El 31 de Enero me suena Atahualpa Yupanqui

El año pasado sonó: Franz Schubert

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También en este día podrían sonar aquí: Gregorio Barrios, John Barry+, Philips Glass, , Yukimi Nagano. Y alguna vez lo harán

El 31 de Enero de 1908 nace Héctor Roberto Chavero (conocido como Atahualpa Yupanqui) en Campo de la Cruz. Cantautor, guitarrista, poeta y escritor argentino. Se le considera el más importante músico argentino de folklore. Sus composiciones forman parte del repertorio de innumerables artistas ―tanto en Argentina como en distintas partes del mundo―, como más conocidos: Los Chalchaleros, Mercedes Sosa,    Facundo Cabral, Jorge Cafrune, Alfredo Zitarrosa, Víctor Jara,  Alberto Cortez, Marie Laforêt, Enrique Bunbury.,...

En 1986 Francia lo condecoró como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras.

Inicialmente estudió violín con el padre Rosáenz, el cura del pueblo. Más tarde aprendió a tocar la guitarra en la ciudad de Junín con el concertista Bautista Almirón, quien sería su único maestro. Inicialmente vivió en Junín en la casa de Almirón; posteriormente regresó al pueblo de Roca y viajaba 16 km a caballo para tomar las lecciones en la ciudad. Con Almirón descubrió la música de Sor, Albéniz, Granados y Tárrega, y también las transcripciones para guitarra de obras de Schubert, Liszt, Beethoven, Bach y Schumann. En 1917 con su familia pasó unas vacaciones en la provincia de Tucumán, y allí conoció un nuevo paisaje y una nueva música, con sus propios instrumentos, como el bombo y el arpa india, y sus propios ritmos, la zamba, entre ellos. La temprana muerte de su padre lo convirtió prematuramente en jefe de familia. Fue improvisado maestro de escuela, luego tipógrafo, cronista y músico. Jugó tenis, boxeó y se hizo periodista. A los 19 años de edad, compuso su canción «Camino del indio». Conoció Jujuy, los valles calchaquíes y el sur de Bolivia. Pasó brevemente por la ciudad de Buenos Aires ―donde diversos intérpretes comenzaban a popularizar sus canciones. Recorrió después Santiago del Estero, para retornar por unos meses a Raco en 1936. Realizó una incursión por Catamarca, Salta y Jujuy. Más tarde visitó nuevamente el altiplano en busca de testimonios de las viejas culturas originarias. Retornó a los valles calchaquíes, recorrió a lomo de mula los senderos jujeños y residió por un tiempo en Cochangasta (una aldea a dos kilómetros del ciudad de La Rioja). Se fue a Francia en 1949, la cantante Edith Piaf lo invitó a actuar en París el 7 de julio de 1950. Inmediatamente firmó contrato con Chant du Monde, la compañía de grabación que publicó su primer LP en Europa, Minero soy, que obtuvo el primer premio de mejor disco de la academia Charles Cros, que incluía 350 participantes de todos los continentes en el Concurso Internacional de Folclor. Posteriormente, viajó extensamente por Europa. Nos dejó: De las 325 canciones de su autoría registradas oficialmente, son ampliamente conocidas: Camino del indio, Coplas del payador perseguido, El arriero,  Los ejes de mi carreta, Tú que puedes, vuélvete... En discos de pasta 78 RPM se conservan cerca de 70 y más de 60 álbumes. 12 Libros. Ha participado en siete películas como intérprete, autor o con su música

Hoy escucharemos aquella su primera canción Camino del indio

El 30 de Enero me suena Phil Collins

El año pasado sonó: John Barry 

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También en este día podrían sonar aquí: Amador "Dimas" Pérez Torres+, Francis Poulenc+, Johann Joachim Quantz, Manuel Lopez Quiroga, Marty Balin, Mitch Leigh, Thomas Tallis. Y alguna vez lo harán

El 30 de Enero de 1951 nace Philip David Charles Collins (conocido como Phil Collins) en Hounslow, Middlesex. Cantante, compositor, baterista, pianista y actor británico, y uno de los artistas de mayor éxito de la música rock. Collins fue nombrado teniente de la Real Orden Victoriana. Entre 1984 y 1989 ha liderado la lista de éxitos estadounidense Billboard Top 100 como cantante en ocho ocasiones, siete como solista y una con Genesis, banda de la que fue miembro entre 1970 y 1996. Tras la salida de Peter Gabriel en 1975 se convirtió en el cantante solista del grupo, con el que ha tenido alguna colaboración esporádica desde 2007. Sus canciones a menudo tratan de amores perdidos, temas personales y sobre el problema mundial de la pobreza y el consumo de drogas. Según datos de Atlantic Records (de 2002) las ventas correspondientes a su carrera en solitario han alcanzado los 150 millones de discos en todo el mundo. Ha ganado numerosos premios musicales a lo largo de toda su carrera, incluyendo siete Premios Grammy, cinco Premios Brit, entre ellos mejor artista británico en tres ocasiones, un Premio de la Academia y dos Globo de Oro por su trabajo en bandas sonoras. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock como miembro de Genesis en 2010. Es uno de los tres artistas pop, junto con Paul McCartney y Michael Jackson, que han vendido más de 100 millones de álbumes en todo el mundo tanto en su carrera en solitario como formando parte de una banda. Contando su trabajo con Genesis, sus contribuciones con otros artistas, y su exitosa carrera en solitario, obtuvo más de cuarenta éxitos que encabezaron la lista del «Billboard Hot 100» durante la década de 1980. En 2008 Collins ocupó el puesto número 22 en la lista de «Los 100 mejores artistas de todos los tiempos según el Billboard Hot 100». El 7 de marzo de 2011 se hizo pública su retirada del mundo musical por problemas de salud y por no sentirse cómodo con la industria musical en general. En 2015 anuncia su regreso al mundo de la música, incluyendo nuevo álbum y su correspondiente gira de soporte. Su historia y su biografía en la red es muy amplia, su participación en proyectos humanitarios, en el cine con sus canciones, incluso cantó versiones en alemán, italiano, español y francés de la banda sonora de Tarzán para las respectivas versiones de la cinta a ser proyectadas y comercializadas en países de esas lenguas. Ha recibido varios doctorados honorarios en reconocimiento por su trabajo en la música y también por sus intereses personales. Ha declarado que es un defensor de los Derechos de los animales y que apoya la asociación PETA. En 2005 donó una baqueta firmada en apoyo de la campaña de PETA en contra de Kentucky Fried Chicken. También apoya la fundación caritativa sudafricana Topsy Foundation, que proporciona servicios de ayuda a comunidades rurales con bajos recursos, abordando temas especialmente procupantes en la zona como el sida y la pobreza extrema. Es oportuno agregar que el músico dona todos sus derechos de autor obtenidos en Sudáfrica para la organización. Del mismo modo Phil apadrina una pequeña organización benéfica del Reino Unido que trabaja para combatir la pobreza infantil en Brasil.

Hoy le vamos a escuchar en Another Day In Paradise

SUPLEMENTO DOMINICAL: El 29 de Enero de 2017 me suena Giraut de Bornelh

Giraut de Bornelh o Guiraut nació en Eissiduelh ( 1138 - 1215 ). Trovador occitano tan famoso que sus contemporáneos le llamaban maestre de los trovadores. Nacido en una familia humilde se elevó gracias a su inspiración y talento e hizo sus estudios en una abadía limosina. Después de ir a varias cortes occitanas, perteneció a la corte de Alfonso I y acompañó el conde Ademar V a las Cruzadas entre 1188 y 1189. También se está algún tiempo en la corte del rey de Castilla Alfonso VIII . Se retiró a Lemosín el 1192. Tuvo por protectores a Ricardo Corazón de León , al que acompañó en la tercera cruzada, al príncipe Bohemond III de Antioquia, en la corte del cual permaneció un invierno durante su estancia en Palestina, a Alfonso VIII de Castilla , que lo llenó de dones, y al rey de Aragón Pedro II. En cambio fueron sus enemigos Sancho el Fuerte de Navarra , que lo hizo desvalijar a su regreso de Castilla, su señor feudal el vizconde de Limoges Guido IV, que entregó el castillo de Eissiduelh al saqueo al tomarlo el 1211 . A juzgar por las crónicas de la época, ningún trovador gozó en vida de tanta fama como él; un cronista del siglo XIII lo llamó el maestre de los trovadores. En el canto del Purgatorio, fue clasificado por Dante como el segundo mejor trovador (después de Arnaut Daniel ). Pero la crítica moderna no comparte este juicio y sigue llamándolo maestre de los trovadores. Se conservan 82 composiciones de diferentes géneros, en su mayor parte dedicadas a Alamanda d'Estanc. Destacan entre ellas una deliciosa e inspirada "auba" (alba), en la que supo hermanar hábilmente la poesía popular con las formas literarias; algunos "serventes" en los que lamenta la decadencia de las reglas de la caballería y de la poesía: diálogos amatorios, "pastourelles" y una elegía o queja, inspirada por la muerte de su amigo Ignaure. Entre estas composiciones se encuentran de pertenecientes al estilo oscuro, llamado en provenzal "trovar clus", que datan probablemente de sus primeros tiempos, época en que debió sentir la influencia de Arnaut Daniel, maestro en ese género que pronto abandonó, declarando que la verdadera poesía es aquella que todo el mundo entiende, y que las composiciones poéticas deben su valía a la inspiración y los pensamientos que contienen y no en su factura y métrica enrevesadas. Sólo han sobrevivido cuatro de sus melodías. El "alba" Reis glorios es una de las más famosas y excepcionalmente bella.

Y esta es la que ahora vamos a escuchar.

El 29 de Enero me suena Osmán Pérez Freire

El año pasado sonó: Jimmy Durante

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También en este día podrían sonar aquí: Alex Ubago, Daniel-François Auber, Eduardo Lopez Chavarri, Franco Cerri, Frederick Delius, Fritz Kreisler+, Georg Christoph Wagenseil, Luis Aguilar, Roberto Goyeneche, Sacha Distel. Y alguna vez lo harán

El 29 de Enero de 1877 nace Osmán Pérez Freire en Santiago de Chile. Compositor, pianista y músico chileno. Fue el único hijo del matrimonio formado por el médico Cornelio Pérez Bustos y Mercedes Freire. En 1891, su familia emigró a Mendoza (Argentina) para escapar de la guerra civil de ese año; posteriormente, se radicó en Buenos Aires, donde compuso algunas obras musicales y fue presidente de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores, sin dejar de ser chileno. Regresó a Chile en 1908. Entre sus canciones más destacadas, se encuentran: «El delantal de la china», «La tranquera» y «Ay, Ay, Ay», su canción más conocida, que fuera grabada por muchos artistas, tales como los tenores Jussi Björling, Mario Lanza, Engelbert Humperdinck, Tito Schipa, Chet Atkins, Alfredo Kraus, Luciano Pavarotti, Plácido Domingo, José Carreras, y artistas como Nana Mouskouri, Los Huasos Quincheros y Antonio Zabaleta, entre otros.

Hoy escucharemos el Ay, Ay, Ay

El 28 de Enero me suena Mijail Ipolitov-Ivanov

El año pasado sonó: Arthur Rubinstein

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También en este día podrían sonar aquí: Angel Pocho Gatti, Carlos Cano, Enrique VIII+, Fausto Papetti, Ferdinad Herold, Lucio Alves, Pablo Luna+, Paul Kantner+. Y alguna vez lo harán

El 28 de Enero de 1935 muere Mijail Mijaílovich Ipolitov-Ivanov en Moscú. Compositor, director de orquesta y profesor ruso. Había nacido en Gátchina, cerca de San Petersburgo, estudió en su casa y fue un joven corista en la Catedral de San Isaac, donde también recibió instrucción musical, antes de ingresar al Conservatorio de San Petersburgo en 1875. Completó sus estudios de composición en 1882 siendo pupilo de Nikolái Rimski-Kórsakov, de quien tuvo una fuerte influencia. Su primer salario fue como director de la música académica y director de orquesta en Tiflis, capital de Georgia donde permaneció siete años. Durante este periodo desarrolló su interés en la música tradicional caucasiana, imprimiéndole colores melódicos y rítmicos de la música de las minorías no eslavas a muchas de sus obras. En 1893 fue profesor en el Conservatorio de Moscú, del cual fue director entre 1905 hasta 1924. Prestó sus servicios como director de la Sociedad Coral Rusa (1895-1901), las compañías de Ópera Mámontov y Zimín y, después de 1925, el Teatro Bolshói. Entre sus pupilos, se incluyen Reinhold Glière y Serguéi Vasilenko. Políticamente, Ipolítov-Ivánov ejerció una independencia mesurada. Fue presidente de la Sociedad de Escritores y Compositores en el año 1922. Murió en Moscú el 28 de enero de 1935. La suite orquestal "Kavkázskiye Eskizy" (Bosquejos Caucasianos), escrita en 1894, es un ejemplo de la deuda del compositor con Rimski-Kórsakov, así como también la influencia de la canción folclórica, en este caso, la música de Georgia y en su obra, un elemento evidente en la "Obertura de Primavera" (Yar-khmel) y en las escenas bíblicas que formaron la ópera "Ruf" (Ruth). Entre sus obras, encontramos óperas, música orquestal, de cámara y una larga lista de canciones. Completó la ópera "El Casamiento" de Modest Músorgski. Actualmente, su música es raramente interpretada y escuchada. Mijaíl Ippolítov-Ivánov es considerado, junto a Camile Saint-Saëns, como uno de los pioneros en hacer música para el cine. Participó en la película “Stenka Razin”

En su obra dejó música orquestal con sinfonías rapsodias y suites, entre ellas una "Suite catalana", una Marcha Turca, una Suite sobre Temas Finlandeses y Kaleria (no confundir con la Suite Karelia de Sibelius), entre otras cosas. También compuso unas cinco obras de música de cámara y también Música vocal para coro así como 116 melodías.

De la Suite nº1 Op 10 Esbozos Caucasianos, escucharemos un tema que seguro le suena a alguien: Marcha del Sardar

SUPLEMENTO DOMINICAL: El 5 de Febrero me suena Indira Ferrer Morató

Recomiendo escucharla también en:  El arreglito de Iradier que inspiró algo a Bizet para la ópera Carmen:
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El 5 de Febrero nos suena Indira Ferrer Morató (antes Roser Ferrer Morató) que nació en Gerona el año 1978 y se desconocen más datos, por ello se encuentra en este Suplemento. Soprano lírica española con origen en la India. Destaca en los géneros oratorio , Lied y canción , aunque también haya interpretado diversos roles operísticos . Asimismo es especialista en música lírica cubana. Ha sido dirigida por Horst Sohm, con el que ha realizado diferentes giras por Alemania; por el compositor y director Joan Martínez-Colàs interpretando el papel protagonista femenino en El hombre del paraguas, ópera dedicada a Vicente Ferrer. Es patrona de la Fundación Ernest Morató, entidad dedicada a impulsar el reconocimiento de la habanera como un hecho cultural catalán de primera magnitud y actúa asiduamente en diversas galas y conciertos benéficos. En su discografía se encuentran: La Bella Cubana junto con el grupo Contradanzafusión, Entre mujeres colaboración con el grupo de habaneras Port-Bo, El hombre del paraguas colaboración dentro de la misma ópera del compositor Joan Martínez-Colas y Dedicado a las señoritas de la Habana con el pianista Cecilio Tieles

Y de ese último disco tenemos hoy El quitrín del compositor cubano Jorge Anckermann

Y también una antigua y bella habanera de autor desconocido titulada Luz que brillas

El 27 de Enero me suena Juan Crisóstomo Arriaga

El año pasado sonó: Edouard Lalo https://estediamesuena.blogspot.com.es/2016/01/el-27-de-enero-me-suena-edouard-lalo.html

También en este día podrían sonar aquí: Bobby Hutcherson, Djavan, Gerome Kern, Ginés Torrano Soler+, Giuseppe Verdi+, Helmut Zacharias, Hieronymus Praetorius+, Luigi Tenco+, Mahalia Jackson+, Pete Seeger+, Wolfgang Amadeus Mozart. Y alguna vez lo harán

El 27 de Enero de 1806 nace Juan Crisóstomo de Arriaga en Bilbao. Compositor español de música clásica apodado el “Mozart Español” o "Mozart Vasco", debido a las grandes dotes musicales que presentaba ya desde niño, al igual que Wolfgang Amadeus Mozart, así como a su prematura muerte con tan solo diecinueve años de edad. Su padre le enseñó los fundamentos de la música. A los 11 años, el joven ya componía y representaba obras en las sociedades musicales de la ciudad. En 1818 compondría su Obertura op.1, al año siguiente una Marcha Militar para Banda op.2 y dos Himnos Patrióticos op.3 y op.4, y poco más tarde una Romanza para Pianoforte. Asimismo, compuso un Tema Variado en Cuarteto op.17, la Obertura para Orquesta op.20 y sus Variaciones para Violín y Bajo ad libitum sobre el Tema de “La Húngara”, además de diferentes motetes. Durante los dos siguientes años, hasta 1921, el autor dedicó sus esfuerzos a la composición de una ópera titulada Los Esclavos Felices; una ópera semi-seria en dos actos y cinco cuadros, de la cual sólo nos han llegado, de los más de treinta números del libreto, la Obertura, la Marcha Mora, la Cavatina de Elvira y el Dúo de Alfonso y Elvira. En septiembre de 1821, su padre decide enviarlo a París con tan solo 15 años para que allí pudiera adquirir los conocimientos que en su Bilbao natal ya nadie podía proporcionarle. Con únicamente algunas partituras como tarjeta de presentación, ingresó en la École Royale de Musique et Declamation, más tarde llamada Conservatorio. Allí estudió violín con Pierre Baillot, armonía con François-Joseph Fétis y contrapunto con Luigi Cherubini. Sus profesores pronto quedaron maravillados por sus rápidos progresos y dotes, en especial para la composición. En 1823, Cherubini, el cual acababa de ser nombrado director de la École el año anterior, escuchando el Stabat Mater del joven compositor preguntó por la autoría de dicha obra, y cuando supo que pertenecía al joven Arriaga le dijo “Increíble. Eres la misma personificación de la música”. Enseguida, en 1824, Arriaga fue nombrado profesor repetiteur de la clase de contrapunto y fuga, cuando tan sólo un año antes él era alumno de dicha Aula. Su primera obra de esta nueva etapa, fechada el 16 de febrero de 1822, fue el arreglo para cuarteto de cuerda de las Variaciones sobre el tema de “La Húngara” o “Thema de la Tirolesa”. También la Obertura de Los Esclavos Felices fue revisada bajo el nuevo título de Obertura Pastourelle, siendo ésta la versión que habitualmente se interpreta. Asimismo compuso durante este primer año los Tres Estudios para Pianoforte. En este momento, compone también los Tres Cuartetos de Cuerda, dedicados a su padre, y editados por el mismo, aunque sin fechar. A los Tres Cuartetos precede la Sinfonía para Gran Orquesta (1824-25), otro de los grandes hitos de su obra, y cinco arias para voz y orquesta sin fechar, difíciles de ordenar cronológicamente. La intensidad de sus responsabilidades en torno a sus estudios en el Conservatorio y su casi meteórico ascenso a la fama, pudieron tener que ver en el empeoramiento de su salud. Murió en París el 16 de enero de 1826, diez días antes de su vigésimo cumpleaños, a consecuencia de una dolencia pulmonar, posiblemente tuberculosis, sumado al enorme cansancio que sufría debido al trabajo de profesor en el Conservatorio, las lecciones que daba y a su intensa actividad como ejecutante. A su muerte, un baúl fue enviado a la casa de su padre en Bilbao, conteniendo su violín y algunos manuscritos con parte de su obra, y fue dejado en un desván donde permaneció años abandonado hasta ser rescatado, casi medio siglo después, por un familiar en 1869. La Obra de Arriaga, de la cual a la muerte del autor solamente se habían editado los Tres Cuartetos, cayó en el olvido hasta que a finales del siglo XIX, dentro del movimiento del nacionalismo musical vasco, se recuperó y convirtió en un mito más por su inmenso potencial que por el material legado. Su música se puede relacionar fácilmente tanto con Haydn como con el primer Beethoven, como incluso con Schubert en su Sinfonía en Re, por ejemplo, aún siendo totalmente improbable que el propio Schubert pudiera haber sabido nunca de su existencia. Esto hizo que la historia de su vida fuera mitificada para encajarla en el creciente nacionalismo vasco de la época. Se le quisieron encontrar semejanzas con Mozart, tales como que nació exactamente 50 años después y que llevaron el mismo nombre, Juan Crisóstomo, como Johannes Chrysostomus en el caso de Mozart, además de la pareja precocidad, ya que ambos tocaban el violín con tres años o habían compuesto su primera ópera antes de los trece. Sin embargo la coincidencia referente al nombre no debería extrañar demasiado ya que por la época se solía bautizar a los niños con el nombre del santo del día de su nacimiento; y una de las festividades de San Juan Crisóstomo se celebraba el 27 de enero, día del nacimiento de ambos compositores. Su temprana muerte no fue tan sólo una pérdida para la cultura vasca sino también para la música española y por extensión para toda la música clásica europea.

Escucharemos la muy interpretada Obertura de Los esclavos felices. Disfrutad con ella.

El 26 de Enero me suena Ricard Viladesau

El año pasado sonó: Gustavo Dudamel

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También en este día podrían sonar aquí: Andrew Ridgeley, Francesc Poulenc estrena "Diálogos de Carmelitas", Gracia de Triana,  Kenny Clarke+, Luigi Denza+, Maria von Trapp, Michel Sardou, Miguel Mateos, Richard Strauss estrena El caballero de la rosa, Stéphane Grappelli. Y alguna vez lo harán

El 26 de Enero de 2005 muere Ricard Viladesau i Caner en Barcelona. Compositor español, especialmente de sardanas y habaneras, y uno de los mejores instrumentistas de tenora de Cataluña. Pero además tocaba el saxofón, la viola y el violín. A los siete años entró a cantar en el coro de la iglesia de Sant Martí de Calonge, y comenzó a aprender música. A los 12 años comenzó a tocar el flabiol, y a los catorce la tenora, en la cobla La Principal de Calonge, de donde pasó a la cobla-orquesta Guíxols de Sant Feliu. Tocó, a continuación, en la Antigua Principal de la Bisbal, hasta la Guerra Civil. Se incorporó a una banda de música de la CNT hasta que el fin de la contienda le llegó en Ciudad Real. El servicio militar le llevó primero a Galicia, para después acabar tocando en la banda de la 42ª división, en Girona. La baja de Ferran Rigau propició que se incorporase a La Principal de la Bisbal. El 1970 dejó subitamente la "Bisbal". Marchó a vivir a Barcelona, donde entró en la Orquesta Sinfónica Ciudad de Barcelona, de la mano de Antoni Ros-Marbà, como viola titular y tenora ocasional, hasta jubilarse al cabo de quince años. Es uno de los compositores más interesantes en la historia de la sardana, con 244 composiciones, algunas de gran éxito, como Arenys de Munt o Colometa. Hay unas sesenta que son obligadas para uno u otro instrumento de la cobla. También alcanzó una gran resonancia su sardana Girona m'enamora, tanto en la versión cantada como en la puramente instrumental. Aparte de la sardana, su obra compositora comprende un gran número de habaneras, bailables (boleros, valses, fox), y hasta canciones de cuna. Entre los intérpretes que las divulgaron se pueden destacar las versiones que Jorge Sepúlveda y Bonet de San Pedro hicieron de Enamorado del mar, Gondolero de amor y El mar y tú.  De las habaneras destacaría: Ulls verds, Rosa dels vents y Tània y de las otras composiciones vocales y bailables, además de las ya mencionadas:  Mi Costa Brava catalana, Manolo, el gitano de la Costa Brava, Serenata, Fácil de amar, Carmen Amaya, Parar el tiempo y Pasa una caravana.

Hoy escucharemos a Jorge Sepúlveda en El mar y tú

El 25 de Enero me suena Giorgio Gaber

El año pasado sonó: Demis Roussos

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También en este día podrían sonar aquí: Alejandro Algara, Alicia Keys, Antonio Carlos Jobim, Benny Golson, Chris Kenner+, Evan MacColl, Juventino Rosas, Rutland Boughton+, Sleepy John Estes, Tom Jobim, Witold Lutoslawski . Y alguna vez lo harán

El 25 de Enero de 1939 nace Giorgio Gaberscik (conocido como Giorgio Gaber) en Milán. Cantautor, actor y comediógrafo italiano. Cariñosamente llamado "el Señor G" por sus seguidores, fue también un guitarrista de valía, entre los primeros intérpretes de rock and roll en italiano, entre 1958 y 1960. Su actuaciones como autor y actor teatral son muy apreciadas. Junto con Sandro Luporini, inició el género del teatro cantante. Se le ha dedicado el reformado auditorio del piso 31 de la Torre Pirelli de Milán. Un incidente físico en el brazo izquierdo (que le causa una ligera parálisis en la mano, hacia los nueve años de edad le obligó a realizar una actividad constante para conseguir la reeducación motora; como el hermano mayor toca la guitarra, Giorgio también aprende a tocarla. La idea da buenos resultados, tanto desde el punto de vista médico como del artístico. Ya de adulto, Gaber dirá: "Toda mi carrera nace de esta enfermedad". A la edad adolescente todavía no piensa en cantar, es básicamente un instrumentista. Vive la música como un divertimento, como un pasatiempo, siendo su actividad principal la de estudiante. También busca aprender de los músicos italianos; en Milán puede oír en vivo a Franco Cerri, que aparece a menudo en la Taverna Messicana. Tras dos años de veladas, entre música ligera (para ganar algo de dinero) y jazz (por amor al arte) entra en los Rock Boys, el grupo de músicos de Adriano Celentano. En este periodo conoce a Luigi Tenco, mudándose de Milán a Génova. Con él forma su primer grupo,  Los Rocky Mountains Old Times Stompers (nombre completo del grupo) que se exhiben en el conocido club milanés Santa Tecla. Gaber y Tenco componen juntos algunas canciones, construyendo paralelamente una intensa amistad. Nanni Ricordi, director artístico de la homónima casa discográfica se fija en él y lo invita a hacer una audición. Así comienza su carrera como solista, con la grabación para la recién nacida Dischi Ricordi, rama de la histórica casa discográfica de música ligera, de cuatro canciones, dos originales en italiano Ciao ti dirò (rock) y Da te era bello restar (lento) y dos éxitos americanos, Be-Bop-A-Lula y Love Me Forever. Sobre la etiqueta del 45 revoluciones por minuto se puede leer «Giorgio Gaber y su Rolling Crew». Por primera vez aparece su nombre artístico. A Gaber le atrae la canción francesa: oye a los chansonniers de la Margen izquierda parisina, en que reconoce una consistencia cultural, un cuidado en los textos, que falta en la música ligera italiana. “Mi maestro fue Jacques Brel”. Gaber, al igual que Gino Paoli, Sergio Endrigo, Umberto Bindi, Enzo Jannacci y Luigi Tenco, busca un punto de equilibrio entre la influencia americana y la canción francesa. Lo encuentran todos ellos en la canción de autor italiana. Los primeros cantautores italianos nacen en este tiempo, y Gaber está entre ellos. En los años sesenta Gaber participa en cuatro ediciones del Festival de la Canción de San Remo con: Benzina e cerini, Così felice, Mai, mai, mai (Valentina),  ... E allora dài! . Un personaje polifacético que, además de participar en festivales de la canción, participa en la comedia musical western para la RAI: Non cantare, spara, presenta un programa de variedades televisivo: E noi qui, crea el género del teatro cantante, un espectáculo temático con canciones que lo desarrollan, con monólogos y cuentos intercalados, continúa con la crítica a la sociedad de los años noventa, evidente en canciones como Il potere dei più buoni (El poder de los más buenos) y en Il conformista, canción de la que Adriano Celentano hará una versión propia.  Inicia la creación del nuevo disco Io non mi sento italiano (Yo no mi siento italiano), que, sin embargo, se publica como obra póstuma.

Participó también en el IV Festival de Mallorca con esta bella canción, olvidada como él: Ciao, cia, ciao

Y para no dejar en el olvido su faceta de activista, crítico y revulsivo de la política y la sociedad que desarrollaba en sus espectáculos teatrales, podemos escucharle en Il conformista que, como dice la canción, "se parece mucho a nosotros"

El 24 de Enero me suena Neil Diamond

El año pasado sonó: Muzio Clementi

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También en este día podrían sonar aquí: Aaron Neville, Alfonso Ortiz Tirado, Edwin Fischer+, Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, Friedrich von Flotow+, Gaspare Spontini+, Juan Erasmo Mochi, Manuel Penella+, Nico Fidenco . Y alguna vez lo harán

El 24 de Enero de 1941 nace Neil Leslie Diamond en Brooklyn, Nueva York. Cantante, compositor, guitarrista, actor y productor estadounidense. Sus composiciones en diversos géneros musicales como el rock, R&B, folk, pop, country, gospel, jazz, funk, reggae, balada, entre otros, han influido a artistas tales como: The Monkees, Elvis Presley, U2, Frank Sinatra, The Ventures, UB40, Julio Iglesias y Johnny Cash. Estudió la secundaria en el colegio Abraham Lincoln, donde demostró su marcado interés por la música. Comenzó componiendo canciones a los 16 años, tras comprar una guitarra, inspirado por una visita a su escuela del cantante y autor folk Pete Seeger, siendo Hear Them Bells su primera canción. Su carrera de éxitos es larga y quiero destacar algunos de sus primeros temas como Cherry Cherry, Solitary man, Kentucky Woman, I’m A Believer, que popularizó el grupo The Monkees, Shilo,... Firmó con Columbia Records/CBS por una cifra jamás ofrecida a otro artista, 5 millones de dólares y consiguió un nuevo éxito en 1973 con la banda sonora de la película Juan Salvador Gaviota, en la que tuvo más éxito la banda sonora que la película en sí, y obtuvo un Grammy como la mejor banda sonora original. MCA Records editó el álbum de éxitos Neil Diamond And His 12 Greatest Hits, que ganaría varios discos de platino. En 2008 MCA editó el álbum And The Singer Sing His Songs que ganó un disco de oro.  En 1978 estaba escribiendo y grabando material para lo que iba a ser el álbum doble The American Popular Song, pero su canción del álbum anterior You Don't Bring Me Flowers, que había llegado al número uno de las listas y que también había sido grabada por Barbra Streisand, fue mezclada por un DJ de una estación de radio, y debido a la demanda del público, fue grabado un dueto "oficial" de la canción, de esta forma el álbum fue reeditado con ese nombre y lanzado como un solo disco y volvió a alcanzar el número uno en las listas de ventas de su país y estuvo nominada como la mejor canción del año en 1979 para los premios Grammy. En 1984 Neil Diamond entró al Salón de la fama de los compositores (Songwriter's Hall of Fame). Son muchos los álbumes, giras y temas y no acabaríamos, de modo que escucharemos ahora un tema que siempre me ha gustado. Inspirado en el andante del Concierto para piano 21 de Mozart escucharemos hoy Song sung blue que fue su segundo hit número uno en el Billboard Hot 100 en los Estados Unidos, después de Cracklin 'Rosie de 1970 y nominado para dos Grammy Awards en 1973 , Record of the Year y Canción del Año.

El 23 de Enero me suena Edward MacDowell

El año pasado sonó: Samuel Barber

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También en este día podrían sonar aquí: Alberto Espinetta, Álvar Gandul, Bimba Bosé+, Django Reinhardt, Earl Wild+, Franco de Vita, John Field+, Maluma, Monna Bell, Richard Berry+, Rutland Boughton+. Y alguna vez lo harán

El 23 de Enero de 1908 muere Edward Alexander MacDowell en Nueva York. Compositor y pianista estadounidense de finales del período romántico . Recibió sus primeras lecciones de piano de Juan Buitrago, un violinista colombiano que vivía con la familia MacDowell en ese momento. También recibió lecciones de música de amigos de Buitrago, entre ellos el pianista cubano Pablo Desverine y la pianista y compositora venezolana Teresa Carreño. Su madre decidió llevarlo a París, donde fue admitido en el Conservatorio después de recibir una beca competitiva para estudiantes internacionales. Después de dos años de estudios bajo la dirección de Antoine Marmontel y de ser el primero de su clase, continuó sus estudios en el Conservatorio Dr. Hoch en Frankfurt, donde estudió piano con Carl Heymann y composición con Joachim Raff . Cuando Franz Liszt y Clara Schumann visitaron el conservatorio a principios de 1880 y asistieron a un recital de composiciones estudiantiles, MacDowell interpretó el Quinteto de Robert Schumann, op. 44 junto con una transcripción de un poema sinfónico de Liszt. El siguiente año visitó a Liszt en Weimar e interpretó algunas de sus propias composiciones. Liszt recomendó la primera suite moderna de MacDowell, op. 10 a Allgemeiner Deutscher Musikverein y también lo presentó a los editores de música de Leipzig. Después de terminar sus estudios, permaneció un tiempo en Alemania, donde compuso, actuó en el escenario y dio clases de piano. Enseñó piano en Darmstadt  y en Wiesbaden. De 1885 a 1888 se dedicó casi exclusivamente a la composición. Eso trajo dificultades financieras, y decidió regresar a los Estados Unidos en el otoño de 1888.  Hizo de Boston su nuevo hogar, donde se dio a conocer como pianista de conciertos y profesor de piano. Actuó en recitales con la Orquesta Sinfónica de Boston y otras organizaciones musicales estadounidenses. Los MacDowells vivieron en Boston hasta 1896, cuando Edward fue nombrado profesor de música en la Universidad de Columbia , el primer profesor de música en la historia de la universidad. Fue invitado personalmente por su presidente para crear un departamento de música. Después de abandonar la cátedra de Columbia por desavenencias con su Director, cayó en depresión y su salud se deterioró rápidamente. Después de su muerte, fue considerado como un gran compositor americano conocido internacionalmente. En 1940, era uno de cinco compositores americanos honrados en una serie de sellos de Estados Unidos. Los dos conciertos de Macdowell son ahora percibidos como las "obras más importantes en el género por un compositor estadounidense que no sea Gershwin". Sus cuatro sonatas, dos suites orquestales y múltiples piezas para piano en solitario son interpretadas y grabadas. Entre su obra se pueden contar: Más de 30 Composiciones para piano, Publicó dos libros de Ejercicios Técnicos para piano; Transiciones de dúo de piano de Hamlet y Ophelia para orquesta (Op. 22); Primera Suite para orquesta (Op. 42); Y una versión de piano solo de Op. 42, No. 4, La Canción de la Pastora, 9 composiciones publicadas para orquesta y más de 20 canciones publicadas,

Hoy escuchamos la primera parte "Leyenda" de su Suite Indian, muy poco conocida y que, no sé por qué, le encuentro cierto parecido con Las golondrinas de Usandizaga

Y otra pieza mucho más difundida en diversos formatos y perteneciente a su suite para piano Woodland Sketches, conocida como To a Wild Rose.

SUPLEMENTO DOMINICAL: El 22 de Enero me suena Frank Diago

Frank Diago es un joven cantante español nacido en Sabadell, posiblemente en 1983.

Aparte de unas breves notas en la prensa o en iTunes y lo poco que aparece en su web oficial http://frankdiago.com, no se dispone de fecha de nacimiento, aunque sí el año y el lugar, por cuyo motivo aparece en este SUPLEMENTO DOMINICAL.

En iTunes se dice: "Frank Diago es un cantante español que accedió a la popularidad gracias a Youtube. Proveniente de Sabadell, Diago comenzó a subir videos en los que interpretaba versiones de éxitos anglosajones de artistas como John Legend, Sia, Adele o James Arthur, a los que agregaba armonías vocales y acentos gitanos. Sus videos se volvieron virales en España en 2015, lo que derivó en un contrato discográfico con el sello Oneon. Quisiera, el álbum debut de Frank Diago, salió a la venta en mayo de 2016. Producido por Octavio Cruz, el disco incluía varias de las versiones subidas a Youtube así como los primeros temas propios del mismo Diago"

Le escucharemos en Hello de Adele

El 22 de Enero me suena Consuelo Velázquez

El año pasado sonó: Steve Perry  

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También en este día podrían sonar aquí: Angel Pocho Gatti+, Carlo Cossutta+, Fanni Anitua, Hammie Nixon, Rosa Ponselle, Rosalino Quintero+, Sam Cooke. Y alguna vez lo harán

 

El 22 de Enero de 2005 muere Consuelo Velázquez Torres en Ciudad de México. Popularmente conocida también como Consuelito Velázquez, fue una pianista y compositora mexicana. A los 4 años de edad su familia se mudó a Guadalajara. En esa época comenzó a demostrar un buen oído y grandes aptitudes para la música, por lo que con apenas 6 años se inició en los estudios de música y piano. Después de 9 años de estudio, se trasladó a México, D.F., donde prosiguió con sus estudios y obtuvo la licenciatura de pianista concertista y maestra de música. Su concierto de grado se llevó a cabo en el Palacio de Bellas Artes de la capital y poco después se inició como compositora de música popular. Como concertista de piano, fue solista de la Orquesta Sinfónica Nacional (México) y de la Filarmónica de la Universidad Nacional Autónoma de México. Como compositora su legado ha sido más notorio. Sus primeras composiciones, No me pidas nunca, Pasional y Déjame quererte, fueron de naturaleza romántica. Luego, surgieron, entre otras, canciones como Bésame mucho, Amar y vivir, Verdad Amarga, Franqueza, Chiqui, Cachito, Que seas feliz, Enamorada, Orgullosa y bonita y Yo no fui. También participó como pianista en películas mexicanas. Además, apareció en el documental sobre su vida Consuelo Velázquez de 1992. A lo largo de su vida, compuso música para varias películas mexicanas. Su éxito más conocido: Bésame mucho, bolero compuesto cuando sólo tenía 16 años, fue la melodía que más satisfacciones trajo a Velázquez, y que se convirtió en su carta de presentación. Esta canción fue creada antes de que Consuelo recibiera su primer beso de amor. Después de haber sido grabada por el barítono hispano-mexicano Emilio Tuero, en 1944 se hizo su primera adaptación en idioma inglés por parte del famoso pianista y cantante estadounidense Nat "King" Cole (cuando a este intérprete aún no se le había pasado por la cabeza grabar en idioma español). De ahí en lo sucesivo, fue interpretada por cientos de artistas alrededor del mundo, como Pedro Infante, Javier Solís, The Beatles, La Internacional Sonora Santanera, Thalia, Xavier Cugat y su Orquesta, The Ventures, Sammy Davis Jr., Antonio Machín, Lucho Gatica, Plácido Domingo, Vera Lynn, Luis Mariano (quien la popularizó en Francia), Sara Montiel, José Carreras, Ray Conniff y su Orquesta, Andrea Bocelli, Frank Sinatra, Luis Miguel, Diana Krall, Filippa Giordano, Zoé, Susana Zabaleta, Mónica Naranjo entre otros. Bésame mucho es conocida también como Kiss Me Much, Kiss Me a Lot, Kiss Me Again and Again, Embrasse-Moi y Stale Ma Boskavaj. Traducida a más de 20 idiomas, la canción llegó a ser todo un icono dentro de la música popular. Su gran acierto en Estados Unidos fue la contextualización de la canción hacia las mujeres que esperaban a sus maridos en la Segunda Guerra Mundial. En 1977 la también concertista al piano recibió la Medalla de la Paz de las Naciones Unidas. Recientemente se ha sabido que la compositora e intérprete, entre sus últimas voluntades, dejó siete canciones inéditas, entre ellas Donde siempre, Mi bello Mazatlán (que grabará la Banda El Recodo) y Por el camino, que la autora legó al cantante mexicano Luis Miguel.

Hoy escucharemos a Nat King Cole cantando Cachito

Y a la propia Consuelito interpretando al piano su Bésame mucho
Aconsejo también escuchar esta canción en la voz de Omara Portuondo en: https://estediamesuena.blogspot.com.es/2016/10/el-29-de-octubre-me-suena-omara.html

El 21 de Enero me suena Melendi

El año pasado sonó: Placido Domingo

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También en este día podrían sonar aquí: Ataúlfo Argenta, Guillaume Lekeu, Henri Duparc, Lola Flores, Michel Corrette, Neil Moret, Peggy Lee+. Y alguna vez lo harán

El 21 de Enero de 1979 nació Ramón Melendi Espina (conocido como Melendi) en Oviedo. Cantautor español que ha vendido mas de 3.000.000 de discos a lo largo de su carrera. Sus especialidades en la música son el rock, el pop y antiguamente la rumba a la hora de componer sus letras. Su carrera musical comienza en el 2001 con un grupo llamado "El Bosque de Sherwood". Decide dejar el grupo para comenzar su carrera en solitario. En 2003 publica su primer álbum, Sin noticias de Holanda, que obtuvo 4 discos de platino. En diciembre de este mismo año se lanza una edición para coleccionistas del disco, que incluye dos temas nuevos, «Asturias» y «Moratalá», mas los dos vídeos que grabó: «Mi rumbita pa' tus pies» y «Desde mi ventana». En 2004 una de las canciones de su primer disco, «Con la luna llena», es elegida como la canción oficial de la Vuelta Ciclista a España de ese mismo año y él fue elegido cantante revelación. Esto significó su lanzamiento definitivo a la fama. Entre 2006 y 2008 funda la oficina Blue Donkey Music con el objetivo de promocionar a jóvenes cantantes que quieren iniciar su carrera. Ofreció contrato a cuatro grupos: Algunos Hombres Buenos, Rasel, La Dama y Belo & Los Susodichos. Estos últimos fueron nominados a los premios Grammy Latino en la categoría de mejor grupo de rock vocal. También participó a lo largo del 2012 como coach del programa televisivo La voz, junto a Malú, David Bisbal y Rosario Flores. En noviembre y diciembre de 2013 fue el impulsor del nuevo programa de La 1 llamado Generación Rock, programa muy emotivo en el que personas de entre 68 y 85 años luchaban por cumplir su sueño.

Hoy escucharemos La religión de los idiotas de su álbum Un alumno más.

El 20 de Enero me suena Chucho Navarro

El año pasado sonó: Sebastian Iradier

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También en este día podrían sonar aquí: Christian Cannabich+, Claudio Abbado+, Ernest Chausson, Guillaume Lekeu, Johann Hermann Schein. Y alguna vez lo harán

El 20 de Enero de 1913 nace José de Jesús Navarro Moreno (conocido como Chucho Navarro) en Irapuato, Guanajuato. Cantante y compositor de boleros mexicano e integrante original, junto con Alfredo Gil y Hernando Avilés, del Trío Los Panchos durante casi 50 años. Desde los cuatro años cantaba en la fonda de su madre con su hermana Antonia, diez años mayor a la cual acompañaba cantando contraltas, pues su tesitura de niño era muy aguda y era la atracción de la fonda (por ser tan pequeño su hermana lo traía de la oreja para que cumpliera) también le enseñó a tocar la guitarra y juntos cantaban muchas canciones del siglo antepasado. Su madre falleció cuando él tenía 17 años y partió a Ciudad de México a ver a su abuelo y ayudado por su guitarra siguió sus estudios hasta llegar a la Facultad de Medicina. En ése entonces conoce al guitarrista Alfredo Bojalil Gil en la emisora XEW donde colaboraban, ya sea cantando o tocando la guitarra, con la orquesta o con algún intérprete que necesitara su auxilio, entre ellos por ejemplo el puertorriqueño Rafael Hernández, Toña la Negra, Pedro Vargas y Agustín Lara. A mediados del año 1937 interrumpe su tesis de la Facultad de Medicina y empieza una agrupación de voces y guitarras que ejecutaba música folclórica Mexicana con Alfredo Gil y el hermano mayor de éste, Felipe Bojalil Gil, el cual se llamó “El Charro Gil Y Sus Caporales”. En el año 1938 parten a la ciudad de Nueva York donde permanecen 10 años. Alfredo Gil y Chucho Navarro, decididos a seguir juntos como artistas, emprendieron la búsqueda de una primera voz para su nueva agrupación. El elegido fue el cantante y guitarrista puertorriqueño Hernando Avilés, quien originalmente cantaba Tangos con Orquesta, en Manhattan. Así, el 14 de mayo de 1944, Chucho Navarro, Alfredo Gil y Hernando Avilés, inician su propio grupo denominado "Los Panchos" y debutaron en el “Teatro Hispano de Nueva York”, el “Hotel Pierre”, y el “Carnegie Hall”. La idea del nombre “Los Panchos” surgió a raíz del reconocimiento del nombre “Pancho" como símbolo de identidad mexicano por la popularidad del guerrillero Pancho Villa. Cuando los artistas regresaron de Nueva York a México en 1948, ya eran reconocidos en los lugares más recónditos de la República y al pisar México ya era una institución reconocida por su concepto “creado” para cantar boleros en tres voces, además introdujeron el instrumento llamado requinto que fuera inventado y patentado por Alfredo Gil.

La historia de éxitos y nuevas canciones es interminable. Por eso ahora nos vamos a limitar a verlos en una de las películas en que participaron y escucharlos cantando Rayito de Luna, una de las muchas obras de Chucho para el Trío.

El 19 de Enero me suena Ferdinand Hérold

El año pasado sonó: Wilson Pickett 

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También en este día podrían sonar aquí: Carl Perkins+, Dolly Parton, Giuseppe Verdi estrena la ópera "Il Trovatore", Janis Joplin,  Jose Alfredo Jimenez, Ricardo Arjona. Y alguna vez lo harán

El 19 de Enero de 1833 muere Louis Joseph Ferdinand Hérold (conocido como Ferdinand Hérold) en París. Compositor francés de origen alsaciano. Creció en una atmósfera musical. Siguió cursos de teoría musical. A los siete años, sabia tocar el piano y comenzó a componer. Ingresó en el Conservatoire national de París en 1806. En 1810, ganó el primer premio de piano, con una pieza que él mismo había compuesto, lo que nunca había ocurrido hasta ese momento. Partió a Roma después de ganar el Prix de Rome de 1812. En primavera compuso su primera sinfonía. En 1815, partió para instalarse en Nápoles por razones de salud. Allí compone varias obras, entre ellas su segunda sinfonía y tres cuartetos para instrumento de cuerda. Su primera ópera, La Gioventù di Enrico Quinto fue representada bajo el seudónimo de Landriani, porque los compositores franceses eran generalmente mal recibidos. Tuvo el éxito del público pero no el de los compositores napolitanos. Estuvo en Austria, donde Metternich le empleó algunos meses, luego por Múnich y Suiza y regresó a París. Es entonces que alcanza la fama gracias a una ópera, Charles de France. También conoció el éxito ese mismo año con una segunda ópera, Les Rosières. Si La clochette fue también un éxito, ese no fue el caso de las óperas siguientes. La mala elección de los libretos comprometió también L’amour platonique y L’auteur mort et vivant. Decepcionado, decidió entonces abandonar la ópera. En 1821, llega a ser asistente en el Théâtre italien y viajó a Italia para reclutar cantantes, donde recuperó la salud y la inspiración. Regresó a la escena con una nueva ópera Le Muletier y profesó admiración por España después de la victoria francesa de Trocadéro para presentar Vendôme en Espagne, en colaboración con Daniel Auber. En 1824, el Opéra comique le encargó Le roi René. Continuó mientras tanto trabajando para el Théâtre italien donde llegó a ser maestro de coro. Escribió siempre mucho y alternó fracasos  y éxitos. Fue también empleado en la Opéra Garnier y nombrado «chevalier» de la Légion d’honneur. El 3 de mayo de 1831 se estrenó su más célebre ópera, Zampa, que fue un triunfo en Francia y Alemania, donde todavía se representa a veces hoy en día. Después de colaborar en La marquise de Brinvilliers  y escribir La Médecine sans médecin, compuso la que es sin duda hoy su obra más conocida, Le pré aux clercs, de la que se representó la función número mil ya en 1871. Un mes después del estreno, en enero de 1833, Herold murió de tuberculosis. Fue enterrado en el Père Lachaise. Es autor de: 21 Operas, 6 Ballets, 2 sinfonías, y otras obras entre las que se encuentran: 3 conciertos, 6 sonatas y 57 composiciones para piano.

Hoy escucharemos la obertura abreviada de su ópera Zampa.

El 18 de Enero me suena José Luis Perales

El año pasado sonó: Emmanuel Chabrier 

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También en este día podrían sonar aquí: Bertold Goldschmidt, Cesar Cui, Edmundo Rivero+, Glenn Frey+, Ricard Viladesau. Y alguna vez lo harán

El 18 de Enero de 1945 nace José Luis Perales Morillas en Castejón, Cuenca. Cantautor, compositor, productor y escritor español. Durante sus tiempos de estudiante empezó a escribir canciones; al principio componía sólo para otros intérpretes, hasta que el productor Rafael Trabuchelli lo convenció de grabar sus propias canciones. Desde su debut con Mis canciones, ha vendido más de 30 millones de álbumes en todo el mundo. Obtuvo su primer disco de oro en Argentina por su canción «Celos de mi guitarra» incluida en su doble sencillo Celos de mi guitarra/Primer amor; ha recibido más de 100 discos de oro y de platino. Su canción «Porque te vas», popularizada por Jeanette, ha sido versionada por más de 40 artistas en Francia, Alemania, Inglaterra, Japón, hasta 2004. Sólo de esta canción vendió más de 6 millones de copias en Alemania y Austria. Es el cantautor hispano más versionado del mundo. Sus letras son poesías que hablan del amor, la nostalgia y la paz. Ha realizado 27 producciones musicales y registrado más de 510 canciones. Desde muy pequeño mostró devoción por la música aprendiendo a solfear con un antiguo maestro, lo que le llevó a tocar el laúd con tan sólo 6 años. A los 14 años, realizó sus primeras composiciones. A los 16 años, su padre le consiguió una beca para la Universidad Laboral de Sevilla, a donde se desplazó para estudiar maestría industrial en electricidad y vivir allí. Se apuntó a la tuna de este centro formativo.  En los ratos libres seguía componiendo, y poco a poco fue vendiendo canciones. Fórmula V, Basilio, Jeannette, el Dúo Yerbabuena, Paloma San Basilio y Miguel Bosé han grabado sus canciones, entre otros. Abarcó estilos como el funk, soul, pop y la música disco de aquellos años. También fue el primer y único sencillo del álbum Porque te vas, a raíz de su éxito en ventas gracias a la película Cría cuervos de Carlos Saura, donde se dio a conocer. La participación de José Luis Perales con Aldeas Infantiles SOS se originó cuando en Argentina, en una gira por América a principios de la década de 1980, conoció la historia de unos hogares tutelados por mujeres, que se hacían cargo de la atención y cuidados de niños procedentes de la marginación y el desamparo. De regreso a España entró en contacto con Juan Belda, presidente de la organización en España, quien le explicó la labor que desarrollan en todo el mundo en favor de la infancia marginada. Al preguntarle cómo podía colaborar con la organización, Belda le pidió que compusiera una canción promoviendo la idea de Aldeas Infantiles y la incluyera en un disco. Y así nació «Que canten los niños», que se incluyó por primera vez en el álbum «Con el paso del tiempo» y en el doble sencillo «Que canten los niños/Yo también tuve quince años», cuyos derechos el autor ha cedido a la organización

Y es esta canción la que hoy va a sonar aquí.

El 17 de enero me suena Dalida

El año pasado sonó: Françoise Hardy

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También en este día podrían sonar aquí: Alfredo Zitarrosa+, Daniel Diges, Gines Torrano Soler, Juan Crisóstomo Arriaga+, Laureano Martinez Smart+, Ñico Saquito, Santino Garsi da Parma+, Tomaso Albinoni+. Y alguna vez lo harán

El 17 de enero nació Iolanda Cristina Gigliotti (conocida como Dalida) en El Cairo. Cantante y actriz de nacionalidad francesa y origen italiana que nació en Egipto. En 1981 fue la primera mujer en recibir un disco de diamante en reconocimiento a la cantidad de copias vendidas, que le valieron un total de 55 discos de oro a lo largo de su carrera. Entre sus éxitos más conocidos se listan Bambino, Ciao Amore Ciao, Je Suis Malade, Darla Dirladada, Gigi l'amoroso, Paroles, Il Venait D'avoir 18 Ans, J'attendrai, Le Lambeth Walk, Avec Le Temps, Salma Ya Salama o Soleil, Soleil.  En 1954 es elegida Miss Egipto. Ese mismo año se traslada a Francia con la intención de hacerse un espacio en el cine galo. En 1955 forma parte del reparto en la película A Glass and a Cigarette dirigida por Niazi Mostafa y basada en una historia de Abdel Aziz Salam. En este mismo film, Dalida canta un tema inédito titulado "La Luna Negra". En 1956 graba su primera canción, Madona, una versión en francés de un éxito de Amália Rodrigues. Le seguirá Bambino, uno de sus grandes éxitos, una traducción de la canción napolitana Guaglione, En marzo de 1957 se presenta en el teatro Olympia de París acompañando a Charles Aznavour y en septiembre a Gilbert Bécaud. En 1972 se escucha en México, en USA y en Latinoamérica su voz acompañada del actor Alain Delon interpretando la melodía "Paroles, Paroles" (Palabras, palabras) en idioma francés con gran aceptación en esos lugares ya mencionados. Tanto éxito tuvo que esa melodía fue posteriormente traducida al idioma español y al idioma inglés. En 1975, vuelve a poner de moda la canción J´attendrai pero esta vez adaptada a la música disco,  En 1981 Dalida es la primera cantante en recibir un disco de diamante. A lo largo de su carrera consiguió cincuenta y cinco discos de oro interpretados en diez idiomas, y vendió un total de 170 millones de discos. Dalida grabó canciones en diez idiomas. Es difícil enumerar todos los temas que ella dejó registrados: cerca de 500 canciones en francés, 200 en italiano y otras 200 en diferentes idiomas: inglés, árabe, español, alemán, hebreo, griego, neerlandés y japonés. Algunos de sus mayores éxitos fueron:  À ma manière, Bésame mucho, Paroles, paroles (con Alain Delon), Ciao, Ciao Bambina, Come Prima, Gigi l'Amoroso, Gondolier, Hava Naguila, J'attendrai, La Danse de Zorba,   La Mamma, La vie en rose, Les feuilles mortes, Les enfants du Pirée, Paroles... Paroles... y 30 canciones registradas por Dalida en español: Los niños del Pireo,  El Cordobés, Gigi El Amoroso,.... y participó en 12 películas

Hoy escucharemos uno de sus grandes éxitos: J'attendrai en su versión tan personal.

El 16 de Enero me suena Arturo Toscanini

El año pasado sonó: Amilcare Ponchielli

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También en este día podrían sonar aquí:
Antoine Marmontel+, Augusto Algueró+, Ernesto Halffter, Jorge Peña Hen, Leo Delibes+, Niccolo Piccini, Pilar Lorengar. Y alguna vez lo harán

El 16 de Enero de 1957 muere Arturo Toscanini en Nueva York. Músico italiano, considerado por muchos de sus contemporáneos y por muchos críticos de la actualidad como el más grande director de orquesta de su época y del siglo XX. Era célebre por su brillante intensidad, su incansable perfeccionismo, su prodigioso oído y su memoria fotográfica, que le permitía corregir errores de los miembros de la orquesta que habían sido inadvertidos durante décadas por sus colegas. Había iniciado su formación musical en Parma al ganar una beca para el conservatorio local, en el que estudió cello. Tras sus estudios, fue admitido en la orquesta de una compañía de ópera con la que realizó una gira por Sudamérica. Mientras representaban Aida en Río de Janeiro en 1886, el director de la orquesta fue abucheado por el público y obligado a abandonar el escenario. Toscanini, afortunadamente, cogió la batuta animado por el resto de músicos, comenzando así, con 19 años, su carrera como director. En 1898, fue nombrado director residente de La Scala de Milán, donde permaneció hasta 1908. Tras este primer periodo en La Scala se fue a Estados Unidos para dirigir en el Metropolitan Opera de Nueva York y posteriormente, regresaría a La Scala en los años 1920. Tocó en el Festival de Bayreuth y en el Festival de Salzburgo. Entre 1926 y 1936 dirigió la Orquesta Filarmónica de Nueva York. Radicalmente opuesto a los regímenes fascistas de Alemania e Italia, abandonó Europa para dirigirse a los Estados Unidos. Allí se fundó en 1937 la Orquesta Sinfónica de la NBC para él, y con ella actuó con regularidad hasta 1954 en la Radio Nacional.

Hoy le veremos en una antigua grabación de 1948 dirigiendo a "su" Orquesta Sinfónica de la NBC el impresionante Preludio del acto III de Lohengrin.