El 30 de Septiembre me suena Johnny Mathis

El 30 de Septiembre de 1935 nace John Royce Mathis (conocido como Johnny Mathis) en Gilmer, Texas. Cantante y compositor estadounidense, de música popular y de jazz, ganador de varios premios Grammy. Es el último de una larga lista de vocalistas masculinos tradicionales que surgieron antes de que el rock predominara en los años 1960, como Frank Sinatra, Dean Martin, Perry Como, Tony Bennet, Andy Williams, Vic Damone, Al Martino. Mathis se concentró en el jazz y en el pop románticos para la audiencia adulta contemporánea hasta la década de los años 1980. Comenzando su carrera con un aluvión de singles, Mathis se hizo más popular como un artista de álbumes, con varias docenas de discos de oro y de platino, teniendo 73 entradas en las listas de Billboard a la fecha. Mathis ha vendido más de 350 millones de discos y álbumes, a nivel mundial de acuerdo a la información proporcionada por el historiador Paul Gambacini y otras informaciones, lo cual ha hecho que Mathis sea el tercer artista que más ha grabado durante el siglo XX y en los últimos 60 años. Él ha sido descrito como un cantante romántico, ya que su discografía incluye, jazz, pop tradicional, música brasileña, música en español, música de soul, rhythm and blues, soft rock, teatro de Broadway, standard de Pin Pan Alley, algunas melodías como blues y música country y algunas canciones disco de su álbum Mathis Magic de 1979. Mathis también grabó seis albumes de música navideña. En una entrevista en 1968 él citó a Lena Horne, Nat King Cole y Bing Crosby como sus influencias musicales.

Hoy tenemos algo suave, uno de sus temas, una de sus composiciones que sonó en "Encuentros en la tercera fase" y que aquí podemos escuchar en un estero-estereo especial: Chances Are.

  Pero quiero recordar también su excelente versión de "Eres tú" que publiqué el 25 de Noviembre de 2015 en Facebook antes de crear el blog, con motivo del aniversario de la muerte de Juan Carlos Calderón.   

El 29 de Septiembre me suena Nicola di Bari

 El 29 de Septiembre de 1940 nace Michele Scommegna ( más conocido por su nombre artístico Nicola di Bari  en Zapponeta, provincia de Foggia, Apulia. Cantante italiano. Ganó el Festival de San Remo en los años 1971 y 1972.

En sus canciones se encuentra a menudo el tema de la emigración y el sentimiento de gran apego a la tierra natal, la región meridional de Apulia, y a la vida de los campos, con llamadas a la campiña y a sus colores. Una de las piezas que él compuso, Zapponeta, está dedicada a su ciudad natal; otro título suyo muy conocido es País. En la década de los 1960 comenzó su carrera musical; pero el tono de su voz no le permitió lograr el éxito con rapidez. En 1963 apareció su primer sencillo y al siguiente año logró cierta popularidad con el tema Amor, Regresa a Casa. En 1965 fue invitado a participar en el Festival de San Remo, logrando llegar a la ronda final. En 1966 y 1967 se presentó en el festival, pero no logró llegar a la final. Su carrera continuó sin grandes sucesos, hasta que repentinamente en 1970, también en San Remo, logró reconocimiento al alcanzar el segundo lugar con el tema La prima cosa bella.

La consagración definitiva le llegó en el año 1971, y en 1972 repitó su éxito. En 1974 se presentó una vez más en San Remo y llegó a finalista. En 1972 participó en el Festival de la Canción de Eurovisión. Por sus canciones en castellano goza de gran popularidad en Latinoamérica, entre ellas, Los días del arco iris, Lisa de los ojos azules , Trotamundo , Rosa , Primera cosa bella , El corazón es un gitano, El último romántico y Como Violetas. Sus éxitos lograron llegar a Argentina, Chile, Perú y otros países de Latinoamérica, donde realizó giras y presentaciones entre los años 1970 y 1980. En su época de oro grabó y cantó muchos temas, incluso en castellano; y sus temas Vagabundo y Guitarra suena más bajo, junto a otros más, recorrieron Latinoamérica y lograron situarse entre los primeros en las listas de éxitos. Su estilo tan personal y romántico sirvió para que se le comenzara a llamar «El Último romántico», gracias a un tema con ese nombre, el cual popularizó y también sirvió para darle mayor fama.

Hoy vamos a escucharle en: Il cuore e uno zingaro

El 28 de Septiembre me suena Iosif Ivanovici

El 28 de Septiembre de 1902 muere Ion Ivanovici (nacido Jovan Ivanovic, conocido también como Iosif Ivanovici o Josef Ivanovici) en Bucarest. Compositor y director de orquesta rumano, autor de música para banda militar y música ligera. La fecha de nacimiento de Ion Ivanovici es incierta, mas la mayor parte de las fuentes indican el año de 1845. Su interés por la música empezó cuando aprendió a tocar la flauta desde niño en forma autodidacta. Se registró en el 6º Regimiento de Infantería de Galati en donde aprendió a tocar el clarinete bajo la guía de Alois Riedl. Su talento por la música lo llevó a ser uno de los mejores músicos del regimiento, y a continuar sus estudios en Iasi bajo la dirección de Emil Lehr. Ivanovici se hizo director de orquesta y viajó por Rumania ofreciendo conciertos. En 1900 fue designado Inspector de Música Militar, posición que mantuvo hasta su muerte. Compuso a lo largo de su vida más de 350 canciones, entre las que se encuentran diversos valses, cuadrillas, polcas y marchas. En 1889 Ivanovici ganó un premio en la Exposición Universal de París en donde presentó Olas del Danubio (Donauwellen, en alemán, o Valurile Dunarii, en rumano), obra que fue recibida con notable éxito.

Y es esta obra la que presentamos hoy

Junto con algo más movido: La polka Mariana

El 27 de Septiembre me suena Bud Powell

El 27 de Septiembre de 1924 nace Earl Rudolph Powell ( conocido como Bud Powell) en Nueva York. Pianista y compositor estadounidense de jazz, y una de las figuras fundamentales del bebop. Con una difícil infancia, creció rodeado de músicos: su hermano mayor William Jr. era trompetista profesional, su hermano menor Richard también se dedicó al piano, su padre pianista de estilo "stride" y su abuelo fue guitarrista de flamenco que aprendió en Cuba.

Desde sus primeros años fue inducido al estudio del piano por su padre y muy pronto ya pudo interpretar composiciones de los grandes maestros de la música clásica. En 1939 fue contratado por los Sunset Royals, grabando ese mismo año su primer disco. En 1944 ingresó en la orquesta de Cootie Williams, demostrando su exigente maestría y gran talento. Durante el transcurso de ese año empieza a presentar trastornos psiquiátricos que le ocasionan problemas con la policía por lo que tuvo que ser hospitalizado en varias ocasiones. En 1946 se une de nuevo a la música y entra en contacto con las grandes agrupaciones de bebop. En 1947 forma su propia banda pero su enfermedad mental lo aísla de nuevo de los escenarios, debiendo ser internado durante 2 años en los que se le somete a sesiones de electroshock en un intento de revertir su esquizofrenia. A partir de 1949 se inicia su etapa musical más productiva, alternando con nuevos ingresos en instituciones psiquiátricas. El 5 de mayo de 1953 participó junto con Max Roach, Dizzy Gillespie, Charlie Parker y Charles Mingus en un legendario concierto celebrado en Toronto Canadá. A partir de ese momento su salud entró en declive. Aún tuvo momentos de lucidez para ir de gira junto con el Modern Jazz Quartet a Europa en 2 ocasiones, 1956 y 1959. En su último viaje al viejo continente permaneció durante 5 años en París donde formó un grupo bastante regular.

Hoy escucharemos uno de sus temas: Celia

El 26 de Septiembre me suena Bela Bartok

El 26 de Septiembre de 1945 muere Béla Viktor János Bartók (conocido como Béla Bartók)  en Nagyszentmiklós, Imperio Austrohúngaro —actualmente Sânnicolau Mare, Rumanía—. Músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador de música folclórica de la Europa oriental. Es considerado uno de los mayores compositores del siglo XX; él y Liszt son considerados los grandes compositores húngaros. Fue uno de los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen la etnología y la musicología. Empezó a componer a la edad de nueve años. Con 11 años, dio su primer concierto: el allegro de la sonata Waldstein de Beethoven y una de sus primeras composiciones, El curso del Danubio. La familia se trasladó entonces a Presburgo (la actual Bratislava, capital de Eslovaquia), donde László Erkel le enseñó armonía y piano. Con 17 años, sigue a Erno Dohnányi a Budapest para ingresar en la Academia de Música. Allí estudió piano con István Thoman y composición con János Koessler, y conoció a Zoltán Kodály, con el que emprenderá una recopilación de la música folclórica húngara. En 1903 ya había compuesto un extenso poema sinfónico, Kossuth, nombre del héroe de la revolución húngara de 1848, Lajos Kossuth, incorporando dichas melodías.

A partir de 1905, profundiza sus conocimientos en la música tradicional y las canciones folclóricas magiares, en sintonía con el auge de los movimientos nacionalistas. Toma entonces conciencia de la necesidad de preservar la memoria musical tradicional de su país. Junto con Kodály, comenzó a recorrer los pueblos de Hungría y Rumanía para recoger miles de melodías y canciones que transcribieron y grabaron con un fonógrafo. Extendieron luego esa labor a buena parte de los pueblos de la Europa central y hasta Turquía. Anteriormente, se pensaba que la música folclórica húngara se basaba en melodías zíngaras. Un ejemplo de ello son las rapsodias compuestas por Franz Liszt. Pero Bartók descubrió que las antiguas melodías húngaras se basaban en escalas pentatónicas, al igual que la música asiática o la de Siberia. Bartók escribió una buena cantidad de pequeñas piezas para piano derivadas de la música folclórica, y creó acompañamientos para canciones populares. Otra gran influencia fue la música de Richard Strauss y Debussy que Zoltán Kodály trajo de París.

Hoy le escucharemos Music for Strings, Percussion and Celesta, IV

El 25 de Septiembre me suena Dmitri Shostakovich

El 25 de Septiembre de 1906 nace Dmitri Dmítrievich Shostakóvich en San Petersburgo. Compositor ruso, considerado por muchos como uno de los compositores más importantes del siglo XX. Shostakóvich vivió durante el período soviético y se hizo famoso en los años iniciales de la Unión Soviética, con obras como la Sinfonía N.º 1 o la ópera La nariz, que combinaban con gran originalidad la tradición rusa y las corrientes modernistas procedentes de occidente. Posteriormente, la música de Shostakovich fue unas veces denunciada como decadente y reaccionaria y otras veces alabada como representativa del nuevo arte socialista por el Partido Comunista de la Unión Soviética (PCUS). En público Shostakóvich siempre se mostró leal con el sistema soviético, ocupó responsabilidades importantes en las instituciones artísticas, aceptó pertenecer al PCUS en 1960 y llegó a ser miembro del Soviet Supremo de la URSS. Su actitud frente al gobierno y el Estado soviético ha sido objeto de agrias polémicas y se ha discutido enconadamente si Shostakóvich fue o no un disidente clandestino frente a la URSS. En su obra orquestal destacan quince sinfonías y seis conciertos; en su música de cámara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos para cuerdas; también compuso varias óperas, así como música de cine y ballet.

Hoy escucharemos su famoso vals nº 2 en una interesante versión.

Y de propina, una pequeña joya:
The Gadfly (el tábano), op.97a: Romance

El 24 de Septiembre me suena Tomás López Torregrosa

El 24 de Septiembre de 1968 nace Tomás López Torregrosa en Alicante. Compositor español. Su obra se centró en diversos géneros líricos como la zarzuela, opereta o revista.  Estudió en el Conservatorio de Madrid, siendo su profesor de composición Ruperto Chapí. Poco después de su graduación fue nombrado director de la orquesta del Teatro Apolo donde comenzó a desarrollar su carrera como compositor de zarzuelas, en ocasiones en colaboración con otros compositores, especialmente con Quinito Valverde. En el otoño de 1888 figuraba como director musical del Teatro Madrid. Con libreto de Carlos Arniches estrenó en 1896 La Banda de Trompetas que se convirtió en su primer éxito. El año siguiente estrenó la revista El Pobre Diablo en colaboración con Quinito Valverde y sobre textos de Celso Lucio. También con Valverde estrena en 1897 El Primer Reserva. Sus mejores obras son los sainetes de 1898 El Santo de la Isidra y La Fiesta de San Antón, ambas sobre textos de Arniches y que se cuentan entre los mejores sainetes madrileños de un acto. De 1903 es Los Chicos de la Escuela, también en colaboración con Valverde y con libreto de Arniches y José Jackson Veyán, que no llegó a alcanzar la popularidad de sus anteriores trabajos. Más éxito tuvo la "humorada cómico-lírica" El pobre Valbuena de 1904 y con la colaboración una vez más de Quinito valverde y con Arniches y Enrique García Álvarez en su texto. Siguió componiendo sainetes, revistas y operetas en los años siguientes hasta su temprano fallecimiento en 1913.

Una de las principales calles de Alicante lleva su nombre.

Hoy tenemos una divertida habanera de su exitosa obra El Pobre Valbuena, la Habanera del "pompón"

El 23 de Septiembre me suena Bruce Springsteen

El 23 de Septiembre de 1949 nace Bruce Frederick Joseph Springsteen (conocido por Bruce Springsteen) en Long Branch, Nueva Jersey. Cantante, músico y compositor estadounidense. Apodado a menudo The Boss —en español: El jefe—, Springsteen es ampliamente conocido por su trabajo con el grupo The E Street Band y considerado uno de los artistas más exitosos de la música rock, con ventas que superan los 64,5 millones de álbumes en los Estados Unidos y más de 120 millones a nivel mundial,4 5 y un total de diez discos números uno, un registro solo superado por The Beatles y Jay-Z.

Comenzó su carrera musical a finales de la década de 1960 tocando con grupos como Steel Mill y Dr. Zoom & the Sonic Boom. En 1972 firmó un contrato discográfico con Columbia Records y publicó Greetings from Asbury Park, N.J., su primer álbum de estudio con el respaldo de The E Street Band, su principal grupo de apoyo en sucesivos trabajos. A lo largo de su trayectoria musical, que abarca más de cinco décadas hasta la actualidad, ha publicado trabajos como Born to Run (1975), Darkness on the Edge of Town (1978) y The River (1980), valorados por la crítica musical como tres de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. Además de su faceta como músico de rock, Springsteen grabó varios trabajos orientados al folk como Nebraska (1982), The Ghost of Tom Joad (1995) y Devils & Dust (2005). Su popularidad se consolidó con el lanzamiento de Born in the U.S.A. (1984), un álbum que vendió más de quince millones de copias en los Estados Unidos y alcanzó el primer puesto en varios países, incluyendo Estados Unidos y el Reino Unido. Desde entonces, y a pesar de no trabajar con la E Street Band en trabajos como Human Touch y Lucky Town, la mayoría de sus discos han obtenido un elevado respaldo comercial, con un total de seis números uno en su país natal entre el lanzamiento de Tunnel of Love (1987) y de Wrecking Ball (2012).

Hoy le escucharemos en The Wrestler (El Luchador) correspondiente a la película del mismo título y que consiguió un Globo de Oro a la Mejor Canción Original

22/09/2016.- CALENDARIO MUSICAL DE OCTUBRE

Por una vez me avanzo y publico el calendario a tiempo. Este mes hay algunos casos de mujeres que, compitiendo con grandes músicos, he seleccionado en su día por su valía o importancia en el mundo de la música, aunque algunas sean casi desconocidas.

PARA RECORDAR A:

DÍA	RECORDANDO A:
1	-- Paul Dukas, Irving Kostal, Andres do Barro, Andre Rieu
1	-- Día internacional de la Música (EXTRA)
2	-- Romina Power, Sting, Gene Autry, Bola de nieve
3	-- Carl Nielsen, Chubby Checker, Ruggero Raimondi
4	-- Rocio Durcal, Janis Joplin, Mercedes Sosa
5	-- Jacques Offembach, Jose Maria Usandizaga, Brian Johnson, Marie Laforêt
6	-- Edwin Fischer, Amalia Rodrigues, Paul Badura-Skoda, Estreno de la primera película sonora "El Cantante de Jazz" Música de Louis Silvers, Estreno de la primera ópera. Euridice de Jacopo Peri, Fito Cabrales, Patxi Andion
7	-- Shura Cherkassky, Jim Jacobs, Marco Beltrami
8	-- Giulio Caccini, Freddie Mercury da su último concierto ante público en Barcelona, Andrew Lloyd Webber estrena el musical Cats, Carlos Goñi, Emil von Sauer
9	-- Heinrich Schütz, Camille Saint Saens, Bebo Valdes, Mario Clavell, Olga Guillot, Einojuhani Rautavaara, John Lennon, France Gall, Steve Jablonsky, Rosetta Tharpe, Jacques Brel
10	-- Giuseppe Verdi, Geronimo Gimenez, Thelonius Monk, Michael Giacchino, Luis Aguilé, Joan Sutherland
11	-- Anton Bruckner, Cecilia, Edith Piaf
12	-- Giovanni Battista Vitali, Ralph Vaughan Williams, Rafael Martinez Valls, Marguerite Monnot, John Denver
13	-- Concha Piquer, Art Tatum, Yves Montand, Paquita Rico, Nana Mouskouri, Paul Simon, Christophe, (daniel bevilacqua)
14	-- Jose Serrano, Dusko Goykovich, Cliff Richard, Kaija Saariaho, Leonard Bernstein
15	-- Zdenek Fibich, Karl Richter, Cole Porter
16	-- Jan Pieterszoon Sweelinck, Jan Dismas Zelenka, Bert Kaempfert, Carmen Sevilla, Gene Krupa, Mario del Monaco
17	-- Johann Nepomuk Hummel, Federico Chopin, Luiz Bonfa, Alan Jackson, Sor Sonrisa, Toña la Negra, Chiquinha Gonzaga, Carla Boni
18	-- Miguel Llobet, Charles Gounod, Melina Mercouri, Chuck Berry, Keith Richards, Howard Shore, Wynton Marsalis
19	-- Manolo Escobar, Gianni Raimondi, Vinicius de Moraes, David Bowie publica el disco Pin Up, Colton Dixon, Emil Guilels
20	-- Emilio Arrieta, Charles Ives, Franck Churchill, Max Bruch, Thomas Newman, Merle Travis, Pedro Vargas
21	-- Janos Bihari, Hilarion Eslava, Georg Solti, Don Byas, Dizzy Guillespie, Malcon Arnold, Celia Cruz
22	-- Alessandro Scarlatti, Jan Dismas Zelenka, Franz Liszt, Josep Kosma, Joaquin Malats, Georges Brassens, Jose Guardiola, Pau Casals
23	-- Anabell López Domínguez, Dianne Reeves, Federico Moura, Charly García, Jordi Sabatés, Al Jolson
24	-- Emmerich Kalman, Violeta Parra, Luciano Berio, Gilbert Becaud, Big Bopper, Franz Lehar, Joaquin Nin, Sahib Sihab, Antonio Ruiz Pipó, Manolo Escobar
25	-- Johann Strauss II, Georges Bizet, Piotr Ilich Tchaikovsky, Gloria Lasso, Jon Anderson, Caco Senante, Jose Padilla,
26	-- Hans Leo Hassler, Domenico Scarlatti, Beatles reciben la Orden del Imperio Británico, Jacques Loussier, Charlie Barnet, Mahalia Jackson
27	-- Nicolas Paganini, Conchita Bautista, Xavier Cugat, Hans Werner Henze
28	-- Eros Ramazzotti, Metallica, se funda en Los Ángeles, Ben Harper, Paco Ortega, Charlie Daniels, Conrado del Campo, Taylor Mitchell, Gervasio (José Gervasio Viera Rodríguez), Eduardo Lopez Chavarri
29	-- Reveriano Sotullo, Georges Brassens, Giuseppe Verdi estrena La forza del destino, Gaetano Donizetti estrena Roberto Devereux, Wolfgang Amadeus Mozart estrena Don Giovanni, Rino Gaetano, Frida Boccara, Omara Portuondo, Franco Corelli, Maria Anna Mozart
30	-- Michael Jackson lanza Invincible, Agustin Lara, Eduardo Davidson, Emmerich Kalman
31	-- Erasmus Widmann, Francesco Maria Veracini, Vanilla Ice, Russ Ballard, Mario Abramovich, Cesar Portillo de la Luz, Philippe de Vitry, Marina Cardenas, Lucha Reyes

El 22 de Septiembre me suena Irving Berlin

El 22 de Septiembre de 1989 muere Irving Berlin en Nueva York. Compositor y letrista estadounidense, uno de los más prolíficos y famosos de la historia contemporánea de Broadway.  Fue uno de los pocos compositores que escribieron tanto las letras como la música de sus canciones. Aunque no llegó a aprender nunca a leer música más allá de un nivel elemental, compuso alrededor de 3000 canciones, muchas de las cuales se conviriteron en canciones populares y estándares, como "Cheek to Cheek", "Puttin' on the Ritz", "Alexander's Ragtime Band", "There's No Business Like Show Business", canciones festivas como "White Christmas" (Blanca Navidad) o "Eastern Parade" (Desfile de Pascua) e himnos patrióticos como "God Bless America".Todas ellas dejaron una huella indeleble en la música y cultura estadounidense. Produjo 17 películas y 21 espectáculos de Broadway, además de sus canciones individuales.Su familia había emigrado a los Estados Unidos y su padre fue un rabino que consiguió trabajo como certificador de carne siguiendo la ley kosher. Tras la muerte de su padre, hubo de buscar trabajo para sobrevivir; estuvo empleado como vendedor de periódicos y también realizó actuaciones en la calle para conseguir dinero. La dura realidad de tener que trabajar aun en trabajos ínfimos para no morir de hambre dejó una huella profunda en la valoración del dinero por parte de Berlin.Tras el éxito de "Alexander", se rumoreó que Berlin estaba escribiendo una ópera ragtime, sin embargo produjo su primera obra extensa para los escenarios musicales, "Watch Your Step", la primera comedia musical en hacer un uso penetrante de los ritmos sincopados. Compuso una canción titulada "God Bless America" para el espectáculo, aunque finalmente no hizo uso de ella. Cuando fue realizada años después, "God Bless America" se hizo tan popular que se sugirió que podría llegar a ser el himno nacional. Ha permanecido hasta hoy como una de las canciones de mayor éxito y más conocidas en todos los Estados Unidos. Es particularmente recordada la interpretación de la misma que se realizó tras el ataque terrorista del 11 de septiembre de 2001, cuando miembros del congreso la cantaron en las escaleras del capitolio.

Hoy vamos a escuchar aquel trepidante Puttin' On The Ritz.

El 21 de Septiembre me suena Leonard Cohen

El 21 de Septiembre de 1934 nace Leonard Norman Cohen en Montreal. Poeta, novelista y cantautor canadiense. Como músico ha desarrollado una carrera con una continua exploración de temas como la religión, la política, el aislamiento, las relaciones personales y la sexualidad, y ha sido definido por el crítico Bruce Eder como «uno de los cantantes y compositores más fascinantes y enigmáticos de finales de los 60». Cohen ha sido introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de los Estados Unidos y en el Salón de la Fama Musical de su país natal. Es miembro de la Orden de Canadá y de la Orden Nacional de Quebec. En 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Letras. Había nacido en una familia de clase media judía. Se involucró en el consejo de estudiantes y estudió música y poesía. Comenzó a interesarse al poco tiempo en la poesía de Federico García Lorca, y durante su adolescencia, aprendió a tocar la guitarra y formó The Buckskin Boys, un grupo de country-folk. Aunque comenzó tocando una guitarra acústica, pronto pasó a tocar una guitarra clásica tras conocer a un joven guitarrista español que le enseñó «unos cuantos acordes y un poco de flamenco». Compró un lugar en el barrio obrero de Little Portugal en Saint-Laurent Boulevard, donde leía su poesía en varios clubes de los alrededores. Fue también durante esta época en la que escribió las letras de algunas de sus canciones más famosas en años venideros.

En 1967, decepcionado por su falta de éxito como escritor, Cohen se trasladó a los Estados Unidos para comenzar una carrera como cantautor folk. Su canción «Suzanne» fue un notable éxito de la mano de Judy Collins, y durante muchos años fue su canción más versionada. Tras tocar en varios festivales de folk, ganó la atención de John H. Hammond, representante de Columbia Records que años antes fichó para la compañía a Bob Dylan. El primer álbum de Cohen con Columbia fue Songs of Leonard Cohen (1967) y obtuvo un notable éxito tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, país donde pasó casi un año en las listas de ventas. Songs of Leonard Cohen fue seguido por Songs from a Room (1969) y Songs of Love and Hate (1970), ambos producidos en Nashville por Bob Johnston, quien ayudó a Cohen a conseguir el sonido que quería para su primer trabajo. En 1970, Cohen salió por primera vez de gira, con fechas en los Estados Unidos, Canadá y Europa, y apareció en el Festival de la Isla de Wight. Dos años después, volvió a salir de gira por Europa y en Israel con amigos como Charlie Daniels y el productor Johnston. Ambas giras estuvieron representadas en el álbum Live Songs. La gira de 1972 fue también filmada por Tony Palmer bajo el título de Bird on a Wire, publicado según el criterio de Cohen en 1974. La edición original de Palmer fue recuperada en 2010.

Tras innumerables grabaciones, jiras y colaboraciones, en octubre del 2011 recogió en Oviedo el Premio Príncipe de Asturias de las Letras. En su discurso al recibir el premio, Cohen hizo referencia a la influencia española en su obra, especialmente a las enseñanzas de un guitarrista español, al dramaturgo Federico García Lorca y a la guitarra española Conde que posee desde finales de la década de 1960. Tras aceptar el premio, el músico donó los 50 000 euros del premio a la Universidad de Oviedo para impulsar una cátedra en su nombre. Este proyecto, singular y único en España, ha sido concebido como "un lugar de encuentro entre la poesía y la música, entre los creadores y su público, entre el arte y la sociedad", tal como se recoge en el convenio firmado por el rector de la Universidad de Oviedo,Vicente Gotor, y por el artista Leonard Cohen.

Hoy vamos a escucharle en dos temas diferentes:

Con el tema Dance Me To The End Of Love, que sonó en la película Esencia de mujer

Y con el tema Hallelujah

El 20 de Septiembre me suena Ben Webster

El 20 de Septiembre de 1973 murió Ben Webster en Amsterdam. Músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor. Está considerado como uno de los "tres grandes" (big three) saxofonistas tenores del swing, junto con Coleman Hawkins (su principal influencia) y Lester Young.

Recibió lecciones de violín en su infancia, para posteriormente aprender a tocar el piano gracias a Pete Johnson que le enseñó a tocar blues; tocaría el piano para películas mudas en Amarillo (Texas). Estudió música en la Universidad de Wilberforce. Budd Johnson, después, le inició en el saxofón. Aunque su aprendizaje del saxofón fue relativamente tardío, a partir de 1930, eso no le impidió hacerse conocido progresivamente en las orquesta del suroeste de músicos como Gene Coy, Jap Allen, Blanche Calloway y la Young Family Band (donde recibió varias lecciones de Lester Young y su padre). En 1931, se unió a la orquesta de Benny Moten y tocó en temas como "Lafayette" y "Moten Swing". Durante los años treinta tocó también con las big bands de Andy Kirk, Fletcher Henderson, Benny Carter, Willie Bryant, Cab Calloway y Teddy Wilson. El momento más importante en la carrera musical de Webster se produjo en 1940 cuando se incorporó a la orquesta de Duke Ellington para convertirse en el primer saxofonista importante de la misma, llegando a desempeñar un papel crucial en muchas de las obras clásica de Ellington en esa etapa como "Cotton Tail", "Conga Brava" y "All Too Soon". Además, superando la percepción que se tenía de él como un clon de Coleman Hawkins, encontró su propia voz moviéndose siempre entre un estilo arrebatado y otro romántico, con un inconfundible timbre chillón y usando con frecuencia el vibrato. Estuvo con Ellington durante tres años. En lo personal, se hizo conocido por su oscilaciones de carácter debidas a su afición al alcohol. Desde 1944, lideró sus propios grupos y trabajó también para otros músicos como Raymond Scott, John Kirby, Sid Catlett y Stuff Smith. Se volvió a juntar con Ellington en 1948-1949, realizó giras con Jazz At The Philharmonic en los cincuenta y trabajó más tarde acompañando en el estudio a cantantes como Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Carmen McRae. En 1964 Webster se trasladó a Copenhagen, desde donde empezó a trabajar por toda Europa, tocando en clubes y festivales con distintos músicos. En 1974, Webster fue elegido por los críticos para entrar en el Down Beat Hall of Fame.

Hoy le escucharemos improvisando con el tema de Over The Rainbow.

19/09/206.- Calendario musical de Septiembre

Con retraso, pero he conseguido casi ponerme al día con todo lo que tenía atrasado. De esas cosas atrasadas tenía pendiente de publicar el calendario de septiembre y a continuación incluyo. El de Octubre espero ponerlo antes de que comience aunque me va a suponer muchas horas al teclado. 

DÍA	RECORDANDO A:
1	Engelbert Humperdink (compositor), Gloria Estefan, Johannes Pachelbel, Clifford Curzon
2	Luisa Vela, Alberto Dominguez
3	Adriano Banchieri, Pietro Locatelli
4	Anton Bruckner, Ariel Ramirez, Beyoncé, Darius Milhaud, Edward Grieg
5	Erasmus Widmann, Freddie Mercury, Giacomo Meyerbeer, Albert Mangelsdorff, Georg Solti
6	Anton Diabelli, Jimmy Reed
7	Buddy Holly, Regino Sainz de la Maza, Gloria Gaynor
8	Adrian Flores, Antonin Dvorak, Richard Strauss, Alex North
9	Elvin Jones, Otis Redding
10	Genaro Codina, Jose Feliciano, Rudy Ventura, Alfredo Krauss
11	Herbert Stothart, Joan Costa i Casals, François Couperin, Jimmy Fontana
12	Hans Zimmer, Luis Lima, Macedonio Alcala, Maurice Chevalier, Salvador Bacarisse, Federico Moreno Torroba, Jean Philippe Rameau
13	Arnold Schoemberg, Enzio Bosso, Girolamo Frescobaldi, Luis Eduardo Aute, Maurice Jarre
14	Luigi Cherubini, Michael Haydn, Damaso Perez Prado
15	Jessye Norman, Jacinto Guerrero, Anton Webern
16	BB King, Camilo Sesto, Elina Garanca, Saverio Mercadante, Maria Callas
17	Josefina Lopez Ruiz, Francesco Geminiani, Kurt Sanderling, Miloslav Kabelác, Anastacia
18	Nicolas Jimenez Jauregui, Pablo Sorozabal, Rocio Jurado, Jimmi Hendrix, Mauricio Kagel
19	Jose Antonio Labordeta, Kurt Sanderling, Richard Burmer, Robert Casadesus
20	Pablo Sarasate, Ben Webster, Jean Sibelius
21	Gustav Holst, Leonard Cohen, Nuria Feliu
22	Andrea Bocelli, Irving Berlin, Harry Warren
23	Bruce Springsteen, John Coltrane, Julio Iglesias, Ray Charles, Vicente Bellini
24	Ahinoa Arteta, Jaume Sisa, Rafael Millan, Tomas Lopez Torregrosa, Ramon Calduch, Patrick Sarsfield Gilmore
25	Dmitri Shostakovich, Jean Philippe Rameau, Jesus Guridi, Roberto Gerhard, Manuel Oltra, Johann Strauss, Julius Fucick, Andy Williams
26	George Gershwin, Salvatore Accardo, Bela Bartok
27	Bud Powell, Adelina Patti, Engelbert Humperdink (compositor)
28	Jennifer Rush, Pastora Soler, Sergio Dalma, Nacio Herb Brown, Miles Davis, Vicente Lleó, Iosif Ivanovici
29	Joaquin Nin, Nicola di Bari, Esteban Alfonso Garcia, Jose Galindo Arjona
30	George Gershwin (estrena Porgy and Bess), Giovanni Pierluigi da Palestrina, Johnny Mathis, Rich, Buddy, Teofilo Alvarez

El 19 de Septiembre me suena Richard Burmer

El 19 de Septiembre de 1955 nace Richard Steven Burmer en Owosso- Michigan. Compositor , ingeniero , diseñador de sonido , músico y etnomusicólogo . norteamericano. Su trabajo con la música electrónica combinada con estilos musicales e instrumentos de todo el mundo formó su propio y único y sonido distinto.

Después de pasar tiempo en la universidad estudiando teoría musical y composición, Richard se trasladó a Los Ángeles , donde se convirtió en un diseñador de sonido  y programador ingeniero / sintetizador

    Grabó nueve discos aparte de otras piezas individuales y otra serie de colaboraciones y trabajos especiales. Hoy escucharemos Across The View,  y dejad que la música os lleve.

El 18 de Septiembre me suena Mauricio Kagel

El 18 de septiembre de 2008 muere Mauricio Raúl Kagel en Colonia. Fue un compositor, director de orquesta y escenógrafo argentino. Residente en Colonia desde 1957, Mauricio Kagel es autor de composiciones para orquesta, voz, piano y orquesta de cámara, de numerosos obras escénicas, de diecisiete películas y once piezas radiofónicas. Está considerado uno de los más innovadores e interesantes autores postseriales y de música electrónica de finales del siglo XX. Se le relaciona principalmente con el teatro instrumental, usando un lenguaje de corte neodadaísta, renovando el material sonoro, empleando instrumentos inusuales y material electroacústico y explorando los recursos dramáticos del lenguaje musical —tanto en sus piezas radiofónicas, películas y obras electroacústicas como en sus recreaciones de formas antiguas. Kagel destaca por su elaborada imaginación, por su extraño humor y por su habilidad para hacer música con casi cualquier idea o sistema, lo que le ha permitido montar poderosos y sorprendentes dramas en el escenario y en la sala de conciertos.

Siguió estudios en academias privadas de música —piano, violoncello, órgano, canto, dirección y teoría— ya que, al igual que Giuseppe Verdi, no aprobó su examen de ingreso al Conservatorio (fue alumno privado de Alberto Ginastera). Se forma en los principios dodecafónicos y seriales de Arnold Schönberg y Anton Webern. Kagel compondrá en 1983 la música para una de las obras maestras del cine mudo surrealista: «Le chien andalou» (El perro andaluz), de Luis Buñuel y Salvador Dalí.

La obra de Kagel es amplia y variada. A comienzos de los años 1960, el compositor pone el acento en el teatro instrumental, de la que Sur Scène (1959) es la primera manifestación que hará de él una autoridad en la creación musical europea. Luego, sus piezas instrumentales y escénicas se multiplican alternándose con piezas de concepción sinfónica «ouverte»: Hétérophonie y Diaphonies I, II y III. 

Hoy escucharemos su Marcha nº 5 que a alguien le puede sonar a la banda de su pueblo, pero es que hay que escucharlo todo para saber si te gusta o no.

El 17 de Septiembre me suena Anastacia

El 17 de Septiembre  de 1968 nace Anastacia Lyn Newkirk en Chicago, Illinois. Cantante y compositora estadounidense. Hizo su debut discográfico en el año 1999, con su primer álbum de estudio Not That Kind tras firmar un contrato con el sello Epic Records y el álbum se convierte en un éxito en Europa y Oceanía posicionándose entre los primeros puestos de listas, y con ventas de triple platino en Reino Unido,1 Australia,2 Suiza y Holanda,3 doble platino en Francia, cinco discos de oro en Alemania o los cuatro discos de platino por las ventas de 4 000 000 copias en el continente europeo otorgado por la Federación Internacional de la Industria Fonográfica . Siguió lanzando álbumes de estudio de los que se posicionaron entre los primeros puestos y números uno en los principales países de Europa y Oceanía con múltiples discos de oro y platino. Sus canciones más representativas se gestaron con «I'm Outta Love», «Paid My Dues», «One Day in Your Life», «Left Outside Alone», «Sick and Tired», «I Belong to You» junto a Eros Ramazzotti y «Stupid Little Things» convirtiéndose todos ellos en éxitos de ventas y popularidad. Posee una de las voces más características del panorama musical actual. Su voz se caracteriza por poseer un timbre de voz nasal, rasgado o "roto" con mucha fuerza y un amplio registro vocal que le permite cantar un ámbito bastante amplio. Además posee un tono muy peculiar que solo muestra en las canciones I Do, Seasons Change y el B-side Underdog, es un chillido muy rasgado típico de las voces Heavy. Anastacia siempre ha sido una persona muy positiva. Pero aun así, su cáncer de mama reaparece en 2013, y la cantante decide someterse a una doble mastectomia. Anastacia, nunca perdió sus ganas de vivir aunque el cáncer reapareciera. Después de someterse a la doble mastectomía, Anastacia supera el cáncer nuevamente, y en esta ocasión, para siempre.

Hoy la escucharemos en un tema titulado: Lifeline, Luce per sempre.

El 16 de Septiembre me suena María Callas

El 16 de Septiembre de 1977 muere Ana María Cecilia Sofía Kaloyeropulu  (conocida como María Callas) en París. Soprano griega nacida en Estados Unidos, considerada la cantante de ópera más eminente del siglo XX. Capaz de revivir el bel canto en su corta pero importante carrera, fue llamada «La Divina» por su extraordinario talento vocal y actoral. Hija de una pareja de emigrantes griegos en Estados Unidos. Tras la separación de sus padres, viajó a Grecia y comenzó su formación en el Conservatorio Nacional de Atenas, y para inscribirse tuvo que falsear la edad, ya que no tenía los 16 años mínimos. Estudió bel canto con la española Elvira de Hidalgo, que la formó en la tradición del belcanto romántico italiano. En 1938 hará su debut no profesional como Santuzza en Cavalleria rusticana, en Atenas. El primer éxito lo tendría en agosto de 1942 con Tosca, en la Ópera de Atenas. Pronto cantó Fidelio, Tiefland y Cavalleria rusticana, también en Atenas. En 1944, durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial, las fuerzas ocupantes pierden el control de Grecia y la flota británica llega al puerto de El Pireo. María Kaloyeropulu decide volver a los Estados Unidos para encontrarse con su padre. Conoció en Nueva York al tenor italiano Giovanni Zenatello, director de la Arena de Verona, quien la contrató para cantar La Gioconda, de Ponchielli, en ese anfiteatro. Viajó entonces a Italia. Su debut italiano en la Arena de Verona fue en 1947, bajo la batuta de Tullio Serafin. Su trabajo en la ópera de Ponchielli fue un éxito pero no se reflejó inmediatamente en nuevos contratos. Así, Callas se encontró nuevamente sin empleo, pero gracias al apoyo brindado por Meneghini logró continuar con sus estudios privados de canto, haciendo luego una audición para Serafin en el difícil papel protagonista de Tristán e Isolda, de Richard Wagner, que se iba a presentar en el teatro La Fenice de Venecia en la siguiente temporada. Logró el papel y debutó en el teatro veneciano, obteniendo un clamoroso éxito que le permitió cantar Turandot, de Puccini, y el personaje de Brünnhilde en Die Walküre (La valquiria), en las temporadas de 1948-1949. En Venecia se iba a representar la ópera I puritani, de Vincenzo Bellini (el llamado «Chopin de la ópera»), con Margherita Carosio en el papel de Elvira. Una tarde María se había cansado de interpretar el papel de Brünnhilde y comenzó a leer la música del personaje de Elvira. Cuando la esposa de Serafin la escuchó, se lo dijo a este y pidió a María que lo cantase. Además la Carosio estaba enferma y era necesario sustituirla. La mañana siguiente María cantó para el director musical del teatro, quien decidió que ella sería la mejor elección como Elvira. Se le dio una semana para aprender la ópera entera, una semana que además incluía tres representaciones de Die Walküre. Después de la primera representación de I puritani el 19 de enero de 1949, María Callas se convirtió en «la voz de Italia». Después de su Elvira en Venecia, María se convirtió en una celebridad en Italia, pero todavía no se le había ofrecido un papel en el teatro más importante del país, La Scala de Milán. Finalmente se le ofreció un papel en la Aida, de Giuseppe Verdi, que Renata Tebaldi no podía realizar. María y Meneghini esperaban un gran éxito, pero cuando comenzaron las representaciones de Aida el 12 de abril de 1950, la acogida del público italiano fue fría. Para su segunda presentación el 7 de diciembre de 1951, La Scala se rindió a María Callas, un éxito que dio origen a que recibiera el apelativo de «La Divina». La temporada de 1951–1952 inició con I vespri siciliani, de Giuseppe Verdi, siendo una de las actuaciones más aclamadas y recordadas de la soprano.

En total cantó 47 personajes (incluyendo Smaragda en O protomastoras de Kalomiris en 1943, su único papel en una ópera contemporánea).

Y en su repertorio figuran la mayoría de los compositores siendo las obras más representadas por ella: Norma, La traviata, Tosca , Lucia di Lammermoor, Aida, Medea, Turandot, La sonámbula, Il trovatore, I Puritani, La gioconda, Cavalleria rusticana, Anna Bolena, Tristan e Isolda y Las vísperas sicilianas.

Hoy tenemos algo diferente. La escucharemos Summertime de la ópera Porgy and Bess de Gershwin.

El 15 de Septiembre me suena Jacinto Guerrero

El 15 de Septiembre murió Jacinto Guerrero Torres en Madrid. Músico y compositor de zarzuelas. Su formación musical comienza por la ilusión de su padre, que para entonces era director de la banda en su pueblo natal, por tener al chiquillo en la misma, tocando el bombo y los platillos, tarea que Jacinto comenzó con tan solo 6 años. A los 9 años llega a Toledo, donde ingresa en el Colegio de Infantes, y estudió solfeo, canto llano, latín y literatura. En el Archivo de Música, estudia de manera autodidacta a autores como Palestrina o Victoria. Tres años más tarde compuso su primera partitura (Salve a cuatro voces). En 1914 compone la primera obra que le proporciona un enorme éxito y fama: Himno a Toledo, escrito para banda. Gracias a ello, consigue una beca de la Diputación y el Ayuntamiento para ingresar en el Conservatorio de Madrid. Ya en la capital, y sobreviviendo con la cantidad de una peseta diaria, Jacinto aprende que para triunfar en Madrid es tan importante componer como hacer buenas amistades y contactos. Tan solo un año después de su llegada, consigue un puesto como violinista en la Orquesta del Teatro Apolo. Se examina en el Conservatorio de tercero de solfeo y 1º y 2º de armonía, preparando en verano el examen equivalente a tres cursos de piano. Un año más tarde, obtiene por unanimidad el Diploma de Primera Clase de Armonía del Real Conservatorio Superior de Madrid. En 1918, compone su primera obra escénica: un sainete de costumbres llamado La cara de Dios, además de una breve pieza sinfónica llamada Jhaía (Danza mora). Este mismo año, estrenó también su primer poema sinfónico Jhaía, pero, pese a su gran éxito, el trabajo duro y los pocos beneficios, hicieron que Guerrero escribiera esta obra seria como la primera y la última. En 1919 estrena su primera obra, El Camino de Santiago, que no tuvo mucho éxito. Para que no volviera a ocurrirle, buscó un libretista, contratando a José Ramos Martín, para el que compuso el sainete La pelusa o el Regalo de los Reyes, estrenada en el Teatro de La Latina en 1920. Esta obra fue aclamada tanto por el público como por la crítica. Ese mismo año consigue un nuevo trabajo como pianista en el teatro de Fuencarral. En 1921 se estrena en Barcelona La Alsaciana. En 1922 estrenó su zarzuela La montería en Zaragoza, dentro de la cual se encontraba el número “¡Hay que ver!” y que tuvo un enorme éxito, del que en: http://estediamesuena.blogspot.com.es/2016/08/el-16-de-agosto-me-suena-jacinto.html se publicó con motivo de su nacimiento.. En 1923 se estrena Los Gavilanes, donde Guerrero consiguió que la SGAE pagara el 10% de la taquilla al autor (hasta la fecha no era así). Un año más tarde, estrena varios sainetes y zarzuelas, como La Sombra del Pilar, con libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw, pero la más importante, donde se refleja el espíritu de Guerrero en su estado más puro, se estrenó en 1927: El huésped del Sevillano, cuyo número “Coro de las Lagarteranas”, que se hizo famoso mundialmente, tuvo un impacto tan fuerte o incluso mayor que el que encontrábamos algunos años antes en el “¡Hay que ver!”. En 1930, compuso la banda sonora de uno de los primeros largometrajes del cine sonoro en español: La canción del día. Además, estrenó La Rosa del Azafrán en el Teatro Calderón, lo que sirvió para acallar algunas malas críticas que tachaban a Guerrero de ser excesivamente popular. En 1931, y tras recibir la cruz de Isabel la Católica inicia, de la mano de los arquitectos Don Castro Fernández- Shaw y Don Pedro Muguruza, la creación del Teatro Coliseum. Tras varias huelgas y complicaciones económicas que el maestro consiguió resolver, se erigió por fin el teatro. A partir de aquí comienza una etapa nueva de Guerrero dentro del mundo de las Asociaciones: Un año más tarde, participa en la Asociación Cinematográfica Española y Americana (CAE), como miembro fundador y presidente, ya que su finalidad es llevar su obra también a las músicas de película. Con el fin de la Guerra en 1939, estrena Carlo Monte en Montecarlo, con libreto de Enrique Jardiel Poncela, una opereta. Compuso más de ochenta obras entre: zarzuelas, operetas, humoradas, revistas, sainetes, operas bufas, vodevil, entremeses, comedias líricas, fantasías, ... y alguna obra, instrumental, un pasodoble y música incidental para escena. Y entre ellas yo resaltaría: La alsaciana, La montería, Los gavilanes, Don Quintín el amargao (o «El que siembra vientos»), El huésped del sevillano, La rosa del azafrán, La fama del tartanero, La blanca doble y El canastillo de fresas.

De La Rosa del Azafrán escucharemos Sembrador interpretada por Plácido Domingo, para recordar que el maestro sembró de música nuestros escenarios y nuestra memoria haciéndonos pasar grandes ratos y deseando que la semilla fructifique y la zarzuela vuelva a brotar sobre el rastrojo.

El 14 de Septiembre me suena Pérez Prado

El  14 de Septiembre 1989 muere Dámaso Pérez Prado en Ciudad de México. Músico, compositor y arreglista mexicano de origen cubano. Conocido por sus aportes al género del mambo, que tiene sus orígenes en el danzón cubano y daría pauta al surgimiento y desarrollo del chachachá, así como también de la música surgida a finales de la década de 1950 y conocida luego, desde principios de los años 1970 como salsa. No fue el creador del ritmo, que ya se tocaba en La Habana de finales de los años treinta, pero sí su mayor difusor a nivel internacional. Estudió música en su Cuba natal. Trabajó en diversas orquestas en La Habana en los años 1940. Fue también durante un corto periodo pianista de la Sonora Matancera y de la Orquesta Casino de la Playa. En 1948 cambió de residencia a la Ciudad de México para crear allí un grupo musical. Allí estuvo trabajando con la compañía RCA Victor. Se especializó en el mambo, del cual es considerado uno de sus mayores exponentes. Hábil pianista (de niño, aprende el piano clásico), y conocedor a fondo del teclado, ha sido considerado por expertos críticos como uno de los mejores en este género de la música popular. Su interpretación de la célebre pieza El manisero, de Moisés Simons, es única en su clase, con acompañamiento de ritmo y bongó. Como compositor, conoció muy bien el manejo de la partitura. De allí nacieron excelentes piezas como Mambo en Sax, La Chula Linda, Silbando Mambo y Mambo de París entre otros. En 1942 se instala en la Habana donde toca el piano en los cabarets y después en las diferentes orquestas: Orquesta Cubaney, Orquesta de Paulina Álvarez, y en la más famosa orquesta cubana: Casino de la Playa. En 1947 graba Que rico el mambo y parte en gira hacia Argentina y Venezuela. En 1948 su música se inspira del jazz de Stan Kenton, y las casas disqueras cubanas ya no quieren hacer sus grabaciones. El cantante cubano Kiko Mendive lo invita a México donde funda su orquesta y contrata a Benny Moré como cantante. Compone tantas piezas que no les da ni siquiera un nombre sino números. El Mambo Nº 5 y el Mambo Nº 8 son las más conocidas. El 12 de diciembre de 1949 saca un 78 revoluciones con Que rico el mambo en una cara, y Mambo Nº 5 en la otra, desatando lo que se llamó la mambo manía. Pasado el clímax del mambo, es llamativo que Dámaso Pérez Prado, una vez compuesta su pieza musical "Patricia" en 1958 y obtenido su éxito correspondiente, la grabase muchas veces y con diferentes arreglos, actitud que parece demostrar que tuvo por dicha pieza una especial predilección. Esta pieza fue utilizada en 1960 después por Federico Fellini en su película La dolce vita. A finales de los años sesenta tuvo un gran éxito con su hermosa melodía "Mambo del Taconazo". Entre sus composiciones más conocidas se encuentran, las ya mencionadas, Qué rico el mambo y Mambo Nº 5.

Hoy le veremos en acción en una vieja cinta con su tema más versionado por él mismo: Patricia, a la que acompaña El Ruletero, pero también pongo un gran concierto de la mano de Dudamel que no podemos perdernos y, aunque no se puede insertar, pongo el enlace a continuación.

https://youtu.be/iMpcn7gKUAI

Y que alguien me diga que esta música no es un "clásico"

El 13 de Septiembre me suena Luis Eduardo Aute

El 13 de Septiembre de 1943 nace Luis Eduardo Aute Gutiérrez-Répide en Manila (Filipinas). Músico, cantautor, director de cine, actor, escultor, escritor, pintor y poeta español. Aunque es principalmente conocido como cantautor. A los ocho años viaja por primera vez a España. En Madrid, acompañando a la orquesta del hotel Avenida, canta por primera vez en público interpretando la canción Las hojas muertas. Tras regalarle su padre una guitarra, actúa en la fiesta de fin de curso del colegio formando un trío con otros dos amigos. En el curso preuniversitario forma parte de varios grupos, como Los Sonor, del que surgirían Los Bravos y en el que toca la guitarra acústica; Los Tigres, en el que canta en inglés canciones de Elvis Presley, y, de acuerdo con José Ramón Pardo, Los Pekenikes. Con Los Sonor llegaría a interpretar dos canciones en el programa de televisión Salto a la fama. En 1963 se traslada a París, donde vive toda la efervescencia cultural de la época, descubre la música de Jacques Brel y Georges Brassens. Durante un viaje a Madrid conoce a la cantante Massiel. En Brasil descubre la música de Bob Dylan y Joan Báez y al regresar, animado por Massiel y bajo el influjo de Dylan, escribe cinco canciones: Don Ramón, Made in Spain, Rojo sobre negro, Aleluya nº1 y Rosas en el mar, que en un principio ofrece a Massiel aunque finalmente ésta solo llega a grabar la última, convirtiéndola en un éxito rotundo. Sin embargo, un antiguo compañero de Los Sonor llamado Manuel Escobar elige dos de ellas para incluirlas en el disco que está grabando y, mientras las ensaya en un estudio con Aute a la guitarra, el productor y compositor Juan Carlos Calderón las escucha y propone a Aute que las grabe él mismo, aunque este rechaza la idea, ya que quiere seguir centrándose en la pintura y en el cine. En 1967, Massiel incluye por fin en un nuevo disco Rosas en el mar y Hasta mañana, otra composición de Aute. Mientras tanto, la compañía RCA insiste a Aute para que sea él mismo el que grabe sus temas y este por fin acepta, editando un single con Made in Spain y Don Ramón. La versión de Rosas en el mar de Massiel fue un gran éxito, por lo que RCA decide publicar Aleluya nº1 interpretada por Aute, mientras Zafiro la publica interpretada por Massiel. El tema es un rotundo éxito a nivel internacional, realizándose por diversos cantantes versiones en Checoslovaquia, Francia, Italia, Brasil, Japón e Hispanoamérica. En Estados Unidos, Ed Ames hace una versión llamada Who will Answer adaptada por Sheila Davis que llegaría al puesto número siete de la lista billboard. Aute contaría años después una curiosa anécdota que había escuchado según la cual Paul McCartney, al escuchar esta versión en inglés del Aleluya, decidió contestarla con el tema Let it be, de los Beatles. En esta época, Aute conocería a Joan Manuel Serrat.

Son muchos sus discos y muchas sus canciones escritas para otros, pero lo que hoy vamos a escucharle a él mismo es su mayor éxito, Al Alba, que tampoco grabó el en un principio sino tres años más tarde. 

El 12 de Septiembre me suena Macedonio Alcalá

El 12 de Septiembre de 1831 nace Macedonio Alcalá en Oaxaca. Violinista, pianista y compositor mexicano. Desde temprana edad mostró interés hacia la música y comenzó a asistir a la escuela fundada por el profesor José Domingo Martínez. Su talento musical pronto fue evidente, y enseguida aprendió a tocar el piano, chelo, viola, flauta y oficleido. Fue un músico consumado con todos estos instrumentos, pero su principal instrumento fue el violín. Como violinista, fue ampliamente solicitado no sólo en iglesias, sino también en bailes populares y reuniones sociales. Su persistencia y dedicación fueron recompensadas con una beca provista por el Estado de Oaxaca, permitiéndole continuar sus estudios en la Ciudad de México. Cuando concluyó sus estudios regresó a Oaxaca, donde se convirtió en miembro de la Orquesta Filarmónica de Santa Cecilia, una orquesta especializada en la interpretación del trabajo de compositores locales. Poco tiempo después se convirtió en director de la Banda de Música de Oaxaca. Algunos años después se mudó a Yanhuitlán. Aunque él era reconocido como un músico consumado, no era capaz de ganar suficiente dinero en su profesión para mantener a su familia. Esto lo llevó a la depresión y al alcoholismo. Intentó regresar a Oaxaca, pero contrajo una enfermedad. Sus hermanos se negaron a ayudarlo, pero los miembros de la Orquesta Filarmónica de Santa Cecilia acudieron en su auxilio, proveyéndole un médico, medicinas y otros tipos de ayuda. Durante su convalecencia, una delegación de indígenas de un poblado cercano, Tlacolula, llegaron para solicitarle que compusiera un vals en honor a la Virgen María, patrona de la población. Aunque seguía lejos de estar bien, Alcalá trabajó arduamente en el vals, "Dios nunca muere". Este fue un gran éxito desde la primera vez que fue interpretado en público y la gente de la población quedó muy complacida. Murió en Oaxaca en 1869, a la edad de 37 años en la miseria . Después de su muerte, su hermano Bernabé publicó el vals "Dios nunca muere" bajo su nombre, pero los nativos de Tlacolula protestaron y demostraron que el trabajo era obra de Macedonio. El vals es hoy, aunque no de manera oficial, el himno de Oaxaca. Los oaxaqueños se ponen de pie al escucharlo. Un teatro y una calle de la Ciudad de Oaxaca, llevan su nombre en su honor.

Y hoy escucharemos este bonito vals en la voz de Pedro Infante.

    Y con la Orquesta Sinfónica de Minería