El 31 de Diciembre me suena Donna Summer

También en este día podrían sonar aquí: Anthony Hopkins, Ernesto de Curtis+, John Denver, Natalie Cole+, Silvestre Revueltas,  Sol Seppy, y alguna vez lo harán

El 31 de Diciembre de 1948 nace LaDonna Adrian Gaines (conocida como Donna Summer) en Boston, Massachusetts. Cantante, compositora, pianista y actriz estadounidense, mundialmente famosa por sus géneros de disco y pop durante los años 70 y comienzos de los años ochenta. La madre de Summer dijo que ella antes de hablar, cantaba. Hizo su debut en la actuación con tan solo diez años en su iglesia sustituyendo a un vocalista que no se presentó. Summer recordó que mientras cantaba se puso a llorar y todo el mundo empezó a llorar y que fue un momento increíble en su vida por lo que sintió que Dios le estaba diciendo que sería muy famosa y desde ese momento ella lo sintió.

Ganó en cinco ocasiones los premios Grammy. Fue la primera artista en tener tres álbumes consecutivos en alcanzar el número #1 en los Estados Unidos en el Billboard Hot 100. A lo largo de su carrera vendió más de 150 millones de copias en todo el mundo, lo que la convierte en uno de los músicos con mayores ventas de todos los tiempos. Sus canciones más conocidas a lo largo de su carrera son, «Last Dance», «Hot Stuff», «On the Radio», «She Works Hard for the Money», «Love to Love you Baby», «I Feel Love», «Bad Girls» y «No More Tears (Enough is Enough)», un dúo que grabó con Barbra Streisand. Summer se involucró en el mundo de la música a través de los grupos del coro de su iglesia antes de unirse a una serie de bandas influenciadas por la Motown Sound. Influida por la contracultura de la década de 1960, se convirtió en la cantante al frente de la banda de rock psicodélico Crow y se trasladó a la ciudad de Nueva York. Se casó con Helmut Sommer, de cuyo apellido derivó el nombre artístico Donna Summer. En 2013 fue incluida en el Salón de la Fama del Rock. Es considerada la reina de la música disco. Canciones suyas como I Feel Love han sido interpretadas en directo por Kylie Minogue, Blondie y John Frusciante de los Red Hot Chili Peppers. Se replican fragmentos (samples) de sus canciones en canciones nuevas de Beyoncé (Naughty Girl se inspiró en Love To Love You Baby) y Madonna (cuya canción Future Lovers incluye un fragmento de I Feel Love). En el ámbito hispano cabe destacar Fuego de pasión, canción de la española Mónica Naranjo, que es una versión adaptada por ella del gran éxito de Donna Love's About to Change My Heart. Igualmente, los Pet Shop Boys han admitido haberse inspirado en I Feel Love para crear su éxito So Hard .  En su discografía cuenta con 17 Álbumes de estudio

Escucharemos uno de sus temas, pero no uno de los más conocidos, hoy se trata de un interesante tema, aunque no tan famoso como otros. Escucharemos "Love's Unkind". Puede ir al pelo para despedir al año; porque, como dice el título y la letra, el amor es cruel y porque hay que darle puerta al 2016,  y es que se nos marcha haciendo daño.

El 30 de Diciembre me suena Kiss Me, Kate

También en este día podría sonar aquí: Bert Berns+, Richard Rodgers+, y alguna vez lo hará.

El 30 de Diciembre de 1948 se estrena el musical Kiss Me, Kate con música de Cole Porter. La historia trata de la producción de una versión musical de William Shakespeare La fierecilla domada y el conflicto dentro y fuera del escenario entre Fred Graham, director de la obra, productor y estrella, y su protagonista, su ex esposa Lilli Vanessi. Un romance secundario se refiere a Bianca, y su novio jugador, Bill, que entra en conflicto con algunos mafiosos. Kiss Me, Kate fue la respuesta de Porter, de Rodgers y Hammerstein a Oklahoma! y otros musicales integrados. Fue el primer espectáculo en el que la música y las letras estaban firmemente conectadas con el guión, y resultó ser su mayor éxito y el único de sus programas al alcanzar más de 1.000 actuaciones en Broadway. En 1949, ganó el primer premio Tony al Mejor Musical y otro para Porter, aparte de otros muchos otros premios. El 25 de marzo de 2015, el disco de la obra original de 1949 se instaló en la Biblioteca del Registro Nacional de grabación del Congreso para "significado cultural, artística y / o histórica de la sociedad estadounidense y el legado de audio de la nación" del álbum. Dio lugar a una película y cuatro producciones de televisión.

Hoy toca escuchar el tema "We Open In Venice" de este musical.

El 29 de Diciembre me suena Tomás Bretón

También en este día podrían sonar aquí: Joe Lovano, Pau Casals o Paulo Tapajós+. Y alguna vez lo harán

El 29 de Diciembre de 1850 nace Tomás Bretón y Hernández en Salamanca. Compositor y violinista español. Realizó sus primeros estudios musicales en la Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy en su ciudad natal, donde se ganó la vida tocando en pequeñas orquestas provinciales, teatros e iglesias. A los 16 años se trasladó a Madrid, donde tocó en orquestas de teatros de zarzuela y continuó su aprendizaje en el Real Conservatorio bajo las enseñanzas del maestro Emilio Arrieta. En 1872 recibió, junto con Ruperto Chapí, el primer premio de composición del Conservatorio. Tras varios años trabajando en pequeños teatros en 1880 fue becado por la Academia de Bellas Artes de San Fernando para estudiar en el extranjero, residiendo en Roma, Milán, Viena y París entre 1881 y 1884. Allí encontró tiempo para trabajar en obras más ambiciosas, como el oratorio El Apocalipsis y su ópera Los amantes de Teruel. El estreno de esta última en el Teatro Real de Madrid le consolidó como el principal impulsor de la ópera española. La ópera constituye el hilo conductor de la carrera de Tomás Bretón (1850-1923), a pesar de que su intensa actividad le llevó a otros campos, como director de orquesta, director del Conservatorio de Madrid y prolífico compositor en campos poco desarrollados en España como la música sinfónica y de cámara, además de realizar numerosas zarzuelas en muy diferentes géneros y estilos. Su primera ópera fue Guzmán el Bueno (1876), trabajo de corte escolar con un excesivo carácter tradicional condicionado por el libreto de Arnao. Aun así, el estreno de esta modesta ópera en un acto resultó bastante complicado, lo que ponía en evidencia la escasa receptividad de los teatros españoles para el género operístico. Compuso 50 Zarzuelas, entre las que destaca La verbena de la Paloma,  7 Óperas Españolas, entre las que hay que resaltar: Los amantes de Teruel, La Dolores y  Don Gil de las calzas verdes, 10 Obras de Música sinfónica: 3 sinfonías, 4 poemas sinfónicos y otras como la Marcha Nupcial para la boda de Alfonso XIII y Victoria Eugenia, y 9 Obras de Música de cámara

Hoy no vamos a escuchar zarzuela ni ópera, escucharemos una de sus piezas de concierto y, tras el Bolero de Ravel que pudimos ver y escuchar ayer, hoy tenemos otro «Bolero» perteneciente a "Cuatro piezas españolas".

El 28 de Diciembre me suena Maurice Ravel

También en este día podrían sonar aquí:  Cayo Vela Marqueta, Christian Cannabich, Hildegard Kneff, Inocente Carreño (¿alguien imagina por qué lo bautizaron así?), Lemmy Kilmister+, Max Steiner+, Paul Hindemith+, Richard Clayderman, Salvador Sobral. Y alguna vez lo harán

El 28 de Diciembre de 1937 muere Joseph Maurice Ravel en París. Compositor francés del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estilo neoclásico y, a veces, rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Muy pronto reveló un talento musical excepcional. Comenzó el estudio del piano a los seis años. Niño juicioso, aunque también caprichoso y terco, pronto demostró su natural talento musical, aunque, para desesperación de sus padres y profesores, reconoció más tarde haber sumado a sus numerosos talentos «la más extrema pereza.» De hecho, en un principio su padre, para obligarlo a practicar el piano, tenía que prometerle pequeñas propinas. El clima artístico y musical prodigiosamente fértil de París de fines del siglo XIX no podía sino estimular el desarrollo del joven. Impresionado por las músicas de Extremo Oriente en la Exposición Universal de 1889, entusiasmado por la de los rebeldes Emmanuel Chabrier y de Erik Satie, admirador de Mozart, Saint-Saëns y Debussy, manifestó tempranamente un firme carácter y un espíritu musical muy independiente. Gabriel Fauré (1845–1924) fue su profesor y a quien Ravel dedicaría sus Jeux d’eau y su Cuarteto. Al final de sus estudios compuso la Obertura de Shéhérazade  y la famosa Pavane pour une infante défunte de curioso título, que sigue siendo su obra pianística más tocada por los melómanos aficionados, aunque su autor no la tenía en mucha estima. Es con Jeux d’eau para piano, de 1901, que quedó afirmada la personalidad musical de Ravel, quien iba a mantenerse bastante independiente de la riqueza del patrimonio musical de su tiempo.

En abril de 1909 Ravel se encontraba en Londres, junto a Ralph Vaughan Williams, para su primera gira de conciertos en el extranjero. Con este motivo descubrió que era conocido y apreciado al otro lado del Canal. El catálogo completo de sus obras establecido por Arbie Orenstein y completado por Marcel Marnat cuenta con 111 terminadas por Maurice Ravel entre 1887 y 1933: De ellas 86 obras originales entre las que destacan: Pavana para una infanta difunta, Ma Mère l'Oye, Le Tombeau de Couperin, Daphnis et Chloé, La Valse, Tzigane, Boléro, Shéhérazade  y 25 arreglos o adaptaciones de obras de: Debussy, Mussorgsky, Schumann, Chopin y Chabrier, entre otros.

Dejando aparte sus obras más emblemáticas: El Bolero, Daphnis et Chloé, el Concierto en sol, Mi madre la oca... y eso de que mi madre sea una oca no es una inocentada porque es el título, hoy escucharemos, de la Rapsodia Española nº 4, el 4º movimiento "Feria", y de su obra más conocida e interpretada, El Bolero, del que por su estructura se presta como ninguna otra obra a un flash mob, podría poner un montón de ellos, y de hecho os pongo al final uno que tuvo lugar, luchando contra el viento, en Algemesí.

Rapsodia Española nº 4, el 4º movimiento "Feria"



El Bolero

El 27 de Diciembre me suena Joan Manel Serrat

También en este día podrían sonar aquí: Diego el Cigala, Hoagy Carmichael+, Rafael Martinez Valls+, Shura Cherkassky+, Tito Schipa. Y alguna vez lo harán

El 27 de Diciembre de 1943 nace Joan Manel Serrat en Barcelona. Cantautor, compositor, actor, escritor, trovador, poeta y músico español. Y ¿qué voy a decir de Serrat si ya lo admiramos y conocemos todos?. Se basta por sí solo y no necesita pregoneros ni aduladores. También conocemos su impagable obra divulgativa de los grandes poetas. Pero a continuación añadiré algún detalle y os remito a: 

https://es.wikipedia.org/wiki/Joan_Manuel_Serrat 

si os sobra mucho tiempo para leerlo todo. 

Su padre, Josep Serrat, fue un anarquista español afiliado a CNT y su madre, Ángeles Teresa, era una ama de casa originaria de Belchite (Zaragoza). Su niñez, en la que pudo disfrutar del ambiente de las calles de su barrio, lo marcó profundamente, hasta tal punto que un gran número de sus canciones narran la cotidianeidad de su barrio en la posguerra (ejemplos son: «La Carmeta», «La tieta» y «El drapaire» como personajes estereotipo de su barrio). A los 12 años, Serrat se matriculó como alumno interno en la Universidad Laboral Francisco Franco de Tarragona, donde cursó el Bachillerato Laboral Superior, en la especialidad "Industrial Minera", titulándose en la modalidad de tornero fresador. Realizó estudios de perito industrial a la vez que tocaba la guitarra como aficionado. En 1965 se graduó en el área de la agronomía como perito agrícola y, en la misma época, se presentó en el programa Radioscope de Salvador Escamilla en Radio Barcelona, en el que interpretó sus primeras canciones y le ofreció la primera oportunidad de presentarse en público; poco tiempo después, le llamaron para ofrecerle un contrato y grabar su primer disco. Su primer concierto lo realizó en el teatro L'Avenç de Esplugas de Llobregat. Se le reconoce como uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la Nova Cançó catalana y fue miembro del grupo Els Setze Jutges (ingresó como el decimotercero de los dieciséis), un grupo de cantantes en lengua catalana que tenía como referente a la chanson francesa (con exponentes como Jacques Brel, Georges Brassens o Léo Ferré, entre otros). En 1965 se editó su primera grabación, el EP denominado Una guitarra, con cuatro canciones y en 1966 apareció su segundo EP Ara que tinc vint anys, tan conocida. En 1968 publicó sus primeras canciones en español, con varios simples que serían recogidos en el LP La paloma el año siguiente. Al mismo tiempo, iba componiendo nuevas canciones en catalán que se editaban también en formato sencillo y luego recopilados, de modo que en 1969 se editó el LP Com ho fa el vent. Cuando a finales de los sesenta Serrat comenzó a cantar en español, a aparecer en portadas de revistas y a hacer películas como Palabras de amor, La larga agonía de los peces fuera del agua y Mi profesora particular, algunos de sus «seguidores de siempre» pasaron a considerarlo un traidor de la «causa catalanista». Él se defendió diciendo que el castellano también era su lengua materna, pues su madre era aragonesa. En 1968 se anunció que Serrat sería el representante de España en el Festival de Eurovisión. En cuanto a la canción que debía interpretar, se barajaban dos: El titiritero (en castellano), del propio Serrat, y La, la, la. Al final se decidió que fuese esta última, al considerarse, por su estilo, más apta para el festival. Pero, Serrat comenzó a recibir muchas presiones de algunos miembros de la Nova Cançó así como de otros sectores catalanistas, por presentarse a un festival en el que representaría a España, cantando en español. Ante este clima de quejas, su discográfica en catalán, Edigsa, decidió posponer el lanzamiento del segundo disco, Cançons tradicionals. Dejando aparte este episodio en el que el propio autor seguro que hubiera preferido acudir, en lugar de Massiel con el La la la, con su propia canción "El titiritero", en 1969 participó en el IV Festival Internacional da Canção Popular de Río de Janeiro, con la canción «Penélope», que compuso en colaboración con Augusto Algueró. La canción ganó los premios a: mejor letra, música e interpretación, dando impulso a su primera gira por Hispanoamérica, algo que se transformó en costumbre de ahí en adelante. El éxito de Serrat fue inmediato sobre todo en Argentina, Uruguay y Chile, país en el que debutó actuando en el Teatro Municipal de Santiago, en un concierto que se transmitió en vivo por la Televisión Nacional de Chile. Su obra tiene influencias de otros poetas, como Mario Benedetti, Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Pablo Neruda, Joan Salvat-Papasseit y León Felipe entre otros; así como de diversos géneros, como el folklore catalán, la copla española, el tango, el bolero y del cancionero popular de Latinoamérica, pues ha versionado canciones de Violeta Parra y de Víctor Jara. Es conocido también con los sobrenombres de El noi del Poble-sec (‘el chico de Puebloseco’, su barrio natal) y el Nano. Ha sido reconocido con nueve doctorados Honoris Causa por su contribución a la música y literatura española, además del Grammy Latino “Persona del Año” en 2014, entre otros importantes galardones. Últimamente se juntó con otro pájaro de cuidado, cantante y poeta como es Joaquín Sabina, y... ¿qué podría salir de esa colaboración?. Algo que no podemos perdernos y de lo que hoy pongo una pequeña muestra con "Cantares" de Antonio Machado.

26/12/2016 ESPECIAL NEGRA NAVIDAD

Alguien decía que "Año bisisiesto, año siniestro" y hemos tenido unas abundantes muestras a lo largo de todo el año. Pero para remate (y espero que lo sea porque aún quedan unos días para que acabe el año), esta Navidad se lleva la palma, no por BLANCA, sino por NEGRA. El día 25 se llevó a todo el grupo de los Coros del Ejército Ruso y también a George Michael. Espero que pare ahí, aunque sigue muriendo gente inocente absurdamente en conflictos promovidos por el odio "religioso" y el poder económico de los fabricantes de armas. Hoy publico este especial recordando unos temas del Coro que dedicó a España y una canción en la que George hablaba de la última Navidad

El 26 de Diciembre me suena Pablo Sorozábal

También en este día podrían sonar aquí: Alberto Favero, Antonio Caldara+, Imperio Argentina, Jean Ferrat, Joe Dolan+, Marina Cardenas. Y alguna vez lo harán

El 26 de Diciembre de 1988 muere Pablo Sorozábal Mariezkurrena en Madrid. Compositor español, uno de los más destacados autores de obras sinfónicas y del género lírico (zarzuela y óperas chicas) del siglo XX. Comenzó a estudiar Teoría Musical y violín con Alfredo Larrocha en la Academia Municipal de Música de San Sebastián, para pasar más tarde a formar parte de la Orquesta del Casino de San Sebastián, con sólo 17 años. Más tarde, en 1918, acude a Madrid para tocar en la Orquesta Filarmónica. Gracias a su indiscutible capacidad musical consigue una beca de 1.500 pesetas de la diputación de Guipúzcoa para ir a ampliar sus estudios musicales a Alemania, primero en Leipzig, donde tuvo su primer contacto en el mundo de la dirección al hacerse cargo de la Gotriansteinwegorchester logrando sus primeros éxitos, para luego continuarlos en Berlín, donde terminaría. Inicia su actividad lírica en 1931, al estrenar la opereta Katiuska, a la que seguirían otros títulos tan importantes como La Isla de las Perlas y Adiós a la Bohemia. En 1934 estrena La del manojo de rosas, con la que termina de cimentar su fama como compositor, tras otros títulos como No me olvides, o La Casa de las Tres muchachas, consiguiendo en 1936, con La tabernera del puerto, uno de sus más resonantes éxitos. Se distinguió por su labor sinfónica y de cámara, que reúne también obras como Capricho Español, Suite Vasca, Txistulariak, etc. Siempre estuvo muy apegado a las costumbres vascas y reconoció en El Caserío (de Jesús Guridi) una partitura magistral, pero un libreto que según él banalizaba al pueblo vasco y no lo representaba. La simpatías liberales de Sorozábal le dejaron un tanto aislado tras la Guerra Civil española, con lo que muchas de sus posteriores zarzuelas fueron representadas antes fuera de Madrid o en teatros de menor prestigio de la ciudad. Algunas de ellas son el ambicioso romance alegórico Black, el payaso o el sainete Don Manolito. Realizó también contribuciones en el campo del cine, como la banda sonora de Marcelino pan y vino. Su labor como director de la Orquesta Sinfónica de Madrid finalizó de manera abrupta en 1952, cuando le fue denegado el permiso para dirigir la Sinfonía Leningrado de Shostakovich. Con su muerte en Madrid el 26 de diciembre de 1988, el recorrido histórico creativo de la zarzuela llegó a su fin. Su legado e influencia sobre dicho género fueron decisivos. Entre 21 zarzuelas, las principales y más conocidas cabe destacar Katiuska, la mujer rusa, Adiós a la bohemia, en la que trabajó con Pío Baroja, La del manojo de rosas, La tabernera del puerto, Black el Payaso, Don Manolito, etc. Revisó y rescató obras del siglo XIX como Pan y Toros (de Barbieri) o Pepita Jiménez (de Albéniz), obteniendo un gran éxito artístico, pero no económico. Su longevidad le hizo ser testigo de las nuevas corrientes musicales, interesadas en otros géneros. Su última obra, finalizada en septiembre de 1988, fue Variaciones para quinteto de viento, compuesta cuando el Quinteto de Viento Pablo Sorozábal le pidió permiso para adoptar su nombre. Murió sin poder estrenar la que él mismo consideró su mejor obra: la ópera Juan José, que fue finalmente estrenada en versión de concierto en el Kursaal de San Sebastián el 21 de febrero de 2009. 

Hoy vamos a escuchar algo poco valorado y es la voz de un bajo. Siempre resalta más la voz del tenor y, como mucho, la del barítono. Pero ahora vamos a escuchar un aria en la voz de Noe Colin: la Romanza de Simpson "Despierta Negro", de la muy conocida zarzuela La Tabernera del Puerto; sí, aquella de "No puede seeer..." o "En un país de fábula...". ¡fabulosa! ¿Verdad que es impresionante?

El 25 de Diciembre me suena Dean Martin

 
FELIZ NAVIDAD,
BON NADAL,
EGUBERRI ON, 
BO NADAL, 
MERRY CHRISTMAS,
JOYEUX NOËL,
BUON NATALE,
FROHE WEIHNATCHEN,
 ......
 




También en este día podrían sonar aquí: Annie Lennox, Birgit Nilsson+, Cesare Bardelli, Charles Chaplin+, Chris Kenner, Enrique Morente, George Michael+, James Brown+, Orlando Gibbons, Patrick Sarsfield Gilmore, Wilson Choperena. Y alguna vez lo harán

El 25 de Diciembre de 1995 muere Dino Paul Crocetti (conocido como Dean Martin) en Beverly Hills-California. Además de su carrera como cómico, actor y ¡hasta boxeador!, y además de su éxito cinematográfico, Dean fue un cantante que tuvo también éxitos como tal. Hijo de inmigrantes italianos, de adolescente tocaba la batería como pasatiempo. Era objeto de burla debido a su inglés entrecortado y finalmente abandonó la escuela en el décimo grado. Empezó a trabajar en distintas actividades, como peón, ayudante en una gasolinera, croupier y tuvo un período en que probó como boxeador. En el cuadrilátero no le fue mal, luchando bajo el seudónimo de Kid Crocetti. Paralelamente a sus escarceos en el cuadrilátero, Dino empezó a actuar como cantante en los clubes con el nombre artístico de Dino Martini. A lo largo de su dilatada carrera como cantante, Martin tuvo grandes éxitos con las interpretaciones "Volare (Nel Blu Dipinto di Blu)" de Domenico Modugno, "Everybody Loves Somebody", "Sway" o "Mambo Italiano". Con el tiempo, en sus actuaciones, además de cantar interpretaba también números cómicos. A mediados de la década de los 40, Martin conoció en el ambiente de los clubes nocturnos a un cómico novato llamado Jerry Lewis, con el que rápidamente formó una amistad personal y una pareja profesional, que se convertiría en el dúo cómico más exitoso en Estados Unidos durante la siguiente década. En poco tiempo, Martin y Lewis comenzaron a ser reconocidos, llegaron a la televisión como los cómicos invitados de un nuevo programa de variedades que con el tiempo se convertiría en el clásico de la televisión de los Estados Unidos llamado The Ed Sullivan Show. En 1949, el éxito del dúo se trasladó al cine de mano de la productora cinematográfica Paramount, y protagonizaron un total de 18 rentables películas. Desde la década de los 50, Dean Martin formó parte de un grupo de actores conocido como el rat pack junto con Frank Sinatra, Peter Lawford y Sammy Davis, Jr. Todos participaron en la película Cuadrilla de los once. Martin quiso mantener el nivel de popularidad ya adquirido y comenzó, en solitario, su carrera como actor cinematográfico, realizó papeles de galán y cantante y dejó algunos memorables títulos, como Los cuatro hijos de Katie Elder; Río Bravo, Bésame, tonto, Como un torrente,  y, especialmente, El baile de los malditos. De Dean Martin, Dino para sus amigos, se han dicho muchas cosas. Como persona simpática y afable en los ambientes sociales y fiesteros pero, al tiempo, una persona distante y reservada. Vividor, mujeriego empedernido, de gran ego y que fue incapaz de amar a una sola mujer. Sus canciones aún se escuchan a través de radio, películas y comerciales y su imagen será recordada por siempre como "The Unique Dino". Según el libro Frank Sinatra y el olvidado arte de vivir, de Bill Zehme, el cual está muy bien documentado, Dean Martin casi no bebía, aunque siempre tenía un vaso de licor en la mano para simularlo durante sus actuaciones cómicas.Triunfó en el cine, en la televisión y en la música y en cuanto a su voz cantaba en el registro del barítono. Sin embargo, su color de voz, tanto hablada como cantada, era la de un tenor. En su filmografía figuran cerca de sesenta películas.

Con motivo del día que es ¿Qué mejor tema que Let It Snow?. Pues escuchemos a Dino, dejemos que nieve  y FELIZ "NEVIDAD".

El 24 de Diciembre me suena Aida

También en este día podrían sonar aquí: Alban Berg+, Bernard Herman+, Enrique Fernandez Arbos, Harry Warren, Lemmy Kilmister, Mauricio Kagel, Ricky Martin. Y alguna vez lo harán.

También en este día Wolfgang Amadeus Mozart y Muzio Clementi entablaron un duelo de interpretación pianística (quedaron en tablas, es decir "entablaron")

El 24 de Diciembre de 1871 Giuseppe Verdi estrena Aida en el el Teatro de Ópera del Jedive en El Cairo. Aida (a veces escrito Aïda; en árabe es un nombre femenino que significa 'visitante' o 'que regresa') es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi. Ismail Pachá, jedive de Egipto, encargó a Verdi una ópera para representarla en enero de 1871, pagándole para ello 150.000 francos, pero el estreno se retrasó debido a la Guerra Franco-Prusiana. En contra de la creencia popular, la ópera no se escribió para conmemorar la inauguración del Canal de Suez en 1869, ni tampoco para el Teatro de Ópera del Jedive (que se abrió con el Rigoletto de Verdi) en el mismo año. A Verdi le pidieron componer una oda para la apertura del Canal, pero declinó la petición arguyendo que no escribía "piezas ocasionales", pero comenzó a barajar la idea de componer una ópera. Pasha intentó convencer nuevamente a Verdi, e incluso a Gounod o Wagner, abriendo la posibilidad de componer una ópera. Cuando Verdi leyó el argumento escrito por Auguste Mariette lo consideró como una buena opción y finalmente aceptó el encargo el 2 de junio de 1870. Verdi se acercó al género de la Grand Opéra, creando una obra espectacular, de gran despliegue escénico (grandes coros y escenas, efectos especiales). La representación fue grandiosa. El vestuario, los accesorios y el escenario para el estreno fueron diseñados por Auguste Mariette. La corona que ceñía Amneris era de oro macizo y las armas de Radamés de plata. Aida fue recibida con gran entusiasmo en su posterior estreno en Milán. La ópera pronto se representó en los principales teatros de ópera por toda Italia. Es una de las óperas más populares del compositor italiano, quien era por entonces un compositor de gran prestigio en toda Europa. El éxito de esta nueva ópera cimentó aún más su fama internacional. La ópera se ha adaptado para el cine en diversas ocasiones, destacando una producción de 1953 que protagonizaron Lois Maxwell y Sophia Loren, y una producción sueca de 1987. En ambos casos, los actores protagonistas hacían play-back con grabaciones de verdaderos cantantes de ópera. La historia de la ópera, aunque no su música, se usó como base de un musical del mismo nombre de 1998 escrita por Elton John y Tim Rice.

Tenemos hoy la Marcha Triunfal en un flashmob en Zurich, seguido con el Ritorna Vincitor.

SUPLEMENTO NAVIDEÑO.- El 24 de Diciembre me suena la NAVIDAD

Esta noche es Noche Buena y tengo que poner un SUPLEMENTO NAVIDEÑO además de recordar al músico que hoy toca; ya que, en caso contrario, los nacidos en este día no tendrían ocasión de sonar por aquí al dedicar el día exclusivamente a la NAVIDAD.

De todos modos este año se cubrirían ambos objetivos porque, tal día como éste, sonó por primera vez un famoso villancico y hoy también nos sonará:

El 24 de Diciembre de 1818 Franz Xaver Gruber estrena, en esta noche sagrada y mágica, el famosísimo villancico "Noche de paz" en la iglesia de San Nicolás de Oberndorf, Salzburgo, Austria. Hacía muy pocas horas (el día 23) que le habían llevado una letra escrita en la parroquia de Santa María, para que le hiciera una música y un acompañamiento en guitarra para el servicio de la Iglesia de aquella noche. Este villancico se ha convertido en la obra más interpretada, escuchada y amada de toda la música (disculpad, es sólo mi opinión, aunque no me iréis a decir que no os gusta, y es el tema del día). La escucharemos en español en la voz de Andrea Bocelli y con unas bellas imágenes. Os deseo a todos, una noche de paz y estrellada, FELIZ NOCHEBUENA y FELIZ NAVIDAD o, como se dice en mi pueblo !FELICES PASCUAS!. También podemos disfrutar de algo muy parecido a como debió sonar el original por primera vez y en la misma iglesia de San Nicolás de Oberndorf, en otro vídeo. Pero he de advertir, para que nadie se llame a engaño, que el lugar y la música son los mismos, pero los intérpretes no lo son.

El 23 de Diciembre me suena Edita Gruberova

También en este día podrían sonar aquí: Beatriz Luengo, Cesare Bardelli+, Chet Baker, Chucho Navarro+, Enrique Santos Discépolo+, Joseph Bodin de Boismortier, y alguna vez lo harán

El 23 de Diciembre de 1946 nace Edita Gruberová en Bratislava. Cantante de ópera, eslovaca  (se entiende que eslovaca es la cantante y no la ópera, porque yo no conozco ninguna opera de allí, aunque como las meigas...), famosa por sus interpretaciones como soprano de coloratura. Se suele decir que posee una gran claridad tonal, agilidad y habilidad para cantar notas altas con mucha fuerza (como por ejemplo, cuando interpretó en sus primeros años de carrera el papel de Reina de la Noche). En años recientes ha disfrutado un notable éxito en los roles más bel cantisticos del repertorio. Inició estudios de música en el conservatorio de su ciudad, luego se inscribió en la Academia de Música y Arte Dramático de Bratislava. En 1968, Gruberová debutó en la ópera de Bratislava en el papel de Rosina en Il barbiere di Siviglia. Luego de ganar un concurso de canto en Toulouse, fue contratada para formar parte del grupo de ópera del teatro J. G. Tajovský en Banská Bystrica, Eslovaquia. Durante el período de Normalización de Checoslovaquia, cuando las fronteras se cerraron para los países no comunistas, su tutora le organizó unas audiciones en la Ópera del Estado de Viena. Luego vino un contrato y el éxito como la Reina de la Noche. Ha hecho muchas grabaciones. En los últimos años ha grabado diversas óperas de bel canto, especialmente la trilogía Tudor de Donizetti, bajo su propio sello discográfico, Nightingale. Más de una docena de sus actuaciones operísticas filmadas o televisadas están recogidas en DVD, incluyendo Norma y Manon.

La escucharemos hoy en el Aria Olympia de "Los cuentos de Offmann" de Offenbach. Apreciad cuando se le va acabando la cuerda a la muñeca mecánica que representa, estad atentos porque no lo exagera demasiado como hacen otras que he visto. Hay algunas interpretaciones en que sale alguien y aparenta darle cuerda, cosa que está bien en la presentación escénica de la ópera, como se puede ver en esta divertida interpretación: https://youtu.be/nk41BaSDXak, pero no en un concierto. Pero podéis ver, en otra actuación, a la misma Gruberova. ¡Quién lo diría con lo modosita que aparece en el otro vídeo!, haciendo el "numerito" y yo diría que sobreactuando un montón, aunque se entiende porque es  para orientales, pero... ¡qué voz!. . ¿Cuál os gusta más? ¿Coincidís conmigo en que la voz humana es el instrumento musical por excelencia?

El 22 de Diciembre me suena Giacomo Puccini

También en este día podrían sonar aquí: Andres do Barro+, Demetrio Ortiz, Edgar Varese, Edurne, Ernst Krenek+, Galina Ultvolskaya+, Giovanni Botesini, Joe Cocker+, Julio Gomez Garcia+, Karl Friedrich Abel, Oswaldo Farres+, Rodrigo Davila, Teresa Carreño, Vanessa Paradis. Y alguna vez lo harán

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El 22 de Diciembre de 1858 nace Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini (conocido como Giacomo Puccini) en Lucca. Compositor italiano de ópera, considerado entre los más grandes, de fines del siglo XIX y principios del XX. Fue un visionario, creando los conceptos de música que van a regir al cine durante el siglo XX. Se lo considera el sucesor de Giuseppe Verdi. Algunas de sus melodías, como "O mio babbino caro" de Gianni Schicchi y "Nessun Dorma" de Turandot, forman parte hoy día de la cultura popular. Su primera ópera fue Le Villi  y su primer triunfo Manon Lescaut. Además de doce óperas, Puccini escribió otras obras notables, como una Misa solemne, un Himno a Roma, un Capricho sinfónico, dos Preludios sinfónicos y tres Minués para cuarteto de cuerda. Nacido en una familia de músicos, a la edad de cinco años fue enviado a estudiar con su tío Fortunato Magi, que lo consideró un alumno no particularmente dotado y sobre todo indisciplinado. Más tarde consiguió el puesto de organista y maestro de coro en Lucca. La leyenda dice que la decisión de dedicarse al teatro musical le vino después de asistir en 1876 a una representación de Aida de Verdi en Pisa, a donde había llegado a lomos de una mula. Corresponden a este período las primeras composiciones escritas. Con la ayuda de un pariente y una beca, consiguió inscribirse en el Conservatorio de Milán para estudiar composición con Antonio Bazzini y Amilcare Ponchielli. En ese mismo año, a la edad de 21 años, compuso la Misa que, aunque él la llamó correctamente la Messa, una Misa, se la conoce popularmente como la Misa de Gloria. Además, la orquestación y la potencia dramática la comparan con la Misa de Réquiem de Verdi. Después del semi paso en falso de Edgar, la tercera ópera, Manon Lescaut fue un éxito extraordinario, quizás el mayor de su carrera. Además, fue el inicio de la colaboración con los libretistas Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. Illica y Giacosa escribieron después los libretos de sus siguientes tres óperas, las más famosas. La primera, La Bohème es, quizás, su ópera más famosa. La siguiente ópera, Tosca, representa su incursión en el melodrama histórico. La tercera ópera es Madama Butterfly.  La última ópera, Turandot, quedó inconclusa, ya que murió el 29 de noviembre de 1924, en Bruselas, como consecuencia de complicaciones durante el tratamiento de un cáncer de garganta para el que había ido a tratarse allí y del que solamente su hijo conocía la gravedad real. Era un fumador compulsivo. Dejó un buen número de proyectos operísticos inacabados.

Pues hoy escucharemos esa aria tan conocida, en la privilegiada voz de Pavarotti, y que nadie se duerma.

El 21 de Diciembre me suena Paco de Lucía

También en este día podrían sonar aquí: Anton Larrauri Riego+, Federico Moura+, Frank Zappa, John Newton+, Loquillo, Lorenzo Perosi, Manolo Tena, Mili Balakirev, Nathan Milstein+, Roberto Ray, Zdenek Fibich. Y alguna vez lo harán

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El 21 de Diciembre de 1947 nace Francisco Sánchez Gómez  (conocido como Paco de Lucía) en Algeciras. Compositor y guitarrista español de flamenco. Hermano menor de la dinastía de «Los Lucía», junto a Ramón de Algeciras y Pepe de Lucía, recibió como estos educación musical de la mano de su padre, Antonio Sánchez Pecino, también guitarrista. En un ambiente familiar muy cercano al mundo flamenco pronto tomó contacto con algunas de las principales figuras del mundo flamenco, entre las que algunas de sus principales influencias fueron el Niño Ricardo y Sabicas. Tras darse a conocer al mundo flamenco español en el Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera de 1962, grabó sus primeros discos junto a su hermano Pepe formando parte del conjunto Los Chiquitos de Algeciras. En los años siguientes colaboró al toque con los cantaores Fosforito y El Lebrijano y desde 1969 con Camarón de la Isla. A partir de la publicación de Fuente y caudal en 1973, su música llegó al público mayoritario. Con el paso de los años su música fue progresivamente abriéndose a nuevos estilos al tiempo que comenzaba a interpretarse en ámbitos más alejados de los tradicionales tablaos españoles y latinoamericanos. Actuó con éxito en Europa, Norteamérica y Japón, ocupando estas giras la mayor parte de su tiempo. Considerado una de las principales figuras del flamenco actual, se le atribuye la responsabilidad de la reforma que llevó este arte a la escena musical internacional gracias a la inclusión de nuevos ritmos desde el jazz, la bossa nova y la música clásica. De este modo destacan sus colaboraciones con artistas internacionales como Carlos Santana, Al Di Meola o John McLaughlin, pero también con otras figuras del flamenco como Camarón de la Isla o Tomatito, con quienes modernizó el concepto de flamenco clásico. A lo largo de su carrera grabó un total de 38 discos, incluyendo cinco antologías y cinco discos en directo, además de numerosas colaboraciones al toque de cantaores e intérpretes de numerosos estilos musicales, amén de más de diez películas que llevan música suya o escrita ex profeso. Recibió, entre otros muchos galardones, dos premios Grammy latinos por sus álbumes Cositas buenas y En vivo Conciertos España, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Hijo predilecto de la provincia de Cádiz, Hijo predilecto de Algeciras, la Medalla de Plata de Andalucía, la Distinción Honorífica de los Premios de la Música, el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz y por el Berklee College of Music.

Aquí nos quedamos con una de sus obras más aplaudidas, nada menos que una rumba titulada "Entre dos aguas", que es la que le dio a conocer al público en general. Un tema que no se quedó "entre dos aguas" sino que emergió en el panorama musical como un hito.

Guajiras de Lucía

El 20 de Diciembre me suena Arthur Rubinstein

También en este día podrían sonar aquí: Alan Parsons, Andre Jolivet+, Antonio Soler+, Arturo Marquez, Bobby Darin+, Gigliola Cinquetti, Julio Gomez Garcia. Y alguna vez lo harán

Publicado en Enero con motivo de su nacimiento: 

https://estediamesuena.blogspot.com.es/2016/01/el-28-de-enero-me-suena-arthur.html

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El 20 de Diciembre de 1982 muere Arthur Rubinstein en Ginebra. Pianista polaco de origen judío, célebre por sus interpretaciones de Chopin y de muchos otros compositores. Fue nombrado por The New York Times como uno de los grandes pianistas del siglo XX. Si algo marca la carrera de este extraordinario pianista, al que Thomas Mann calificó como "virtuoso feliz", es, junto con su inconfundible sonido, su fama de vividor, de humanista y de persona embriagada por la “joie de vivre”. Empezó a estudiar piano a los tres años. Poco después pasó a la tutela del músico Alexander Rozincki, que rápidamente se desesperó ante la pereza del pupilo para realizar los ejercicios que se le exigían. Su enorme talento musical le llevó sin embargo a dar su primer concierto en público cuando contaba sólo con seis años. Las posteriores experiencias con profesores polacos siguieron igualmente un curso desafortunado, y en 1897 marchó a Berlín para conocer a Joseph Joachim, afamado violinista y amigo de Johannes Brahms. El músico alemán quedó maravillado y se ocupó inmediatamente de su educación musical. En 1900 se presentó ante el público berlinés bajo la dirección de Joseph Joachim y acompañado por la Orquesta Filarmónica de la ciudad interpretando el Concierto para piano n.º 23 de Mozart, el Concierto para piano n.º 2 de Camille Saint-Saëns, piezas de Schumann y de Chopin. Le siguieron otros conciertos en Alemania y en Polonia. En 1904 debutó en París, donde poco más tarde fijaría su residencia. Dos años después daría su primer concierto en los Estados Unidos, en el Carnegie Hall, con la Orquesta de Filadelfia. El recibimiento fue frío, y la gira posterior en tierras norteamericanas tampoco estuvo marcada por el éxito. Siguieron conciertos en Austria, Italia y Rusia. En 1912 debutó en Londres, donde se le pudo oír como solista y compañero del violonchelista Pau Casals. Durante la Primera Guerra Mundial vivió principalmente en la capital británica. Ejerció de traductor, pues dominaba ocho idiomas. Conciertos en Sudamérica y España despertaron su interés por Isaac Albéniz, Manuel de Falla, Enrique Granados y Villa-Lobos, cuyas piezas pasarían a partir de entonces a formar parte de su repertorio. Debido a un juramento realizado al estallar la guerra, no volvió a actuar en Alemania a partir del 1914. En los años veinte, después de una segunda gira por los Estados Unidos, tocaría principalmente en Europa. Tras la invasión alemana de París en la Segunda Guerra Mundial, se trasladó con su familia a los Estados Unidos, país cuya nacionalidad obtuvo en 1946.

Escribió su autobiografía en dos volúmenes: My Young Years y My Many Years y recibió la Medalla Presidencial de la Libertad (United States Medal of Freedom), la Gran Oficial de la Orden Nacional de la Legión de Honor y la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio.

Su repertorio discográfico es inmenso y algunas de las obras las grabó en varias ocasiones, pero no faltan las obras de Isaac Albéniz, Bach, Beethoven, Brahms, Liszt, Chopin,....

Hoy le escucharemos interpretando la Balada nº 1 OP23 de Chopin.

El 19 de Diciembre me suena Carlos Cano

También en este día podrían sonar aquí: Chucho Martinez Gil,  Edith Piaf, Francesco Bonporti+, Fritz Reiner, Herb Geller+, Joan Viladomat i Massanas+, Leo Bard+, Maurice White, Paul Dessau, Renata Tebaldi+, Robert B Sherman. Y alguna vez lo harán.

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El 19 de Diciembre de 2000 muere  José Carlos Cano Fernández (conocido como Carlos Cano) en Granada. Cantautor y poeta andaluz que recuperó estilos tradicionales andaluces relativamente olvidados como el trovo popular, y muy especialmente la copla, que recuperó para contemporaneizarla. Fue (y sigue siendo) un referente democrático y andalucista durante la Transición española y su música traspasó fronteras llegando a ser nexo de unión entre la cultura andaluza y la cultura latinoamericana. Entre sus amistades destaca la cantante María Dolores Pradera, con quien interpretó en numerosas ocasiones muchas de sus coplas, que a la vez tomaron mucha fama. Su versatilidad como compositor, capaz de escribir cuecas, tangos, boleros, rumbas, pasodobles, sambas, nanas, coplas, murgas carnavaleras o temas intimistas acompañado por tan sólo su voz y su guitarra o por una orquesta, unida a la calidad y emotividad de sus textos, hacen de Cano un personaje destacado dentro del panorama musical español. Entre sus temas más conocidos caben destacar Verde, blanca y verde, María la Portuguesa, La murga de los currelantes, Tango de las madres locas, Que desespero, Habaneras de Cádiz, Un vaso de té verde o La metamorfosis.

En su juventud, como tantos miles de andaluces, emigró a Suiza y Alemania buscando trabajo, experiencia que junto a la situación de injusticia de la dictadura, precariedad y desigualdades en Andalucía le marcaría profundamente y que se vería reflejada en su obra desde su primer tema La miseria o El Salustiano, donde reflejó la pobreza y la tristeza por tener que abandonar su tierra para cambiarla por los grises paisajes industriales del norte de Europa, más favorecidos económicamente. Nació en la Granada de Federico, del agua oculta que llora, de las cumbres nevadas, de la Alcazaba Roja y de los atardeceres inolvidables... En la Granada del Paseo de los Tristes y de la mala "follá"... Nació en Granada y la amaba, pero en su corazón cabían mas amores... y otro de sus grandes amores fue Sevilla, donde Cádiz... Sin Cádiz... sin el Carnaval... sin La Caleta... sin La Viña... sin la sal... sin Los Duros Antiguos... no habría nacido la Inmortal "Habanera" ese bellísimo himno gaditano, que creó con su amigo Antonio Burgos. En el año 2000 se reproduce el aneurisma en el asiento de un avión que lo trasladaba a Madrid. Una diputada que viajaba en el avión detectó la gravedad de Carlos Cano y una ambulancia le trasladaría al Hospital Universitario de San Cecilio, el Hospital Clínico de Granada, siendo ingresado e intervenido durante más de 7 horas por el equipo del doctor Eduardo Ros, y tras una tensa espera de tres semanas, fallece el 19 de diciembre en su ciudad natal.

Nos dejó una gran pena aparte de 17 discos de estudio, 3 en directo y 4 recopilatorios y fue nombrado Hijo predilecto de Andalucía a título póstumo.

Aquí podemos escuchar a DOS GRANDES, voz a voz, mano a mano, sentimiento a sentimiento, pero ahora ya nos falta Carlos, como nos faltan y se nos fueron esas cosas que dice esta maravillosa canción, María la Portuguesa. (Perdonad, pero no soy imparcial ni puedo serlo con él).

 Murga de los currelantes

El 18 de Diciembre me suena Gilbert Becaud

También en este día podrían sonar aquí: Alejandro Sanz, Bobby Capó+, Cristina Aguilera, Edward macDowell, Louis Moreau Gottschalk+. Y alguna vez lo harán

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El 18 de Diciembre de 2001 muere Gilbert Léopold Silly (conocido como Gilbert Becaud) en París. Cantante francés también conocido también como el señor de los cien mil voltios. A la edad de nueve años inicia su carrera musical en el conservatorio de Niza, en la cual desarrolló sus habilidades en el piano. Durante la Segunda Guerra Mundial, trabaja en los clubes nocturnos con el seudónimo de François Becaud. Trabajó para Jacques Pills (esposo de Édith Piaf) y allí compone sus primeras canciones. Su primer éxito musical fue con Mes Mains. Otras canciones como Nathalie, Le jour où la pluie viendra y Et maintenant lo mantuvieron célebre gracias a su estilo musical juvenil y dinámico que con el tiempo se aproximaba a lo decadente y triste. Fue uno de los mejores cantantes franceses de su época y quizás uno de los más prolíficos junto con Edith Piaf y Charles Aznavour. Su mayor éxito, mundialmente famoso es el tema "Et maintenant"(Y ahora..). La corbata a puntos, sus casi 400 canciones y su mano en el oído son imágenes que marcaron su estilo. Aquella corbata era para él un amuleto porque tenía su historia: Gilbert había estudiado piano y joven aún, buscaba trabajo. Al presentarse en un piano-bar intentado lograr un empleo, el dueño del bar -que solicitaba un pianista-, le dijo que su establecimiento requería el uso de corbata y él no llevaba. Como iba acompañado de su madre -quien llevaba un vestido azul con puntos- ella misma arrancó el olan de su vestido para confeccionarle de manera improvisada una corbata a su hijo, quien regresó al bar, donde fue inmediatamente contratado. Después de aquel día, Gilbert se presentó siempre usando una corbata de puntos. Sus canciones dotadas de un sentimiento profundo dejaron ver la pasión de este extraordinario cantautor alcanzando el rango de clásicos de la música mundial y una buena parte de ellos fueron versionados a otros idiomas con el mismo efecto sobre el público. Sus temas fueron interpretados por: Elvis Presley, Neil Diamond,  The Everly Brothers, Judy Garland, Frank Sinatra, Petula Clark, Andy Williams, Bob Dylan,... entre otros muchos. Hacia 1974 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor de Francia,  En el año 2001 falleció de cáncer pulmonar, a bordo de su bote-casa en el río Sena. Y fue inhumado en la 45a división del cementerio du Père Lachaise. Había participado en seis películas como actor, escribió bandas sonoras, comedias musicales y un sinnúmero de canciones. Hoy escucharemos una de sus más famosas canciones L'important c'est la rose y al final de todo pongo la letra.

También pongo aquí aquel primer éxito: Mes mains

Tú que marchas bajo el sol

sin dejar atrás cadenas,

que te ríes de las penas y el dolor,

tú que duermes junto al mar

y eres libre, cual las aves,

que todo, alegre, sabes soportar:

Lo importante es la rosa,

lo importante es la rosa,

lo importante es la rosa, créeme.

Tú que sueñas nada más

con la gloria y el dinero,

y eres sólo un prisionero de tu afán,

tú que ves en el placer

el mejor de tus amigos,

piensa un poco lo que digo, por tu bien:

L'important c'est la rose ...

Tú que viste amanecer

en un mundo de pasiones,

donde ya no hay ilusiones ni hay fe.

tú que nunca has de tener

lo que el rico no valora,

tú que sufres, tú que lloras, óyeme:

L'important c'est la rose....

Tú que escuchas mi canción

y sonríes con desprecio,

como si yo fuera un necio charlatán,

no te burles, ya verás,

cuando acabes tu camino,

al final, también, conmigo cantarás:

L'important c'est la rose....

SUPLEMENTO DOMINICAL: El 18 de Diciembre me suena Chuse Lera Alsina

Chusé Lera Alsina (José Lera), del que se desconoce fecha de nacimiento ni lugar exacto. Aunque se menciona Huesca como su lugar de origen, yo no he sido capaz de encontrar más datos. Es un músico, escritor y un estudioso de la lengua del Alto Aragón, en su variante chesa que se habla en el Valle de Hecho. Ha trabajado firme por la defensa y promoción de el aragonés, desde el dialecto cheso que ha cultivado y estudiado, liderando el Grupo Folklorico Val d'Echo y publicando artículos y libros, volúmenes tan importantes como la Gramatica de lo Cheso, o el diccionario Aplego: Diccionario de Resistencia y Gramática sobre lo cheso, con más de 10.000 voces, una primera publicación que facilita una base para la enseñanza de la lengua. Conocido en toda la sociedad aragonesa por ser el autor de la popular jota S'ha feito de nuey, una jota que se usa con frecuencia para celebrar bodas, aniversarios y similares en Aragón.  El 2006 recibió el primer premio a la mejor jota por La fuen do lo lugar en el Concurso de jotas aragonesas con motivo de las Fiestas del Pilar. También ha impartido cursos de aragonés.

Otras obras suyas son: Flor de nieu con el Grupo Val d'Echo y un libro de crónicas y evocaciones, Feitos y chens

Hoy escucharemos una versión de S'ha Feito de Nuey, con subtítulos, aunque bajo el vídeo pongo la letra en castellano.

Se ha hecho de noche, tu me esperas ya,

el pecho me salta por volverte a besar.

Nuestro querer no se quebrará

aunque hablen mucho y te hagan llorar,

yo no quiero ver ojos de cristal

mojados por lágrimas que no tienen culpa.

Escucha, mujer, deja de llorar,

yo siempre he sido tuyo y tú mía has de ser.

Dicen que un querer es de dos nada más,

y que es más fácil hacerlo andar,

cuando el uno cae el otro ha de levantar,

cuando el uno cae el otro ha de levantar.

Se ha hecho de noche, tú me esperas ya,

el pecho me salta, te quiero besar.

El 17 de Diciembre me suena Domenico Cimarosa

También en este día podrían sonar aquí: Big Joe Williams+, Carlos Barbosa Lima, Cesaria Evora+, Gregorio Barrios+, Saverio Mercadante+. Y alguna vez lo harán

Ver también lo publicado en Enero de 2016: 

https://estediamesuena.blogspot.com.es/2016/01/11-de-enero-me-suena-domenico-cimarosa.html

(entrad y no os perdais
 "El maestro de capilla")

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El 17 de Diciembre de 1749 nace Domenico Cimarosa en Aversa, Reino de Nápoles. Compositor clásico italiano. Sus padres lo enviaron a una escuela libre vinculada a uno de los monasterios de esa ciudad. El organista del monasterio, el Padre Polcano, quedó sorprendido por la inteligencia del muchacho y le instruyó voluntariamente en los elementos de la música y también en la literatura antigua y moderna de su país. Debido a su influencia, Cimarosa obtuvo una beca en el instituto musical de Santa María de Loreto, donde permaneció durante once años, principalmente estudiando los grandes maestros de la antigua escuela italiana. Piccinni y Sacchini y otros músicos de gran reputación se cuentan entre sus profesores. A la edad de veintitrés años, Cimarosa comenzó su carrera como compositor con una ópera bufa titulada Le Stravaganze del Conte, primera representada en el Teatro del Fiorentini de Nápoles en 1772. La obra mereció la aprobación y fue seguida en el mismo año por Le Pazzie di Stelladaura e di Zoroastro, una farsa llena de humor y de excentricidad. Esta obra fue también exitosa, y la fama del joven compositor comenzó a extenderse por toda Italia. En 1774 le invitaron a Roma para que escribiera una ópera para el stagione de ese año; y allí escribió otra ópera cómica titulada L'Italiana en Londra. Escribió algunas óperas para varios teatros de Italia, viviendo temporalmente en Roma, en Nápoles, o dondequiera que su vocación como director de sus obras le llevara. Entre 1784 y 1787 vivió en Florencia, escribiendo exclusivamente para el teatro de esa ciudad. La producción de este período de su vida es muy numerosa, consistiendo en óperas cómicas y serias, cantatas, y varias composiciones sacras. Cabe mencionar, entre otras, las siguientes obras: Caio Mario; las tres óperas bíblicas Assalone, La Giuditta y Il Sacrificio d'Abramo; Il Convito di Pietra; y también La Ballerina amante, una ópera cómica representada por primera vez en Venecia con gran éxito. Alrededor del año 1787 Cimarosa fue a San Petersburgo por invitación de la emperatriz Catalina II. Permaneció en su corte durante cuatro años y escribió un número enorme de composiciones, sobre todo del tipo de piezas de ocasión. La mayor parte de los títulos de estas composiciones no se conocen. En 1792 Cimarosa dejó San Petersburgo y marchó a Viena por invitación del emperador Leopoldo II. Aquí compuso su obra maestra, Il matrimonio segreto, que se alinea entre los más altos logros de la música operística ligera. En 1793 volvió a Nápoles, en donde Il Matrimonio segreto y otras obras suyas fueron recibidas con tremenda aclamación. Entre las obras pertenecientes a su última estancia en Nápoles se puede mencionar la encantadora ópera Le astuzie femminili. Este período de su vida parece haber sido amargado por las envidias de personas envidiosas y hostiles, entre quienes figuró su viejo rival Giovanni Paisiello. Durante la ocupación de Nápoles por las tropas de la República de Francia, Cimarosa se unió al partido liberal, y, al regresar los Borbones, fue como muchos de sus amigos políticos condenado a muerte. Por intercesión de influyentes admiradores su sentencia fue conmutada por la de destierro, y abandonó Nápoles con intención de volver a San Petersburgo. Pero su salud estaba quebrada, y después de mucho sufrimiento murió en Venecia el 11 de enero de 1801, de una inflamación de intestinos. La naturaleza de su enfermedad condujo al rumor de que había sido envenenado por sus enemigos, lo que una investigación formal demostró ser infundado. Trabajó hasta el último momento de su vida, y una de sus óperas, Artemizia, quedó inacabada a su muerte.

Hoy escucharemos la Obertura de "El matrimonio secreto", considerada uno de los más altos logros de la música operística ligera, obertura que ya hace presagiar otras famosas oberturas de los maestros que le siguieron.