos conocidos de los años 60 y 70 comenzaron imitando a Cliff y the Shadows, interpretando únicamente material suyo, y se enseñaba a los grupos a copiar cómo ellos hacían las cosas. A The Beatles los llevaban a conciertos de Cliff y the Shadows para que se fijasen en las ropas, la presencia en el escenario y varias cosas más, y como pertenecían al rebaño de Abbey Road, se hicieron buenos amigos de la banda. Representó dos veces a Reino Unido en el Festival de la Canción de Eurovisión, las dos veces sin ganar, aunque su primer intento, Congratulations (1968), fue un rotundo éxito en Gran Bretaña y parte de Europa, y se ha convertido en un clásico que todavía se canta en determinadas celebraciones. Fue derrotado en el Royal Albert Hall de Londres por la española Massiel, con La, la, la. En una segunda ocasión concurrió al concurso en 1973 con la canción Power to all a friend, quedando en la 3ª posición por detrás, de nuevo, de España con Mocedades y el célebre Eres tú. En junio de 1990 Cliff Richard & The Shadows se reúnen por última vez y toman parte del masivo concierto benéfico, junto con otras importantes bandas Británicas en Knebworth Park con una asistencia de 120,000 personas. El concierto es transmitido por MTV, Radio Virgin y BBC Radio One, entre otras.
Hoy escucharemos aquel tema eurovisivo tan famoso y popular como lo fue el Congratulations.
El 13 de Octubre de 1941 nace Paul Frederic Simon en Newark, Nueva Jersey. Cantante, músico y renombrado compositor musical estadounidense. Fue el compositor del dúo Simon & Garfunkel, autores de diversos álbumes de gran éxito como Bridge Over Troubled Water (1970). Antes de unirse a Garfunkel, Simon había compuesto y grabado más de 30 canciones. Simon y Garfunkel contribuyeron también a la banda sonora de la película El Graduado, Paul Simon compuso la canción "Mrs. Robinson" especialmente para la película; en el film también aparecen otras canciones del dúo. La canción "Mrs. Robinson" consiguió dos premios Grammy. Tras la separación de Simon y Garfunkel, Paul Simon inició una carrera en solitario. A principios de 1973 Paul Simon volvió al estudio tardando apenas 6 meses en tener terminado su nuevo álbum, lo que constituye todo un récord en su carrera, donde a menudo la preparación de una obra nueva suele llevarle un promedio de 18 meses. El fruto fue There Goes Rhymin´ Simon, editado en junio, uno de sus LP más optimistas y mejor cohesionados, en el que se palpa la influencia de la música gospel. El álbum alcanzó el nº 2 de las listas, ganando un disco de oro. De él se extrajeron como singles dos de los grandes clásicos en la discografía de Simon: "Kodachrome" y "Loves Me Like A Rock". Otro tema del álbum, "American Tune", fue elegida por la revista Rolling Stone como Canción del Año 1973. Hoy escucharemos una de sus míticas canciones: The Boxer
El 12 de Octubre de 1961 muere Marguerite Monnot en París. Pianista y compositora francesa de canciones y música para películas. Fue conocida por componer muchas de las canciones interpretadas por Édith Piaf (Milord, L'hymne à l'amour), y por la comedia musical Irma la douce que gozó de gran éxito internacional. Su madre era profesora, su padre daba clases de piano y composición de música religiosa y era el encargado del órgano de la iglesia de Saint-Aré, patrón del lugar. Desde muy joven, Marguerite manifiestó un talento musical precoz. A los 8 años ya era capaz de interpretar a Liszt, Chopin y Mozart. A los 16 años, luego de haberse negado, a instancias de sus padres, a ser parte de los músicos oficiales de la corte de España, Marguerite Monnot entra en el Conservatorio de París. Poco después comienza una gira de conciertos por Europa que interrumpe al cumplir los 18 años. Su descubrimiento de la canción popular le despertará el gusto por la composición. Con 22 años, registra su primera canción "Ah! Les mots d'amour!". En 1935 su carrera toma un nuevo rumbo cuando su composición "L'étranger" recibe el prestigioso Gran Premio de la Academia Charles-Cros. Interpretada al principio por Annette Lajon, "L'étranger" fue luego adoptada por una joven cantante de cabaret en pleno ascenso de su carrera, Édith Piaf. Marguerite Monnot compondrá luego la música para Mon légionnaire, interpretada inicialmente por Marie Dubas. Piaf, quien admiraba a Dubas, retomará la canción a su retorno en 1937. Ese será el inicio de una colaboración fructífera de casi 25 años, además de una amistad profunda entre las dos mujeres. Marguerite Monnot trabajará con otros letristas durante los años de ocupación nazi, escribiendo entre otras "Où sont-ils donc mes petits copains" y "Tu es partout" (que más tarde formará parte de la banda sonora de la película "Rescatando al Soldado Ryan"). En 1956, "La goualante du pauvre Jean" alcanzó el número 1 en ventas en los Estados Unidos, bajo el título "The poor people of Paris", interpretada por Dean Martin. También probó suerte en la comedia musical al componer la música de "Irma la douce". Muy novedosa para su época, sería una de las pocas comedias musicales francesas en triunfar en el Reino Unido y los Estados Unidos. Posteriormente compuso el famoso "Hymne à l'amour", escrito para Piaf. Tras ello, "Milord", con la letra de Georges Moustaki, alcanzaría un enorme éxito internacional. Finalmente se enemistará con Piaf para la que había compuesto cerca de treinta canciones. Para el cine compuso una docena de bandas sonoras.
Hoy vamos a escuchar esa canción que tanto éxito tuvo en Estados Unidos y que también se escuchó por aquí como lo comprobaremos en las voces de Los Xei.
La Goualante du Pauvre Jean (por Edith Piaf):
La canción del pobre Juan por los Xey (¿Alguien recuerda el "Buen menú" "¡Oh Pepita!", "Los Feos", ... ?)
El 11 de Octubre de 1948 nace Evangelina Sobredo Galanes (más conocida como Cecilia) en El Pardo, Madrid. Cantautora española que, aunque su carrera artística fue corta, consiguió gran popularidad con canciones como Un ramito de violetas, Mi querida España,Dama, dama, o Amor de medianoche que lograron ser un éxito en España en la década de los setenta.
El 2 de Agosto recordábamos su lamentable pérdida en esta entrada:
Hoy escucharemos, en víspera del 12 de Octubre, otra gran canción suya y nuestra; suya y nuestra como esa España que a veces nos duele y a veces nos sana, que a veces nos deprime y a veces nos alegra, esa tierra que nos vio nacer y recogió nuestras primeras lágrimas y vibró con nuestras primeras risas y llantos.
El 10 de Octubre de 1854 nace Gerónimo Giménez y Bellido en Sevilla. Compositor y director de orquesta español. Se dedicó fundamentalmente a la composición de zarzuelas, dejando títulos destacados en el repertorio. Fue un niño prodigio, que a los 12 años ingresó como primer violín del Teatro Principal de Cádiz. A los 17 años ya era director de una compañía de ópera y zarzuela, debutando como director en Gibraltar con la ópera Safo de Giovanni Pacini. Se trasladó a París al obtener una beca, dónde estudiando violín con Delphin Alard y composición con Ambroise Thomas, obtuvo el primer premio de armonía y contrapunto. Más tarde, viajó a Italia y luego se instaló en Madrid. En el año 1885 se le nombró director del Teatro Apolo de Madrid y poco después director del Teatro de la Zarzuela. Ruperto Chapí le encargó el estreno de su zarzuela El Milagro de la Virgen, y también estrenó La bruja. Compuso mucho, frecuentemente con rapidez y sobre libretos de calidad más bien dudosa. Pero también colaboró con los mejores autores de sainete de la época: Ricardo de la Vega, Carlos Arniches, Serafín y Joaquín Álvarez Quintero y Francisco Javier de Burgos y Sarragoiti. Compuso algunas obras con la colaboración de Amadeo Vives, quien calificó a Giménez de «músico del garbo», por su sentido rítmico y su fácil melodismo. En 1896 compuso El mundo comedia es, o El baile de Luis Alonso sobre texto ya estrenado sin música, de Javier de Burgos. A raíz del éxito puso música a otro sainete del mismo autor con los mismos personajes, que se convertiría en una de sus obras más célebres: Las bodas de Luis Alonso o La noche del encierro (1897). Esta segunda parte, que como excepción obtuvo más éxito que la primera, no es una continuación de su argumento, sino que se trata una situación anterior en el tiempo. De ambas han perdurado los popularísimos intermezzos. Entre sus obras y destacaría: Los voluntarios, El baile de Luis Alonso, La boda de Luis Alonso, La tempranica, La torre del oro, El húsar de la guardia, La gatita blanca.
Y también música de cámara como: Tres cadencias para el concierto para violín y orquesta de Ludwig van Beethoven, para violín
Y hoy vamos a escuchar su impresionante y rico en temas: Preludio de "La torre del oro" :
El 9 de Octubre de 1973 muere Rosetta Nubin (también conocida como Rosetta Tharpe o Sister Rosetta Tharpe) en Filadelfia. Fue una pionera vocalista de gospel que adquirió gran popularidad en los Estados Unidos en las décadas de 1930 y 1940 con su mezcla única de letras espirituales y acompañamiento rock and roll. Devino la primera gran estrella de la música gospel en los años 30 y es conocida como 'original soul sister'. Influyó de manera muy potente, como una tempranísima música de rock & roll, a Little Richard, Johnny Cash, Chuck Berry, Elvis Presley y Jerry Lee Lewis. En un intento de cruzar la línea entre la música sagrada y la música laica tocando su música espiritual 'luminosa' en la 'oscuridad' de los clubes nocturnos y salas de conciertos con grandes bandas como acompañantes, su idiosincrático estilo dejó una marca en los artistas gospel más convencionales , aunque ofendió a muchos fieles con sus incursiones en la música pop, pero nunca dejó la música gospel.
Considerada la "Madre del rock" hoy la escucharemos en: Didn't It Rain
El 8 de Octubre de 1982 se estrena Cats. Musical compuesto por Andrew Lloyd Webber a partir de la colección de poemas Old Possum's Book of Practical Cats de T. S. Eliot. Su trama gira en torno a la tribu de los gatos Jélicos durante la noche en que toman "la elección jelical" y deciden cuál de ellos renacerá en una nueva existencia. Entre sus famosas canciones destaca el tema "Memory", que se ha convertido en un estándar y ha sido versionado por múltiples artistas. Dirigido por Trevor Nunn y coreografiado por Gillian Lynne, el musical debutó en 1981 en el West End y un año después llegó a Broadway, ganando numerosos premios entre los que se incluyen el Olivier y el Tony al mejor musical. La producción original londinense se representó durante veintiún años y la neoyorquina durante dieciocho, estableciendo ambas un nuevo récord. Las actrices Elaine Paige y Betty Buckley, quienes protagonizaron el personaje de Grizabella en Londres y Broadway respectivamente, están especialmente asociadas con este musical. Cats ocupa el cuarto puesto en la lista de espectáculos de mayor permanencia en cartel en la historia de Broadway y el sexto en la del West End. Además, se ha estrenado en numerosos países a lo largo de todo el mundo y ha sido traducido a multitud de idiomas. En 1998 fue adaptado como película directamente para vídeo.
El tema que hoy presentamos es cantado por el personaje Grizabella, una gata tiempo atrás glamourosa que hoy es una sombra de lo que había sido. La canción es una remembranza nostálgica de su glorioso pasado y una declaración de sus deseos de comenzar una nueva vida.
El 7 de Octubre de 1942 nace Jim Jacobs en Chicago, Illinois. Compositor , letrista y escritor para el teatro . Es conocido por escribir el libro, letra y música, con Warren Casey, de la película musical Grease. Cuando tenía 11 años, su ídolo era Bill Haley , pero cuando tenía catorce años era Elvis Presley . También cita a Buddy Holly , Little Richard y Jerry Lee Lewis como influencias. Con el tiempo convenció a sus padres a pagarle clases de guitarra. Después de cuatro lecciones, renunció y decidió comprar un libro de la guitarra y aprender por sí mismo. Él y Casey acabaron colaborando en una obra de teatro sobre la vida de la escuela secundaria durante la edad de oro del rock 'n' roll en la década de 1950. titulado Grease, que se estrenó en 1971 en el Teatro de Minas de Kingston en el casco antiguo de Chicago.
Los productores Ken Waissman y Maxine Fox vieron el espectáculo y sugirieron a los autores que podría funcionar mejor como un musical. Desde entonces Grease pasó por los teatros de Manhattan y finalmente en Broadway, recibiendo siete nominaciones para los premios Tony.
Luego todos ya conocemos la película, y de ella hoy tenemos un fragmento: Summer Nights
El 6 de Octubre de 1927 se estrena The Jazz Singer (El cantante de jazz o El cantor de jazz) que es el primer largometraje comercial con sonido sincronizado. A partir de ese momento, el cine cambia de manera radical, excepto con algunos directores de cine nostálgicos de un cine mudo que, según ellos, se bastaba a sí mismo. Desde entonces, las comedias musicales se multiplicaron. En total, la película contiene apenas dos minutos de diálogo con sonido, en gran parte o todo ello improvisado. El resto del diálogo se presenta a través de intertítulos. La obra teatral El Cantor del Jazz había sido un éxito en Broadway en su versión original y revivió en 1927 con Al Jolson como protagonista. Cuando la Warner Bros. rechazó las condiciones salariales de Jessel, obligando a éste a rechazar el papel principal, el estudio se acercó a Eddie Cantor, a quien tampoco le pareció atractiva la oferta. Fue entonces cuando le fue ofrecido el papel a Al Jolson, quien, como describió el historiador Donald Crafton, "entusiasmaba a la audiencia con vitalidad y el sex appeal de sus gestos y canciones con raíces más bien afro-americanas".
Curiosamente en la misma fecha pero en 1600 (327 años antes) se estrenó la primera ópera: Euridice de Jacopo Peri.
Aquí presentamos una escena de dicha película que marcó un hito en la cinematografía, como Eurídice marcó un hito en la música..
El 5 de Octubre de 1939 nace Maïténa Marie Brigitte Doumenach (conocida como Marie Laforêt) en Soulac-sur-Mer. Cantante y actriz francesa. Su carrera comenzó, por casualidad, en 1959 cuando reemplazó a su hermana a última hora en el concurso de la radio francesa Naissance d'une étoile (Nacimiento de una estrella) y ganó. El director Louis Malle la seleccionó para la película que filmaba en aquel momento, Liberté, proyecto que finalmente él abandonó, haciendo que la primera aparición de Laforêt en la pantalla fuera con el actor Alain Delon en el drama de René Clément, Plein Soleil (A pleno sol). Después de esta película se volvió muy popular e interpretó muchos papeles en la década de los 60's. Su primer éxito como cantante lo obtuvo en 1963 con Les Vendanges de l'Amour que en los países de habla española se lanzó (con gran éxito también) una versión en español llamada Y volvamos al amor. Al final de la década de los 60, Marie se había convertido en una figura única en la escena del pop francés.
Hoy escucharemos una de sus canciones que no está entre sus más populares, pero como estamos acabando este verano que no se acaba, despidámonos de la playa con una canción que cantó también en español, italiano y,... La plage
El 4 de Octubre de 1970 muere Janis Lyn Joplin en Los Ángeles, California. Cantante estadounidense de rock and roll y blues caracterizada por su poderosa voz y gran intensidad de su interpretación. Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del rock and roll. A los dieciséis años comenzó a manifestar su amor por la música, frecuentando los bares de Luisiana, donde escuchaba música afroamericana, de blues y jazz. Actuó con su grupo en el Festival de Monterey de 1967 junto con algunos grandes artistas del momento como Jimi Hendrix, The Mamas and The Papas, Jefferson Airplane, Otis Redding y The Who, entre otros. A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossman. Joplin eclipsaba a los Big Brother. En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. Aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa y Cheap Thrills salió en agosto de 1968. Lanzando a Janis al éxito, a los tres días se hizo disco de oro y en el primer mes se vendieron más de un millón de copias. En el 2003, Cheap Thrills se colocó en el lugar 338 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. El sencillo «Me and Bobby McGee», representó su mayor éxito, al ser la única canción de Janis Joplin en alcanzar el Nº 1 en el Billboard Hot 100, por una semana en marzo de 1971. Y ese es el tema que vamos a escuchar hoy.
