El 30 de Noviembre me suena Beniamino Gigli

El 30 de Noviembre de 1957 muere Beniamino Gigli en Roma. Tenor lírico italiano nacido el mismo día que el tenor heroico danés Lauritz Melchior. Es considerado uno de los mejores tenores de la primera mitad del siglo XX, y junto a Enrico Caruso y Jussi Björling era el tenor predilecto para los papeles de tenor lírico en la Metropolitan Opera de Nueva York antes de la Segunda Guerra Mundial. Su carrera se inició con su triunfo en un concurso internacional de canto realizado en Parma en 1914. El 15 de octubre de ese mismo año debutó operísticamente en la localidad de Rovigo, actuando en el papel de Enzo en la obra La Gioconda, de Ponchielli. Abarcó un sinnúmero de papeles protagonistas en su vida. Entre los que más se rememoran por la calidad de su interpretación, se encuentran el de Nemorino en L'elisir d'amore, el del Duque de Mantua en la obra Rigoletto, el del caballero Renato Des Grieux en Manon Lescaut, y el de Mario Cavaradossi en Tosca. En 1920 debutó en el Metropolitan Opera House de Nueva York como Fausto en el Mefistófeles de Arrigo Boito, en la casa lírica neoyorkina cantó hasta 1939 un total de 500 representaciones. En 2009 fue elegido como el mejor tenor del siglo XX, por un jurado integrado por críticos y especialistas españoles e italianos. Su legado discográfico se remonta a la década de 1920 y ofrece una buena perspectiva de la belleza de su voz. Al igual que había hecho ya su antecesor Enrico Caruso, Gigli grabó en disco una buena parte de su repertorio, incluyendo óperas completas, estas gozaron de tal popularidad que se han reeditado en CD. Debido a esto se tienen registros de partes de óperas de Francesco Cilea, Gaetano Donizetti, Umberto Giordano, Ruggero Leoncavallo, Pietro Mascagni, Arrigo Boito, Giacomo Puccini y Giuseppe Verdi, entre otros, cantadas por Gigli. En los últimos años de su vida, Gigli dio conciertos más a menudo de lo que apareció en el escenario. Antes de su retiro en 1955, Gigli emprendió una agotadora gira mundial de conciertos de despedida. Se retiró en 1955 en un concierto que ofreció en el Constitution Hall de Washington D.C.. Esto deteriora su salud en los dos años que le quedaban, tiempo durante el cual ayudó a preparar sus memorias.

Le escucharemos cantando Mamma

El 29 de Noviembre me suena Merle Travis

El 29 de Noviembre de 1917 nace Merle Robert Travis en Rosewood, Kentucky. Cantante de música country y western y compositor estadounidense. Se crió en el Condado Muhlenberg, en el mismo estado, un condado minero que inspiraría muchas de las canciones originales de Travis. Desde el principio se interesó en tocar la guitarra, iniciándose con una fabricada por su hermano. El estilo interpretativo de Merle se desarrolló a partir de una tradición del oeste de Kentucky, el fingerpicking. A los 18 años Travis interpretó "Tiger Rag" en un programa aficionado de una emisora local en Evansville, Indiana, lo que le valió ofertas de trabajo en bandas locales. En 1937 fue contratado para tocar la guitarra en el grupo, Georgia Wildcats. Posteriormente se unió a los Drifting Pioneers, un cuarteto de gospel del área de Chicago. El estilo de Travis sorprendió a todo el mundo en la WLW, y se convirtió en un miembro famoso de su programa de baile campesino "Boone County Jamboree". En 1944 Travis dejó Cincinnati y se mudó a Hollywood, donde su estilo se hizo aún más renombrado cuando empezó a trabajar en sesiones de grabación, espectáculos radiofónicos y en directo, y al interpretar pequeños papeles en varios filmes western de serie B. Grabó para pequeñas discográficas hasta 1946, año en el que firmó para Capitol Records. Éxitos como "Cincinnati Lou", "No Vacancy," "Divorce Me C.O.D., "Sweet Temptation," "So Round, So Firm, So Fully Packed", y "Three Times Seven", todos ellos composiciones propias, le dieron fama nacional, aunque no todos mostraban el trabajo con la guitarra que le había dado fama entre sus compañeros de profesión. Su diseño para una guitarra eléctrica, fabricada para él por Paul Bigsby, se piensa que inspiró la famosa Fender Telecaster de Leo Fender en 1950. La guitarra Travis-Bigsby se encuentra actualmente en el Country Music Hall of Fame Museum. En 1946, tras habérsele solicitado la grabación de un álbum de canciones folk, Travis combinó canciones tradicionales con varias composiciones originales recordando los días de trabajo de su familia en la mina. El resultado se estrenó con el nombre de Folk Songs of the Hills. Este disco, en el que únicamente intervenía Travis acompañado de su guitarra, contiene sus dos canciones más recordadas, ambas centradas en las vidas de los mineros del carbón: "Sixteen Tons" y "Dark as a Dungeon". "Sixteen Tons" (cuya autoría ha sido reclamada por George S. Davis) fue número 1 en la lista Billboard Country y ha sido grabada varias veces a lo largo de los años. La oscura y filosófica "Dark as a Dungeon", aunque no fue un single de éxito, se convirtió en un clásico del folk y ha sido versionada por muchos artistas, incluyendo a Johnny Cash, Dolly Parton y al mismo Travis. En su discografía hay cerca de cuarenta álbumes, trece sencillos, cuatro DVD musicales y muchos temas de cine.

Le escucharemos en el tema que tantos han versionado, aquí recuerdo que la cantaba José Guardiola, Dieciséis toneladas interpretado por el mismo autor.

28/11/2016.- 1.500 registros en la base de datos

Hoy acabo de alcanzar con Silvestre Revueltas el 

nº 1.500 

en las entradas de la base de datos de este blog. Curiosamente elijo, por su duración entre otros motivos, una obra de ese compositor con el que llego a esa cifra, una obra titulada Sensemáyá, y a la hora de ponerla aquí para ilustrar esta entrada descubro que la interpreta la Filarmónica de Berlín dirigida por Gustavo Dudamel. Y precisamente ayer publicaba un extraordinario anunciando que el próximo Concierto de Año Nuevo lo va a dirigir él. Ahora os dejo con esa obra de Silvestre Revueltas.

El 28 de Noviembre me suena Randy Newman

El 28 de Noviembre de 1943 nace Randall Stuart Newman (conocido como Randy Newman) en Los Ángeles. Compositor, arreglista, cantante y pianista estadounidense. Es conocido por sus mordaces canciones y por sus bandas sonoras de películas. Su familia por parte de padre incluye a sus tíos Alfred Newman (1901-1970, autor de la sintonía de 20th Century Fox, entre otros), Lionel Newman y Emil Newman, destacados compositores de películas en Hollywood. La música de Randy tiene reminiscencias de grandes artistas de blues como Sonny Boy Williamson I y de cantantes de rock and roll de Nueva Orleans como Chris Kenner. Entre las bandas sonoras que ha compuesto destacan Ragtime y El mejor, y compuso varias de las bandas sonoras de las películas de Disney-Pixar, incluyendo Toy Story, Toy Story 2, Bichos, una aventura en miniatura, Monstruos S. A., Cars y La Princesa y el Sapo. También compuso la partitura y las canciones en la película James y el melocotón gigante. Empezó a escribir canciones a los 17 años, cuando firmó un contrato como cantante con la compañía Reprise Records. Formó parte durante un breve espacio de tiempo del grupo The Tikis, que más tarde se convertirían en el grupo Harpers Bizarre, conocidos por la versión que hicieron en 1967 de la canción "Feelin’ groovy". A este grupo, Newman le ofreció algunas de sus composiciones como "Simon Smith and the amazing dancing bear" y "Happyland". Su álbum de debut, Randy Newman, ni siquiera llegó a la tabla Billboard Top 200. Sin embargo, muchos artistas interpretaron sus canciones. El trabajo de Newman como compositor de cine comenzó en 1971, cuando compuso la música para la película de Norman Lear Un mes de abstinencia. Volvió a trabajar para el cine en 1981 cuando compuso la música de la película Ragtime, por la que fue nominado a dos premios de la Academia. En los años 90, volvió a ser nominado por la Academia por su canción "You've got a friend in me" (Hay un amigo en mí) de la película Toy Story. Tras 15 nominaciones a los Premios de la Academia sin haber ganado ninguno rompió esta racha cuando recibió el premio a la mejor canción en 2002 por la pieza "If I didn't have you" de la película Monstruos S.A.. En 2011 ganó su segundo Óscar a la mejor canción con "We belong together", tema de Toy Story 3. En su filmografía aparecen 14 títulos entre los que destacan: los Toy Story, Cars y los Monsters. En cuanto a discografía hay 13 discos.

Escucharemos ahora Hay un amigo en mí. que, aunque no ganó estatuilla había sido nominada.

27/11/2016 ¡PROGRAMA DEL CONCIERTO DE AÑO NUEVO!

Ya tenemos el programa del Concierto de Año Nuevo de 2017.

En Enero, a poco de celebrarse el Concierto de 2016, en el día en que sonaba aquí Gustavo Dudamel, aventuraba lo siguiente:

"Por su juventud tiene un gran futuro por delante y espero acabar viéndolo en el Concierto de Año Nuevo, porque ya ha dirigido a la Filarmónica de Viena en alguna ocasión y creo que le daría al evento una marcha especial" 

Nunca me imaginé que iba a acertar y menos que sería tan pronto. Mi enhorabuena a este joven director.

 Aquí presento dos vídeos que acaban de salir sobre esta noticia:







Y a continuación el programa del concierto traducido (o al menos lo he intentado lo mejor que he podido), disculpad los errores. Si alguien me sugiere cambios lo agradeceré.
 
PRIMERA PARTE 

01. Franz Lehár - Las mujeres vienesas (opereta), marcha Nechledil 
02. Émile Waldteufel - El Vals de los patinadores, op. 183 
03. Johann Strauss Jr. - ¡Sólo una ciudad imperial, sólo hay una sola Wien, polca, op. 291 
04. Josef Strauss - El placer de Invierno, polka rápida, op. 121 
05. Johann Strauss Jr. - Lamada de Mefistófeles desd el infierno, vals, op. 101 
06. Johann Strauss Jr. - Así que no tienen miedo, polka rápida, op. 413 

SEGUNDA PARTE 

07. Franz von Suppé - La Dama de Picas (opereta), Obertura 
08. Carl Michael Ziehrer - Vamos, vals de la opereta El Tasador, op. 518 
09. Carl Otto Nicolai - Las alegres comadres de Windsor (ópera), acto III, salida de la luna 
10. Johann Strauss Jr. - Pepita, polka, op. 138 
11. Johann Strauss Jr. - Rotonda, contradanza, op. 360 
12. Johann Strauss Jr. - La extravagante, vals, op. 205 
13. Johann Strauss padre - Indian galop, op. 111 
14. Josef Strauss - El Nasswalderin, polka mazurca, op. 267 
15. Johann Strauss Jr. - Audazmente adelante!, polka rápida, op. 436 
16. Johann Strauss Jr. - Mil y una noche, vals, op. 346 
17. Johann Strauss Jr. - Tik-tak, polka rápida, op. 365 

PROPINAS 

18. Johann Strauss Jr. - En el bello Danubio azul, vals, Op. 314 
19. Johann Strauss padre - Marcha Radetzky, op. 228

El 27 de Noviembre me suena Arthur Honegger

El 27 de Noviembre de 1955 muere Oscar-Arthur Honegger (nunca usó su primer nombre) en París.  Compositor suizo aunque radicado en París. Estudió armonía y violín en París y, tras una breve estancia en Zúrich, regresó a la capital francesa para estudiar con Vincent d'Indy. Durante la década de 1910 siguió con sus estudios, antes de escribir el ballet Le dit des jeux du monde, considerada como su primera obra característica. A pesar de haber nacido en Francia y de pasar parte de su vida en París conservó siempre su nacionalidad suiza. Fue miembro del Grupo de los Seis. Sus obras más interpretadas son su composición para orquesta (Movimiento Sinfónico Nº1) Pacific 231, que imita el sonido de una locomotora de vapor; su Movimiento Sinfónico Nº2 Rugby, que imita el sonido de un partido de rugby (zigzagueos en la música y los enfados entre los equipos); y también son famosas sus sinfonías, en especial el primer movimiento de la Nº3 litúrgica ('Dies Irae'). A raíz de la composición de Pacific 231 una vez declaró: Siempre he amado a las locomotoras de un modo pasional. Para mi, son seres vivos a los que amo, igual que otros aman a las mujeres o a los caballos. Entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, Honegger fue un compositor prolífico. Compuso la música para la película épica Napoleón de Abel Gance. Una de sus óperas, Jeanne d'Arc au bûcher, está considerada como su trabajo más refinado. Además de las óperas que escribió en solitario, colaboró con Jacques Ibert en la composición de la ópera L'Aiglo así como en la composición de la opereta Les Petites Cardinal. Durante este período escribió también Danse de la Chèvre, una pieza para flauta; dedicada a René Le Roy y escrita para solo de flauta, es una pieza viva y juvenil pero que sigue la misma tendencia que todas las obras de Honegger. Retrata un cuento infantil en el que una cabrita es la protagonista. Honegger estuvo siempre en contacto con Suiza, pero con el estallido de la guerra y la invasión nazi, se encontró atrapado en París. Se unió a la Resistencia francesa aunque nunca tuvo excesivos problemas con los nazis que le permitieron seguir trabajando sin demasiadas interferencias. Sin embargo, la guerra fue un duro golpe para el compositor. A pesar de eso, desde el estallido de la guerra hasta el momento de su muerte escribió sus últimas cuatro sinfonías (de las dos a la quinta), las más interpretadas. Arthur Honegger murió en su casa, víctima de un ataque al corazón y está enterrado en el Cementerio Saint-Vincent del barrio parisino de Montmartre. Aunque fue un miembro del grupo de Les Six, sus trabajos no siguen la simplicidad de los de otros miembros del grupo. Lejos de reaccionar contra el romanticismo de Wagner y Strauss como otros miembros de Les Six, los trabajos de madurez de Honegger demuestra una clara influencia de estos autores. Además, su obra se destaca por ser atonal, pero en sus composiciones su música atonal desembarca en una completamente tonal y cantabile. A pesar de las diferencia de estilos, su compañero en Les Six Darius Milhaud fue uno de sus mejores amigos. Milhaud dedicó uno de sus quintetos de cuerda a la memoria de Honegger. Quizá es mundialmente famoso por su frase épica: El primer requisito para un compositor es estar muerto. Arthur Honegger, Je suis compositeur. Honegger aparece en el billete de veinte francos suizos. En el año 2002, en su ciudad natal, se inauguró un nuevo Conservatorio  que lleva su nombre «Conservatoire Arthur Honegger».

Escucharemos Pacific 231 inspirado en el ferrocarril.

   

SUPLEMENTO DOMINICAL: El 27 de Noviembre me suena Andrew York

Andrew York (nacido en 1958 en Atlanta-Georgia) es un guitarrista clásico y compositor estadounidense, ganador del premio GRAMMY. Ha demostrado su extraordinario talento y versatilidad como músico en diversos estilos: guitarra eléctrica en un quinteto de jazz, guitarra clásica con Los Angeles Guitar Quartet, incluso laúd con la USC Early Music Ensemble. El calendario de la gira de Andrew ha incluido conciertos en treinta países. Él tiene más de 50 obras publicadas para guitarra en sus muchas variedades: solo, dúo, trío, cuarteto y conjunto. Ha aparecido en 3 DVD, ha grabado o actuado como solista en más de 10 discos compactos, y ha publicado una obra en tres volúmenes sobre el estudio del jazz en profundidad para los guitarristas clásicos. Andrew toca en 10 grabaciones con Los Angeles Guitar Quartet incluyendo el ganador del premio GRAMMY "Guitar Heroes" (2005). Su Cd en solitario incluye: Perfect Sky, Denouement , Into Dark , California Breeze y Hauser Sessions . Sus composiciones y arreglos para guitarra le han otorgado el reconocimiento tanto entre los músicos como entre el público.

Hoy le escucharemos en una de sus composiciones: Woven World, que interpretó en Oberhausen (Alemania) en el Gitarrissimo Festival de 2009

El 26 de Noviembre me suena Tommy Dorsey

El 26 de Noviembre de 1956 muere Tommy Dorsey en Greenwich, Connecticut. Músico de jazz estadounidense, trombonista y director de big band. Thomas Francis Dorsey, Jr. comenzó su carrera musical a los 16 años en el oeste de su ciudad tocando en la big band "The Scranton Sirens", cubriendo el puesto que había dejado Russ Morgan. Tommy y su hermano Jimmy trabajaron en varias orquestas antes de formar la Dorsey Brothers Orchestra. Problemas suscitados entre los propios hermanos, llevaron a Tommy Dorsey a abandonar el grupo para formar su propia orquesta, justo en el momento en que los hermanos estaban obteniendo un gran éxito con el tema "Every Little Movement". La primera orquesta de Tommy Dorsey se formó con los restos de la orquesta de Joe Haymes, y su limpio y lírico estilo trombonístico, tanto en las baladas como en los temas más bailables, se convirtió en una de los sonidos característicos tanto de su orquesta como de toda la era del swing. La nueva orquesta obtuvo éxitos casi desde el mismo momento en que firmó con RCA Victor, por ejemplo con "On Treasure Island", el primero de cuatro éxitos durante ese año, que terminarían por ser 137 éxitos en las listas Billboard, con temas como "I'm Getting Sentimental Over You" (que demuestra su extraordinaria gama tonal y su magistral uso de la sordina, alcanzando las notas más altas), "Marie", "The Big Apple", "Music, Maestro, Please", "I'll Never Smile Again", "This Love of Mine", "On the Sunny Side of the Street", "T.D.'s Boogie Woogie", "Well, Git 'It", "Opus One", "Manhattan Serenade" y "There Are Such Things", entre muchos otros. La orquesta contó con un gran número de los mejores instrumentalistas de jazz de la época y Frank Sinatra. Sinatra alcanzó sus primeros grandes éxitos como vocalista en la orquesta de Dorsey y terminó afirmando que su control de la respiración lo había aprendido viendo a Dorsey tocar el trombón. Dorsey hubo de disolver su orquestas tras la Guerra, a finales de 1946 en concreto, como otras muchas big bands debieron de hacer por culpa de los cambios en el negocio de la música producidos en esos años. Pero un disco de grandes éxitos le permitió reorganizar la orquesta a comienzos de 1947. Los hermanos Dorsey se reconciliaron más tarde, tras disolver Jimmy su exitosa orquesta en 1953 y haber sido invitado por Tommy a unirse a las suya, que más tarde sería renombrada como Dorsey Brothers Orchestra. La orquesta realizó giras y tuvo su propio programa de televisión en el que, entre otros, presentaron públicamente a toda la nación a Elvis Presley.

Hoy escucharemos uno de aquellos sus grandes éxitos: Opus One

El 25 de Noviembre me suena Wilhelm Kempff

El 25 de Noviembre de 1895 nace Wilhelm Kempff en Jüterbog. Pianista y compositor alemán. Estudió en Berlín, en la Hohschule de esa ciudad. En sus comienzos, según la moda de la época, el joven Wilhelm se presentaba frente al público para tocar improvisaciones, las cuales se hacían mediante temas propuestos por los asistentes a la salas de conciertos. Aunque viajó por gran parte del continente europeo y del resto del mundo, no hizo su primera aparición en Londres hasta 1951, y no tocó en Nueva York hasta el año 1964. Hizo su última presentación en París el año 1981 y murió en Positano, Italia a la edad de 95 años. Considerado uno de los grandes pianistas del siglo XX, Kempff es conocido hoy en día por sus grabaciones de Schumann, Brahms, Schubert, Mozart, Bach, Liszt, Chopin y, particularmente, de Ludwig van Beethoven. Grabó durante un periodo de sesenta años. Kempff fue además el primero en grabar todas las sonatas de Franz Schubert, mucho antes de que éstas se volvieran populares. Además grabó dos ciclos completos de las sonatas de Beethoven, una en mono y la otra en estéreo. Kempff sabía transmitir un sentido muy profundo, hasta “religioso” a cada una de las obras que interpretaba. Para él lo más importante era el respeto a los compositores que interpretaba. Por ello la calidad de las obras y el elevado sentido musical que proyectaba constituían el nexo más fuerte que el intérprete podía llegar a tener con el público. Mozart, Beethoven, Schumann y Brahms mejoraban la sensibilidad del oyente al escucharlo. Kempff realizó magistrales conciertos interpretando a Beethoven, del cual grabó dos veces las 32 sonatas y los 5 conciertos para piano y orquesta. Sus versiones están consideradas de referencia y quizás las interpretadas en un estilo más bethoveniano del repertorio. Si bien la personalidad y el elevado dominio técnico de este pianista contribuyó a la excelencia de sus interpretaciones, a ello hay que agregarle también su sólida formación cultural y humanística, puesto que tuvo títulos universitarios en filosofía e historia de la música. Una actividad menos conocida de Kempff era componer. Compuso para casi todo género. Su segunda sinfonía fue tocada por primera vez en 1929 en la Gewandhaus de Leipzig por Wilhelm Furtwängler. También preparó un número de transcripciones de Bach, incluyendo la Siciliana de la sonata para flauta en Mi bemol, que fue grabada por la pianista Idil Biret, y un arreglo no muy conocido del Minuett en Sol menor de una Suite para clavecín por Händel.

Le escucharemos hoy en el 1er movimiento de la Sonata Al Claro de Luna de Beethoven

   

Y de propina, también por Kempff, el tercer movimiento "presto agitato"

El 24 de Noviembre me suena Libertad Lamarque

El 24 de Noviembre de 1908 nace Libertad Lamarque Bouza  en Rosario. Actriz argentina que vivió gran parte de su vida en México. Sus inicios en la actuación ocurrieron a la edad de siete años en actos de su escuela primaria. En 1924, instalada en Buenos Aires, fue contratada para actuar en el Teatro El Nacional y grabar discos con la compañía RCA Víctor, convirtiéndose en una de las primeras cantantes de tango surgidas en la década de 1920 que crearon la modalidad vocal femenina. Su debut en cine ocurrió en 1930 cuando protagonizó un filme mudo, Adiós, Argentina, de Mario Parpagnoli, mientras que en 1933 intervino en la primera película sonora argentina, ¡Tango!. Calificada como «la reina del tango», al año siguiente fue elegida «Miss Radio» por votación popular. Considerada como la actriz argentina con mayor trayectoria en el ámbito internacional, Lamarque filmó La sonrisa de mamá y se retiró del cine. El resto de su carrera estuvo ligado al tango y al medio televisivo, en el que participó de varias telenovelas. Hacia el final de su vida, obtuvo importantes premios y reconocimientos en diversos países. Fue designada «Ciudadana ilustre de la Ciudad de Buenos Aires» en 1990 y «Personalidad Emérita de la Cultura Argentina» en 1995. A la edad de 90 años, incursionó en La usurpadora y dos años después, recibió el premio Ariel de Oro por su trayectoria. Al momento de su muerte en 2000, se encontraba grabando el ciclo infantil Carita de ángel.

Hoy la escucharemos en dos tangos inolvidables

Caminito

y El Choclo

El 23 de Noviembre me suena Johnny Mandel

El 23 de Noviembre de 1925 nace John Alfred Mandel (conocido como Johnny Mandel) en Nueva York. Compositor musical de jazz también especializado en canciones populares y bandas sonoras de películas. Entre los músicos con los que ha trabajado destaca Count Basie (para quien realizó arreglos en los años 50), Frank Sinatra y Shirley Horn. En 1966 él y Paul Francis Webster ganaron el premio Grammy a la mejor canción del año por The Shadow of Your Smile, canción que ha sido interpretada por cientos de artistas, entre ellos Tony Bennett, quien popularizó la canción.  Ganó también el premio Grammy a los mejores arreglos musicales en 1992 por Unforgettable de Natalie Cole y Nat King Cole y también en 1993 por "Here's to Life" de Shirley Horn. A la edad de ochenta años contribuyó de forma importante en el premio Grammy conseguido por Tony Bennett en 2004 por The Art of Romance con los arreglos y la dirección de la orquesta. Posteriormente ha colaborado también en el clásico Movie Song Album de Bennett para el que Mandel realizó los arreglos como director musical. Las más famosas composiciones de Mandel son Suicide Is Painless (tema principal de la serie y la película M*A*S*H), Close Enough for Love, Emily y A Time for Love. Mandel y Paul Francis Webster colaboraron en la canción "The Shadow of Your Smile" del film The sandpiper (Castillos en la arena), ganadora de un Óscar en 1965. En 2006, la banda auntraliana Tripod realizaron en su álbum "Songs From Self Saucing" un homenaje a Mandel en la canción Theme From Mash Guy. En su discografía aparecen cuatro títulos y en cuanto al cine, entre las películas que ha colaborado destaca ¡Quiero vivir! 

Hoy vamos a escuchar esa canción premiada y tan versionada: The shadow of your smile por Engelbert Humperdinck, pero no el compositor de idéntico nombre sino por el cantante.

SUPLEMENTO DE SANTA CECILIA: El 22 de Noviembre me suena Henry Purcell

El 22 de Noviembre del 230 muere Cecilia de Roma, conocida como santa Cecilia (en latín, sancta Caecilia), según el Martyrologium hieronymianum, fue una noble romana, convertida al cristianismo y martirizada por su fe en una fecha no fácil de determinar, entre los años 180 y 230. Los católicos, que incluyen su nombre en la plegaria eucarística I de la misa, y los ortodoxos conmemoran su muerte el 22 de noviembre. En la Iglesia católica, es patrona de la música, de los poetas, de los ciegos (junto con santa Lucía de Siracusa), de los municipios de Alfafar (Comunidad Valenciana, España), y Villalón de Campos (Comunidad de Castilla y León), y de las ciudades de Albi (Francia), Ómaha (Estados Unidos) y Mar del Plata (Argentina), entre otras. Sus atributos son el órgano, el laúd y las rosas.

En honor a ella, un importante movimiento de renovación de la música sacra católica de finales del siglo XIX recibió el nombre de cecilianismo.

Purcell y Haendel escribieron obras en su honor y hoy presentamos la Ode for St. Cecilia's Day de Purcell

El 22 de Noviembre me suena Arthur Sullivan

El 22 de Noviembre de 1900 muere Arthur Seymour Sullivan en Londres. Compositor inglés de ascendencia irlandesa e italiana. Mejor conocido por sus 14 operetas en colaboración con el libretista W. S. Gilbert, incluyendo H.M.S. Pinafore, The Pirates of Penzance, y El Mikado. El legado artístico de Sullivan incluye 23 óperas, 13 trabajos orquestales, ocho trabajos corales, dos ballets, música incidental de varias obras, y numerosos himnos y otras piezas de iglesia, canciones, baladas de salón, fragmentos de canciones, villancicos, y piezas de cámara y para piano. Dentro de sus himnos y canciones de salón más conocidas se incluyen «Onward Christian Soldiers» y «The Lost Chord». Hijo de un director de banda militar, Sullivan compuso su primer himno cuando apenas tenía ocho años. Fue elegido como solista en el coro de niños de la Capilla Real. El reverendo Thomas Helmore, su maestro de coro, alentó a Sullivan para la realización, publicación e interpretación de sus primeras composiciones. En 1856, la Real Academia de Música galardonó a Sullivan, a la edad de 14 años, con el premio Mendelssohn, permitiéndole estudiar en la Academia y posteriormente en el Conservatorio de Leipzig, ubicado en Alemania. Su pieza de graduación fue un «suite» de música incidental para La Tempestad de Shakespeare. Luego de su interpretación en Londres en 1862, fue una sensación inmediata. Sullivan comenzó su carrera de compositor con una serie de ambiciosos trabajos, intercalados con himnos, baladas y otras piezas. Entre sus primeras y mejores obras destaca un ballet, L'Île Enchantée y su Sinfonía Irlandensa, Cello Concerto y Overture in C (In Memoriam). En 1866, Sullivan compuso su primer ópera cómica en un sólo acto, Cox and Box, la cual es aún muy interpretada. Su mejor trabajo orquestal, la Overture di Ballo. En 1871, Sullivan escribió su primer ópera en colaboración con W. S. Gilbert, Thespis. Ambos optarían por caminos separados, y Sullivan produjo su Festival Te Deum, un oratorio, The Light of the World, y otras piezas, dentro de las que se incluyen música incidental para las producciones de teatro West End de muchas obras de Shakespeare. Ya hacia 1875 el productor Richard D'Oyly Carte reunió a Gilbert y Sullivan para crear una pieza de un sólo acto, Trial by Jury, que se convirtió en un éxito sorprendente. Su ópera H.M.S. Pinafore, se volvería toda una sensación internacional, tal y como The Pirates of Penzance y Patience. Dentro de sus éxitos serios destacan Iolanthe, The Mikado, The Yeomen of the Guard y The Gondoliers. Sullivan fue nombrado caballero por sus contribuciones a la música en 1883. Sus pocas frecuentes y serias piezas durante la década de 1880 incluyen dos oratorios, The Martyr of Antioch y The Golden Legend , su trabajo coral más popular. Ivanhoe, la única ópera seria de Sullivan, aunque inicialmente fue muy exitosa en 1891, fue poco escuchada después. Gilbert se separó de Sullivan en términos económicos en 1890, por algunas discusiones sobre gastos en el Savoy. Se reunieron en los años 1890 para dos óperas más, pero estas no lograron popularidad. Sullivan continuó componiendo óperas cómicas con otros libretistas así como algunos trabajos mayores y menores a través de la década. Su estilo de ópera cómica sirvió de modelo a las generaciones de compositores de teatro musical que le siguieron, y su música se sigue tocando, grabando y adaptando frecuentemente.

Escucharemos hoy la Obertura de su ópera Los Piratas de Penzance, que a buen seguro a alguien le va a sonar

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El 21 de Noviembre me suena Francisco Tárrega

El 21 de Noviembre de 1852 nace Francisco de Asís Tárrega Eixea en Villarreal. Compositor y guitarrista español. Un accidente marcó su infancia cuando, al parecer, cayó a una acequia en un descuido de la muchacha que le cuidaba, y quedó su vista dañada. Su padre, con el temor de que quedara ciego, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como músico. Entró en el Conservatorio de Madrid en 1874, donde estudió composición con Emilio Arrieta. A finales de 1870 enseñaba guitarra (Emilio Pujol y Miguel Llobet fueron alumnos suyos) y daba conciertos con regularidad. Virtuoso de su instrumento, era conocido como el Sarasate de la guitarra. En 1880 dio recitales en París y Londres. Durante el invierno de 1880, sustituyó a su amigo y guitarrista Luis de Soria en un concierto en Novelda (Alicante), ciudad donde conoció a su futura esposa, María Rizo. En 1881, después de un concierto en Lyon, llegó a París, donde conoció a los personajes más importantes de la época. Actuó en varios teatros, y fue invitado a tocar para la reina Isabel II de España. Tras tocar en Londres, volvió a Novelda para contraer matrimonio con su prometida María Rizo. Realizó frecuentes giras: Perpiñán (Francia), Cádiz (España), Niza (Francia), Mallorca (España), París, Valencia y más. En Valencia conoció a Conxa Martínez, rica viuda que lo tomó bajo su protección artística, y le ofreció a él y a su familia una casa en Barcelona. Allí es donde compuso la mayor parte de sus más famosas obras. De vuelta de un viaje a Granada escribió el trémolo Recuerdos de la Alhambra, y en Argelia le llegó la inspiración para componer Danza mora. Allí conoció a Camille Saint-Saëns y más tarde, en Sevilla, escribió la mayor parte de sus Estudios. A su querido amigo y compositor Tomás Bretón le dedicó el hermoso Capricho árabe. Se instaló en 1885 en Barcelona, y allí murió el 15 de diciembre de 1909. Aparte de sus obras originales para guitarra, que incluyen Recuerdos de la Alhambra, Lágrima, Capricho Árabe, Variaciones sobre la Jota Aragonesa y Danza Mora, arregló piezas de otros autores para este instrumento, como algunas de Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin, Felix Mendelssohn y la famosa Serenata Española del catalán Joaquim Malats. Como otros de sus contemporáneos españoles, su amigo Isaac Albéniz, por ejemplo, Tárrega tuvo interés en combinar la tendencia romántica que prevalecía en la música clásica con los elementos populares españoles. Se considera el creador de los fundamentos de la técnica de la guitarra clásica del siglo XX y del interés creciente por la guitarra como instrumento de recital.

Y hoy escucharemos ese Recuerdos de la Alhambra interpretado nada menos que por Narciso Yepes.

SUPLEMENTO DOMINICAL: El 20 de Noviembre me suena Alexander Hrustevich

Hoy comienzo a publicar un SUPLEMENTO DOMINICAL con aquellos músicos de los que carezco de fechas para hacerlos sonar como los otros más de mil que tengo en mi base de datos. De algunos de ellos se desconoce en absoluto y otros es que parece que no quieren que se sepa y no tendríamos ocasión de que ninguno de ellos apareciese por aquí. De modo que cada domingo, hasta que se agote la cantera irán apareciendo alfabéticamente en este SUPLEMENTO de Este día me suena. Hay otros, generalmente antiguos, de los que al menos tengo un dato; bien la fecha de nacimiento, bien la de fallecimiento y éstos no aparecerán por aquí. A ellos les daré una cierta prioridad y sonarán, como todos los demás, al menos una vez.

Y hoy estrena la sección y sonará:
 

Aleksandr Hrustevich (nacido en 1983 en Ucrania) es un músico cuya especialidad es el bayan (que es un acordeón de botón cromático ruso), un instrumento ampliamente desconocido en los Estados Unidos, pero ganando impulso en Europa, gracias a él. En octubre de 2008 subió un vídeo de sí mismo tocando dos minutos del "Verano" de Las cuatro estaciones de Vivaldi, así como algunos otros vídeos. Un año más tarde, ese vídeo fue viral, especialmente después de que fue presentado en alguna televisión. Su padre le había comprado un bayan cuando tenía cinco años. Cuando llegó a la Academia de Música, se dio cuenta de lo importante que era para él la música. Quería convertirse en el mejor intérprete de bayan del mundo. Entró en la Academia Nacional de Música de Ucrania en Kiev y estudió con el profesor Vladimir Besfamilnov. Su mayor sueño es aparecer en Carnegie Hall en la ciudad de Nueva York, hasta ahora ha tocado en muchos otros países, pero los conciertos más memorables fueron en Brasil. El bayan fue inventado en Rusia y es muy popular allí, pero ahora también toda Europa está muy interesado en este instrumento y es ampliamente utilizado. La primera transcripción que tocó fue "Passacaglia" de Bach para el órgano, pero le gusta tocar música diferente - clásica, romántica, nacional, contemporánea y jazz.  Hace algún tiempo fue invitado a actuar con Bobby McFerrin que le eligió para su actuación en Kiev.

Hoy conoceremos al personaje de este domingo con los siguientes temas:

Verano (ult. Mov.), de Las Cuatro estaciones, obra que le dio a conocer en la red y le dio paso a la fama:




Exhibición (encore New Musical Generation Summer Festival ): 

El 20 de Noviembre me suena Paco Ibáñez

El 20 de Noviembre de 1934 nace Francisco Ibáñez Gorostidi (conocido como Paco Ibáñez) en Valencia. Cantante español. Ha dedicado casi íntegramente su trayectoria artística a musicalizar poemas de autores españoles e hispanoamericanos, tanto clásicos como contemporáneos. De padre valenciano y madre vasca, pasó su primera infancia en Barcelona, lugar en el que vuelve a residir desde 1994. Paco aprendió de su padre el oficio de ebanista, al tiempo que comenzó a estudiar violín, para sustituirlo al poco tiempo por la guitarra. Instalado con su familia en París, a principios de los años cincuenta, descubrió primero la música de Georges Brassens, Edith Piaf, Jacques Brel, Atahualpa Yupanqui y otros. La foto de una mujer andaluza vestida de negro le inspiró su primera canción sobre el poema "La más bella niña", de Luis de Góngora. En 1964, realizó su primera grabación con poemas de Góngora y de García Lorca. Una amiga le llevó a Salvador Dalí, a Cadaqués, un disco de prueba con algunas canciones de Lorca y Góngora. Cuando Salvador Dalí lo escuchó quiso conocer "al muchacho" que había hecho el disco. Cuando se conocen, nacíó la idea de que el pintor realizara el dibujo para la portada del disco y de esta forma comenzó una estrecha relación de Paco, no sólo con el mundo de la poesía y de la literatura en general, sino también con el de las artes plásticas. El segundo disco de la colección "España de hoy y de siempre" aparece en 1967: incluye poemas de Rafael Alberti, Luis de Góngora, Blas de Otero, Gabriel Celaya, Miguel Hernández y Francisco de Quevedo. En febrero de 1968 ofrece su primer concierto en España, en Manresa, durante la "Primera Trobada de Canço de Testimoni". A partir de ahí su actividad se extiende por diversas Universidades llegando a cantar en TVE el tema "Andaluces de Jaén", de Miguel Hernández. Inmediatamente después se instala en Barcelona donde contacta con José Agustín Goytisolo, amistad convertida en colaboración íntima. En 1970, conoce a Pablo Neruda en París, que oye por primera vez sus poemas cantados. "Tú tienes que cantar mis poemas, tu voz está hecha para cantar mi poesía..." le dice el poeta. El ministro de Cultura del Gobierno de Mitterrand, le otorga la medalla del Orden de las Artes y las Letras en 1983. No la acepta: "Un artista tiene que ser libre en las ideas que pretende defender. A la primera concesión pierdes parte de tu libertad. La única autoridad que reconozco es la del público y el mejor premio son los aplausos que se lleva uno a casa." En 1987 Jack Lang le otorga por segunda vez la médaille de l'Ordre des Arts et des Lettres. Nuevamente la rechaza. A principios de la década de los 90 publica un nuevo disco “Por una canción”. Se instala definitivamente en España, primero en Madrid, después en Aduna y desde 1994 en Barcelona. En el mes de agosto de 1998, Almenara, Sociedad Cultural Andaluza, le concede en Barcelona el Premio "Gerald Brenan" en reconocimiento a su larga trayectoria en pro de la libertad y la poesía, así como su esfuerzo de independencia de los poderes políticos, económicos y culturales; siguiendo su principio de no aceptar premios, lo rehúsa.  Tiene en su haber nueve discos de estudio y seis de directo, además de dos recopilatorios

Hoy cantará a Quevedo con Don Dinero

El 19 de Noviembre me suena Josep Maria Tarridas

El 19 de Noviembre de 1903 nace Josep Maria Tarridas i Barri en Sant Pol de Mar. Compositor español de música bailable así como de sardanas. Estudió en su pueblo natal y fundó y dirigió una cobla en Calella, fundó también el orfeón La Barretina en Malgrat de Mar. Aunque su dedicación más habitual eran los bailables, alguna incursión en el cine y en temas sinfónicos, tuvo una importante contribución a la sardana con más de cien de ellas escritas. Residía habitualmente en Madrid, pero también frecuentaba el Centro Aragonés de Barcelona. Su obra más emblemática, la que le dio a conocer, la fama y el aprecio de las gentes de Canarias fue un pasodoble sobre las islas, islas que nunca había visitado pero de las que supo pulsar el alma en su obra Islas Canarias. Pero no se quedó ahí, hay que resaltar que escribió también: Canarias bendita, Suspiros canarios y una zarzuela titulada Clavelina sobre una obra del también canario Benito Pérez Galdós.

Publico arriba la única foto que se puede encontrar de él en la red. Siempre suelo tener abundantes fotos entre las que elegir para el tema del día; pero; desgraciadamente del Maestro Tarridas sólo he encontrado ésta y la del busto que tiene en Sant Pol. Y si no fuera por la fama de Islas Canarias, lo único suyo en YouTube serían cuatro sardanas y nada del resto de su abundante obra, pero de la que se conoce bien poco.

Pongo hoy Islas Canarias interpretada por Los Sabandeños y a continuación una foto que yo diría es del Maestro de más joven en una de las cenas del Centro Aragonés de Barcelona (si estoy equivocado y/o si alguien tiene otra foto, agradecería me lo hiciera saber)

El 18 de Noviembre me suena Alain Barrière

El 18 de Noviembre de 1935 nace Alain Bellec (conocido como Alain Barrière) en La Trinité-sur-Mer, Morbihan. Cantante francés, que respresentó a su país en el Festival de la Canción de Eurovisión 1963. Creció en una pequeña villa de la costa de Bretaña, en 1955 Barrière se inscribe en la École nationale supérieure d'arts et métiers en Angers. Como estudiante tocaba la guitarra y comienza a escribir canciones. Se gradúa en ingeniería en 1960, y se muda a París para encontrar trabajo, es entonces cuando comienza a actuar por las noches en clubes de la capital. Gana un concurso en 1961 con su canción "Cathy"; su estilo basado en la chanson sin concesiones a la floreciente escena yé-yé, sin embargo consigue un contrato con una discográfica y comienza a lanzar sencillo regularmente, permitiéndole dejar su trabajo y vivir modestamente de la música. En 1963, la canción de Barrière "Elle était si jolie" ("Ella era tan bonita") fue elegida para representar a Francia en el octavo Festival de Eurovisión 1963 que se celebró en Londres el 23 de marzo. "Elle était si jolie" acabó en quinta posición de un total de 16 países. "Elle était si jolie" se convirtió en el tema más vendido de la carrera de Barrière. Lanzó su primer álbum, Ma vie, en 1964. El título que daba nombre al álbum se convirtió en todo un éxito. En 1965 aceptó un papel en la película, Pas de panique, junto a Pierre Brasseur. Esta fue su única aventura como actor. A inicios de los años 70 abandonó su compañía y creó su propio sello. "Tu t'en vas", cantada con Noëlle Cordier, fue todo un éxito en 1975. Barrière contrajo matrimonio en 1975, con su mujer abrió un restaurante en un castillo de Bretaña. A pesar de ser un sitio popular, Barrière pronto tuvo dificultades financieras y en 1977 abandonó Francia con la familia y se instaló durante cuatro años en los Estados Unidos. Tras volver a Francia, Barrière intentó varias veces retornar a su carrera musical, con poco éxito. Tras otro periodo fuera, esta vez en Quebec, la familia volvió a Bretaña cuando la carrera de Barrière inesperadamente rejuveneció con el lanzamiento de un CD en 1997 con versiones remasterizadas de sus viejos éxitos. Poco después, Barrière lanzó un álbum con nuevo material que también alcanzó grandes ventas. Ha pubicado una autobiografía en 2006 y continua publicando álbumes. Entre los años 1963 y 1978 grabó cerca de veinte sencillos.

Hoy vamos a escuchar aquella canción que llevó al Festival de Eurovisión.

El 17 de Noviembre me suena Celso Albelo

El 17 de Noviembre de 1976 nace Celso Albelo en Santa Cruz de Tenerife. Tenor lírico ligero español. Estudió en el Conservatorio Superior de Música de su ciudad y en la Escuela Superior de Canto Reina Sofía de Madrid, perfeccionándose más tarde con Carlo Bergonzi en la Accademia de Busseto. En 2006 debuta con el personaje del Duca di Mantova de Rigoletto (Verdi) en Busseto, junto a Leo Nucci. Después canta en Teatro de La Scala de Milán (Pagliacci, Don Pasquale), en La Fenice de Venecia (L’elisir d’amore, Rigoletto), en el Rossini Opera Festival de Pésaro (Stabat Mater), en la Accademia de Santa Cecilia en Roma (Guillaume Tell), en el Teatro Verdi de Trieste (Don Pasquale, Les pêcheurs de perles, Maria Stuarda), el Carlo Felice de Génova (Don Pasquale), en el Comunale de Bolonia (I Puritani), el Verdi de Salerno (Lucia di Lammermoor, I puritani), el Lírico de Cagliari (Falstaff, L’elisir d’amore), el Festival de las Termas de Caracalla de Roma (Rigoletto), el Massimo Bellini de Catania (Maria Stuarda), el Teatro Real de Madrid (Rigoletto), el Pérez Galdos de Las Palmas de Gran Canaria (La Sonnambula, L’elisir d’amore), el Teatro Campoamor de Oviedo, el Festival de Ópera de La Coruña (Rigoletto, Don Pasquale, I Puritani, La Fille du régiment ), Festival de Peralada (Don Pasquale), la Opernhaus de Zúrich (Rigoletto, Don Pasquale, La Juive, Gianni Schicchi, Maria Stuarda), el Festival de Ópera de Savonlinna (I Puritani), el Festspielhaus Baden-Baden (La Sonnambula), la Ópera de Tokyo (Lakmé), Ópera de Montecarlo (Rigoletto), la de Hamburgo (L’elisir d’amore) y el Concertgebouw de Ámsterdam (Guillaume Tell). Recentemiente ha cantado en la Royal Opera House de Londres (La Sonnambula ), en la Opéra National de Paris (La fille du régiment ), la Wiener Staatsoper (L'elisir d'amore, La sonnambula), en la Deutsche Oper de Berlín, el Gran Teatre del Liceu de Barcelona (La Sonnambula, I Capuleti e i Montecchi) (Lucia di Lammermoor ). Como se ve tiene un amplio repertorio y ha actuado en innumerables teatros. Y ha sido galardonado con el Premios Ópera Actual 2008, el Oscar de la Lírica de la Fundación Verona per l’Arena (2010-2012), el Premio Lírico Teatro Campoamor 2010 en la categoría Cantante revelación (por I Puritani) y en 2012 en la categoría Mejor tenor de la temporada (por L'elisir d'amore en Bilbao). Ha recibido la Medalla de Oro de Canarias 2013, el Premio Giuseppe Lugo 2013 en Italia y el Premio Codalario 2014.

Hoy le escucharemos en una vibrante jota, la Jota del Trust de los Tenorios del Maestro Serrano.

El 16 de Noviembre me suena Paul Hindemith

El 16 de Noviembre de 1895 nace Paul Hindemith en Hanau. Compositor, violinista, violista y musicólogo alemán. Hindemith está considerado como uno de los compositores más influyentes de la primera mitad del siglo XX; su aportación creadora abarca desde el expresionismo hasta el neoclasicismo, y su enorme catálogo comprende todos los géneros musicales. Ajeno y contrario al espíritu del romanticismo y el culto a la genialidad, Hindemith reivindica la artesanía y la práctica musical: “Es mejor hacer música que escucharla”. Hindemith comenzó a tocar diversos instrumentos desde niño, bajo la supervisión de su padre, que tenía formación musical y quería hacer de él un músico de éxito. A causa de la falta de recursos de su familia, tuvo que tocar en teatros, cafés, tabernas y bandas de música para mantenerse y pagar sus estudios en el Conservatorio de Francfort donde estudió violín, dirección de orquesta, armonía y composición. Antes de cumplir los veinte años, fue nombrado violinista en la Ópera de Fráncfort, y ascendido a concertino. En 1921 funda el Cuarteto Amar, en el que toca la viola, y con el que recorrerá Europa. Hacia esa época, Hindemith comienza a ser conocido en los círculos de música de vanguardia, tras presentar algunas obras en la Sociedad Internacional de Música Contemporánea en el Festival de Salzburgo. Desde 1923 trabaja en la organización del Festival de Donaueschingen, donde se estrenan obras de música contemporánea, incluyendo a compositores como Arnold Schönberg o Anton Webern. En poco tiempo, Hindemith se convierte en una de las grandes promesas de la música alemana del período de entreguerras y en el símbolo de la vanguardia musical de la República de Weimar, adquiriendo fama de provocador e iconoclasta. Durante los años 20 se consolida su prestigio como compositor y es nombrado profesor de Composición en la Escuela Superior de Música de Berlín.

Entre su creación hay once obras escénicas especialmente óperas, quince obras orquestales especialmente sinfonías, doce conciertos para varios instrumentos, veintitres obras de música de cámara (cuartetos, sontatas y otros) y de música vocal compuso canciones, oratorios, motetes, un réquiem y una misa.

Hoy escucharemos un fragmento de su ópera Matías el pintor

Y, como curiosidad, veremos al mismo autor dirigiendo su Concert Music for Strings and Brass, Op. 50, pero no puedo insertar el vídeo aquí, por lo que pongo a continuación el enlace: 

 https://youtu.be/s3BRFYc9LOw

El 15 de Noviembre me suena Mark John McEncroe

El 15 de Noviembre de 1947 nace Mark John McEncroe en Sydney.  Compositor australiano de piano, de música ligera contemporánea y música orquestal. Durante la mayor parte de su vida laboral fue cocinero profesional y también trabajó en la industria discográfica. Comenzó ya a los 32 años sus estudios musicales;  primero estudió piano, luego clarinete y teoría musical. A la edad de 50 años se retiró como chef para concentrarse completamente en su música y estudiar composición y teoría musical. Desde 2007 ha estado trabajando en la orquestación y composición. Orquestaciones de obras de McEncroe se han grabado en la República Checa con la Orquesta Filarmónica Janacek en un CD "Affirmations & Aspirations" que contiene dos poemas sinfónicos "The Passing" y "A Celebration of The Natural World" junto con "Fanfare suite" una suite orquestal en cuatro movimientos. También ha grabado dos volúmenes con obras para piano "Reflexiones y recuerdos - imágenes musicales para piano". Es autor de: Reflections & Recollections Vol.1 - Imágenes musicales para piano, Reflections & Recollections Vol.2 - Imágenes musicales para piano, Suite Fanfare - Suite Orquestal en Cuatro Movimientos, Poema sinfónico "El paso", Poema sinfónico "Una celebración del mundo natural", Suite de Natalie - Tres caras de la adicción - Suite sinfónica para piano y orquesta y Suite Sinfónica - "Just Another Medieval Tale".

Hoy escucharemos una de esas sencillas y sugerentes piezas para piano: "Introspective Moments"

El 14 de Noviembre me suena Richard Addinsell

El 14 de Noviembre de 1977 muere Richard Addinsell en Londres. Compositor inglés que se dedicó principalmente a componer música para el cine. El Concierto de Varsovia, del largometraje Dangerous Moonlight, es una de sus obras más célebres. También escribió la banda sonora de Alicia en el país de las maravillas, entre otras muchas obras cinematográficas. Durante su niñez no asistió a la escuela, siendo instruido en su propia casa. Más tarde, al finalizar sus estudios en el Hertford College de Oxford, intentó estudiar derecho, pero fracasó en el intento, por lo que empezó a estudiar música en el Royal College of Music, aunque tampoco logró finalizarla. En 1941 escribió el Concierto de Varsovia para la película Dangerous Moonlight, una pieza de piano bastante popular. Fue grabada más de un centenar de veces, y ha vendido más de tres millones de copias. Addinsell también escribió Southern Rhapsody, una breve pieza orquestal que sonaba cada mañana al inicio de las retransmisiones de TV por la compañía Southern Television en Inglaterra desde 1958 hasta 1981. En 1932 escribió, junto con Clemence Dane, la banda sonora de Alicia en el país de las maravillas. En 1933 se trasladó a los Estados Unidos. En 1942 colaboró con Joyce Grenfell en varios espectáculos televisivos. Los estudios cinematográficos, como era frecuente con la música del cine en la década de 1950, destruyeron la mayor parte de su obra, asumiendo que nadie estaría interesado en ellas. Sin embargo, se han publicado algunas grabaciones de su música desde su muerte, siendo reconstruidas por el musicólogo y compositor Philip Lane a partir de las bandas sonoras de las propias películas, un total de doce cintas.

Hoy podría poner The isle of apples que hace referencia a  Avalon, de la leyenda artúrica y que es poco conocida, pero pondré su obra más emblemática: El Concierto de Varsovia acompañado por unas interesantes postales antiguas

13/11/2016.- ¡1.200 REGISTROS EN MI BASE DE DATOS!

Entre compositores, intérpretes vocales o instrumentales, grupos y otras efemérides musicales hoy he conseguido llegar a los 1.200 registros en mi base de datos.

Hoy, con el barítono Hugo Avendaño he llegado a esa cifra redonda y, para celebrarlo pongo al final un vídeo suyo interpretando "A mi manera" (My Way o Comme d'habitude) de Claude François.

Cada día se hace más difícil aunque, a veces, al preparar la ficha biográfica del protagonista de cada día, aparecen otros nombre que añado en la búsqueda de información y pasa como con las cerezas, tirando de uno salen otros. Advierto que la mayor parte de la información, así como las biografías las obtengo con Google y Wikipedia, con un copia y pega y edición con recortes o añadidos posteriores, porque yo no soy una enciclopedia con patas. Sigo teniendo problemas para conseguir fechas de nacimiento para músicos muy antiguos de los que se desconoce el dato, o el de defunción; pero también me pasa con algunos recientes o actuales que posiblemente prefieren ocultar esa información. A algunos les he escrito solicitando datos pero no he tenido respuesta. Lógicamente no puedo incluirlos en su día aunque sí los tengo fichados:

Aprovecho ahora para poner aquí esos artistas de los que me faltan datos a ver si alguien me consigue cubrir alguna de esas lagunas. Gracias

(De los recientes o actuales pongo alguna nota orientativa, pero los demás son compositores clásicos antiguos y no pongo nada más que los datos que he conseguido) 

Adriano Banchieri  N.- 3/9/1568  M.-  ?/?/1634
Albert Gamse N.- 31/7/1901  M.- -?/?/1974     autor de "hava nagila" y "amapola"
Alexander Hrustevich  N.-?/?/1983                    virtuoso del acordeón       
Andrea Falconieri N.- ?/?/1585 M.-  29/7/1656
Andrea Gabrieli  N.-?/?/1533 M.-  30/8/1585
Antonio Caldara  N.- ?/?/1670 M.-  26/12/1736
Ara Malikian  N.-?/?/1968                                    violinista excepcional
Arnaut Daniel N.-?/?/1150 M.- ?/?/1210
Boriz Zaitsev  N.- ?/?/?  M.-   autor de "Prastitie"
Christian Petzold N.-  ?/?/1677 M.-  23/7/1733
Dietrich Buxtehude  N.- ?/?/1637 M.-  9/5/1707
Emilio del Cavaliere  N.- ?/?/? M.- 11/3/1602
Emilio Morales  N.-   ?/?/?                                     pianista cubano actual
Frank Diago  N.-    4/4/1640 M.-  ?/?/1710
Giovan Battista Sanmartini  N.- ?/?/1700 M.-  15/1/1775
Giovanni Gabrielli N.- ?/?/1563 M.-  2/8/1612
Giovanni Giacomo Gastoldi N.- ?/?/1555 M.-  4/1/1609
Giraut de Borneil   N.-   ?/?/1138 M.-  ?/?/1215
Guillaume de Machaut N.- ?/?/1300 M.-  13/4/1377
Henry Purcell N.- ?/?/1659 M.-  21/11/1695
Indira Ferrer Morató  N.- ?/?/1978                       soprano de Gerona
Iosif Ivanovici N.- ?/?/1845 M.-  28/9/1902          autor de valses y polkas
Jan Pieterszoon Sweelinck  N.-  ?/?/1562 M.-  16/10/1621
Javier Limon  N.-   ?/?/1973                                compositor, productor y guitarrista
Johannes de Florentia  N.- ?/?/1340 M.-  ?/?/?
Johannes Ockeghem N.- ?/?/1410 M.-  6/2/1497
John Dowland   N.- ?/?/1563 M.-  20/2/1626
Jorge Sepulveda  N.- ?/?/1917  M.- 16/6/1983    cantante de boleros y pasodobles
Jose Ferrero N.-  ?/?/1972  M.- 4/3/2016             Tenor albacetense fallecido este año
Josquin Desprez  N.- ?/?/1450 M.-  27/8/1521
Juan Madera Castro  N.-  ?/?/?                              autor de "La pollera colorá"
Laura Gomez Llanos Barraza  N.- ?/?/?                autora de "Esta Noche La Paso Contigo"   
Leonin  N.-   ?/?/1150 M.-  ?/?/1201
Lorenzo Valverde  N.- ?/?/?                                    cantante y actor
Luisita Tenor  N.-  ?/?/1941                                     cantante       
Marc Antoine Charpentier  N.- ?/?/1643 M.-  24/2/1704
Maria Teresa Lara   N.-  ?/?/1904 M.-  23/5/1984    compositora, hermana de Agustín Lara
Marino Garcia Gonzalez  N.- ?/?/1910 M.-  ?/?/1986    autor de "Mirando al mar"
Orlando di Lasso  N.-  ?/?/1532 M.- 14/6/1594
Peer Wyboris    N.-  ?/?/? M.- 22/8/2008                 batería de jazz
Perotin   N.- ?/?/1160 M.-  ?/?/1230
Rosendo Mato Hermida N.- 26/4/1914 M.-  ?/?/1994    musicó obras de Castelao y muñeiras
Tomas Luis de Victoria N.-  ?/?/1548 M.-  27/8/1611
William Byrd  N.-  ?/?/1543 M.-  4/7/1623